En este volumen se recogen los Cuentos completos de Melville y el lector tendrá ocasión de descubrir en él no sólo las claves de una literatura inspiradísima, extemporánea y visionaria, sino también la apreciable deuda que la posteridad ha contraído, y quizá no saldado, con su autor, sin duda uno de los mayores precursores de las corrientes literarias del siglo XX.

Kate tiene veintidós años y su primer trabajo verdadero, y junto con el trabajo, como maestra de una escuela de Tasmania, ha llegado también su primera relación clandestina, su primer hombre casado: Kate es la amante de Thomas, padre de uno de sus alumnos. El adulterio, ahí donde se levantaron las primeras colonias penales de Australia, donde cualquiera puede ser descendiente de un convicto o de un carcelero, no se puede tomar a la ligera. Kate descubre que la mujer de Thomas es la autora del libro más leído de la temporada, una investigación sobre un sangriento crimen nunca resuelto, en el que la víctima fue la joven amante de otro de los hombres casados del lugar...

La figura dominante en este libro es Abraham, aquel que sabe que tiene que callar y que calla hasta que el ángel lo interrumpe en el momento en que se dispone a dar muerte a su hijo preferido, Isaac. ¿Cómo interpretar el secreto de Abraham y la ley de su silencio? Según sugirió Kierkegaard el misterio de Abraham radica en que, en cualquier caso, debe pedir perdón por obedecer. Sin embargo, hoy nos resulta indescifrable ese momento inaudito, no sabemos cómo reinterpretarlo. Y, por otra parte, ignoramos quién puede considerarse autorizado a reinterpretar la innumerable cantidad de lecturas a que ha dado lugar la historia de Abraham, lecturas que se hunden en el fondo de los abismos de nuestra memoria. Sin embargo, por más abismal que sea, esa memoria forma parte irrevocable de nuestra herencia. Podemos renegar de ella, pero aún así persiste y sigue dictando una determinada lectura del mundo. Sea de la mano de Platón, Nietzsche, Kierkegaard y Lévinas, o bien a través de alusiones literarias a Melville y Kafka, Derrida nos ofrece un análisis profundo y sugestivo de la inconcebible pero certera muerte en primera persona. Una vez más, todo lo que Derrida pone en juego en este texto, desde la historia de Europa hasta la posibilidad de la literatura, permite apreciar la ambición de uno de los pensadores más originales y complejos de la segunda mitad del siglo XX.

Holly Golightly, la protagonista de Desayuno en Tiffany's, es quizá el más seductor personaje creado por este maestro de seducción que fue Truman Capote. Atractiva sin ser guapa, tras rechazar una carrera de actriz en Hollywood, Holly se convierte en una estrella del Nueva York más sofisticado; bebiendo cócteles y rompiendo corazones, parece ganarse la vida pidiendo suelto para sus expediciones al tocador en los restaurantes y clubs de moda, y vive rodeada de tipos disparatados, desde un mafioso que cumple condena en Sing Sing y al que visita semanalmente, hasta un millonario caprichoso de afinidades nazis, pasando por un viejo barman secretamente enamorado de ella. Mezcla de picardía e inocencia, de astucia y autenticidad, Holly vive en la provisionalidad permanente, sin pasado, no queriendo pertenecera nada ni a nadie, sintiéndose desterrada en todas partes pese al glamour que la rodea, y soñando siempre en ese paraíso que para ella es Tiffany's, la famosa joyería neoyorquina. Desayuno en Tiffany's es una extraordinaria novela corta que, por sí sola, bastaría para consagrar a un autor. "Impecablemente construida, con unos diálogos llenos de ingenio, ritmo y naturalidad, y con varios personajes secundarios excepcionales, Desayuno en Tiffany's es una prueba mayor, pese a su brevedad, del enorme talento de Truman Capote para combinar lirismo, tono mundano y una nobilísima sentimentalidad" (Eduardo Mendicutti).

De ?atroz desmoche? calificó Pedro Laín Entralgo la depuración franquista de las universidades españolas. La ciencia, a la que se quiso alejar de las corrientes intelectuales de la Europa de su tiempo, quedó sometida a la ideología nacional-católica y se procedió a asesinar, cesar, encarcelar, trasladar, inhabilitar y sancionar a decenas de profesores, cuyas vacantes se convirtieron en botín de guerra para los adictos que superaban el filtro en que la ?adhesión inquebrantable? había desplazado al mérito científico como argumento para el acceso a la enseñanza. En los últimos años se ha escrito mucho acerca de la represión franquista pero, sorprendentemente, apenas se ha hablado acerca de este proceso de destrucción de la universidad, que tan graves efectos tuvo sobre la actividad científica y, en consecuencia, sobre el desarrollo del país. Este libro, basado en un ingente trabajo de investigación en los archivos, nos ofrece, por primera vez, el cuadro global de esta gran tragedia.

El presente texto trabaja con la noción de imperialismo cultural, entendido como la imposición encubierta de un modelo sociocultural particular al resto del mundo. En este sentido, los autores indagan en conceptos tales como raza, underclass y flexibilidad, para develar cómo la conceptualización de los mismo, por parte del modelo norteamericano, se impone en el resto de países como verdades universales. Destacan el importante papel que juegan los organismos internacionales, las editoriales, el periodismo y en especial los intelectuales "progresistas" en la difusión de esos valores que, una vez deshistorizados son tomados como universalismos y propagados en realidades diferentes sin tener en cuenta las particularidades de cada sociedad.

A finales de los años ochenta, muchos directores como Steven Soderbergh, Quentin Tarantino, Ang Lee o Robert Rodríguez cosechaban premios, algunos llegaron a Cannes. Muchos de ellos, descubiertos en el Festival de Cine de Sundance, creado por Robert Redford, fueron aupados por Harvey y Bob Weinstein, cuya compañía cinematográfica, Miramax, arrasaba en cada certamen. Peter Biskind cuenta la historia de los directores y las distribuidoras independientes que revitalizaron Hollywood en los noventa. Sigue la trayectoria expansiva de Sundance, que de festival cinematográfico regional se convirtió en el principal escaparate del cine independiente. Traza la meteórica ascensión de Harvey Weinstein, quien dejó tras de sí una estela de cadáveres pero logró crear una fábrica de Oscars. Sexo, mentiras y Hollywood es una lectura obligatoria para todo aquel que se interese por el mundo cinematográfico y quiera saber hacia dónde se dirige. «Cometí el error de ponerlo sobre la mesilla de noche, y fue como si tuviera al lado una bolsa de marihuana y dijera "no voy a fumar". No podía dejarlo» (Quentin Tarantino); «Es un fragmento fascinante de la historia cultural, un fragmento que rebosa de los cotilleos más jugosos» (The Times); «Muestra con lucidez cómo los movimientos de vanguardia se convierten en el establishment» (The New Yorker).

En este ensayo trata Horkheimer de definir y fundamentar un modo de entender la investigación científica que renuncia a los tópicos de la teoría tradicional de cuño positivista (la neutralidad valorativa y la orientación técnica del saber científico) y que, retomando expresamente la peculiar síntesis de aspiración al máximo rigor científico y de máximo compromiso político que caracteriza a la teoría económica de El capital de Marx, reconoce expresamente el interés práctico que la determina, su condición de teoría políticamente comprometida en la instauración de una sociedad racional y justa. Muy diferente es el segundo ensayo que compone este volumen, «Razón y autoconservación» (1942), perteneciente a una segunda época del pensamiento del autor marcada por la experiencia del fascismo y de la Segunda Guerra Mundial y caracterizada por el abandono del programa revolucionario marxista y la sustitución de las investigaciones sociológicas positivas por una crítica radical de la cultura centrada en torno al fenómeno de la reducción de toda racionalidad a razón instrumental, crítica que culmina en la gran obra conjunta de Horkheimer y Adorno, Dialéctica de la Ilustración. Este volumen muestra, pues, el contraste entre dos períodos muy diferentes del itinerario de la Escuela de Francfort, y permite al lector valorar si la teoría crítica debe ejercerse como crítica filosófica de la cultura o si por el contrario (como cree Habermas) debe recuperar los rasgos que definiera Horkheimer en su ensayo, ya clásico, de 1937. La introducción ha corrido a cargo de Jacobo Muñoz, catedrático de Filosofía de la Universidad Complutense y especialista en pensamiento contemporáneo, sobre cuyas diferentes corrientes ha publicado numerosos trabajos.

Marcel Duchamp está considerado como uno de los artistas más influyentes de este siglo. Sus revolucionarias ideas y su inteligencia iconoclasta se han convertido en una referencia indispensable. Se ha dicho ya que la vida de Duchamp es su mejor obra de arte, pero ha habido que esperar a la publicación de la monumental biografía de Calvin Tomkins para comprender plenamente la interacción entre su vida y su obra. Nacido en el seno de una familia burguesa, Duchamp decidió seguir el ejemplo de sus dos hermanos mayores y se instaló en París pocos años antes de que el cubismo revolucionara la pintura. A pesar de coincidir con ese hito histórico, a lo largo de su longeva existencia se trazaría siempre su propio e irrepetible camino: una osadísima aventura en la que el arte se concebía, ante todo, como una cosa men-tale, en el espíritu de Leonardo da Vinci. Fue Duchamp quien, de una manera más radical que nadie, planteó que el arte debía tener una realidad propia y abandonar la mera imitación. Duchamp quiso siempre colocar el arte al servicio de la mente y fue precisamente ese deseo -espoleado por su particular uso del lenguaje, el azar, la óptica, las películas y demás técnicas metavisuales y, por encima de todo, por sus célebres ready mades- lo que socavó sigilosamente quinientos años de arte occidental hasta transformarlo por completo. Son muchos los libros que se han escrito acerca de Duchamp, pero la biografía de Tomkins resistirá el paso de los años como la definitiva. Un texto soberbiamente escrito que nos revela el humor del artista, su originalidad, su poder de seducción, sus aventuras amorosas y su influencia sobre personalidades lege: darias que le admiraban con devoción. Con sus más de cien reproducciones y fotografías poco conocidas, cautivará a todos los interesados en el arte y la cultura de nuestro tiempo.

Distanciarse de los sentimientos de odio y contra-odio, de la dicotomía entre el bien y el mal, generadores de amalgamas y reducciones, comprender la lógica y a estética del letal juego especular entre el «yo», interrogar a la globalidad de la violencia consustancial a nuestro mundo caído en desgracia? Tales son, entre muchas otras, las preguntas que quisimos plantear sin tapujos, con firmeza y singularidad, en los Jueves del IMA, acompañados por Jean Baudrillard y Edgar Morin, tras los siniestros atentados del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York. Sus reflexiones en torno a este hecatombe contrastan, cada una a su modo, con aquella, tan sumaria como reductora, de los pseudoespecialistas o de los autoproclamados pensadores sobre el islam, el islamismo y la «cuestión terrorista». Los textos de Jean Baudrillard y Edgar Morin nos invitan a reflexionar y asomarnos a la arqueología de lo arcaico, a descifrar sus residuos inconscientes así como los territorios difusos y fértiles situados más allá de naciones y fronteras. Y en este sentido, su pensamiento no es coyuntural, sino temporal y complejo, dinámico y global.

El presente volumen recoge, junto con otros materiales afines, el texto de la conferencia por Ludwig Wittgenstein en la sociedad "The Heretics", en Cambridge, el 2 de enero de 1930. En ella, el filósofo vienés explicita sus opiniones respecto de una problemática por la que siempre se sintió hondamente preocupado, siendo esta determinación la que hace que lo ético ocupe en el conjunto de su obra un sordo lugar central. Porque, en efecto, siendo cierto que muchas de las claves para una comprensión más completa de este texto se hallan repartidas en papeles anteriores, lo es también que, aunque el Wittegenstein posterior no escribiera sobre moral, nunca abandonó su idea de que la ética constituye un valioso documento de una tendencia profunda del espíritu humano. Este insobornable convencimiento resulta especialmente llamativo en alguien como él, que descartaba que la ética se pudiera enseñar, que fuera una ciencia o que resultara posible conducir a los hombres al bien. Tal vez ello tenga que ver, como origen o como resultado, con su esperanza de vida: "mi vida consiste en darme por satisfecho con algunas cosas", declaró en otra ocasión. La introducción ha corrido a cargo de Manuel Cruz, catedrático de Filosofía contemporánea en la Universidad de Barcelona.

Ramón de España decidió un buen día que había llegado el momento de rentabilizar, económica y literariamente, los encuentros y desencuentros mantenidos a lo largo de los últimos veinte años con un buen número de sus más notables conciudadanos. Así surgieron los retratos contenidos en este libro, que vieron la luz durante los años 1996 y 1997 en las páginas de la edición de Cataluña del diario El País. Semana a semana, fueron desfilando novelistas, cineastas, actores, músicos, editores, artistas y todos aquellos que alguna vez tuvieron la suerte, o la desgracia, de cruzarse con el señor España, quien siempre se las apañaba para aparecer en el retrato de turno y conseguía, de este modo, utilizar a los demás para construir su propia autobiografía. Aquí el retratista no contempla a sus modelos desde las alturas, sino que se implica en sus vidas y forma parte con ellos del puzzle existencial. Como es habitual en él, Ramón de España no pudo evitar dejar bastante claro quien le caía bien y quien no tan bien, lo que le granjeó, respectivamente, palmadas en la espalda y aviesas miradas de esas que más vale esquivar (uno de los «afectados», no diremos cuál, dejó de dirigirle la palabra). Los sospechosos fichados son (por orden de aparición): Pere Gimferrer, Carles Prats, Oriol Bohigas, Sergio Makaroff, John Zvereff, Francesc Bellmunt, Joan Font, Javier Mariscal, Gato Pérez, Alfonso Arús, José María Ponce, Román Gubern, Andreu Buenafuente, Àlex Gorina, Quim Monzó, José Manuel Lara, Elisenda Nadal, Jorge Herralde, Josep Maria Flotats, Bigas Luna, Eduardo Mendoza, Joan Brossa, Jaume Sisa, Ricard Reguant, Carles Flavià, Pau Riba, Gay Mercader, Enrique Murillo, María Espeus, Ventura Pons, Jaume Perich, Beatriz de Moura y Toni López Lamadrid, Enrique Vila-Matas, Manolo Vázquez Montalbán, Francesc Torres, Xavier Sardà, Julian Barnes, Javier Tomeo, Rosa Novell, Quim Larrea y Juli Capella, Jordi Sabatés, Nazario, Isabel Coixet, Ángel Casas, Manuel Huerga, Jordi Llovet, Ramon Miravitllas, Baltasar Porcel, Raimon, Juan José Fernández, Loquillo, Terenci Moix, Perico Pastor, Juan Marsé, Mario Gas, Kim Aubert, Enric Casassas, Pere Portabella, Núria Feliu, Ángel Jové, Josep Maria Subirachs, Javier de las Muelas, Pepo Sol, Toni Miró, Albert Boadella, Juanjo Puigcorbé, Iván Tubau, Jaume Vallcorba, Rosa Regás, El Tricicle, Carlos Pazos, Sergi Pàmies, Francisco Casavella, Miquel Barceló, Morfi Grey, Victoria Combalía, Pepe Rubianes, Pepón Coromina.

Escritas en forma de breves diálogos y aforismos enigmáticos, los textos de las upanisads se dirigen al espíritu del hombre con el fin de iniciarlo en los fines últimos del conocimiento sagrado de la India. Las más antiguas ­(Chandogya, Taittiriya, Aitareya, Kausitaki) fueron compuestas en prosa hacia la primera mitad del primer milenio a. C., y entre las muchas especulaciones que contienen se destaca un esfuerzo por precisar la identidad de conceptos tan abstractos como el ­brahman, principio y fuerza sagrada de todo, y el a-tman, el verdadero Sí-mismo, el núcleo íntimo del ser individual y de la totalidad del mundo. Esta edición de textos de las upanis.ads, por primera vez vertidas al castellano directamente del sánscrito, ofrece una selección de algunas de las más representativas: la ­Chandogya Upanisad, que se abre con una larga introducción a la mística del saman y las especulaciones sobre el atman-brahman, fábulas didácticas, descripciones rituales o escatológicas; Katha Upanisad, perteneciente a la escuela del Yajur Veda negro, entre los siglos V y IV a. C., en donde el valor de los conceptos a-tman-brahman, establecidos en función del destino tras la muerte, son presentados como una enseñanza de Yama, el dios de la muerte, al joven brahma Naciketas; Sveta-svatara Upanisad, escrita hacia el siglo IV a. C., es la más antigua upanisad sivaíta y, desde la influencia de la escuela sankhya, se pregunta por el fundamento y origen de la realidad con una clara finalidad filosófica; la Isa Upanisad, en la última sección del Yajur Veda blanco, enseña la ineficacia de las obras y la importancia de conocer el atman que concilia todas las antinomias.

Menos que uno es, en el sentido más amplio de la expresión, una magnífica autobiografía intelectual. Al lado de textos que son homenajes a su ciudad natal o a la memoria de sus padres, aparecen ensayos sobre poesía y poética. Sus análisis de la obra de escritores rusos como Ajmátova, Tsvietáieva y Mandelstam y de autores como Auden, Montale, Cavafis y Derek Walcott son explicaciones luminosas y absorbentes de la poesía del siglo XX. «Catástrofes en el aire», que aborda la historia y el futuro de la prosa rusa, es una exposición original y emocionante de la vida y la muerte de una tradición literaria. Inevitablemente, Menos que uno trata también de política. Ensayos como «Sobre la tiranía» y «Huida de Bizancio» constituyen profundas meditaciones sobre la historia y la edad moderna.

Las distintas facciones del surrealismo sintieron siempre una gran fascinación por los diccionarios y explotaron en muchas ocasiones sus posibilidades poéticas. El más fascinante de todos ellos es el presente volumen, publicado por primera vez en 1938 como un acompañamiento de la Exposición Internacional del Surrealismo: los poetas André Breton y Paul Eluard proponen una suerte de diccionario-collage en el que los términos caros al movimiento son definidos con gran humor y agudeza por escritores o artistas plásticos muy diversos. Por sus páginas desfilan las extraordinarias «definiciones» de los propios Breton y Eluard, pero también las de Louis Aragon, Salvador Dalí, Man Ray, Max Ernst, Benjamin Péret, René Crevel, o de mentores más o menos remotos del movimiento como Lautréamont, Rimbaud, Lenin, Marcel Duchamp o Pablo Picasso, entre otros. Se incluyen las 220 ilustraciones de la edición original.

De Profundis es, sin duda, el texto más íntimo de Oscar Wilde (1854-1900) y en el que la inspiración lírica está libre de los preciosismos que aparecen en sus obras. En esta larga carta que dirigió desde la cárcel de Reading a su amante lord Alfred Douglas, se revela la parte más viva y más honda no sólo de su clara inteligencia sino también de su compleja personalidad humana. De Profundis marca el punto culminante de la vida y filosofía personal de su autor y evidencia cómo todas las experiencias adquirían para él significado artístico. Wilde, que había luchado por huir tanto del dolor como de la degeneración del espíritu, que había perseguido siempre el placer estético y logrado la máxima brillantez social, tuvo que vivir en los últimos años de su vida el escándalo, la vergüenza de un terrible proceso que lo envió a la cárcel, el desprecio y las burlas de sus múltiples enemigos. Pero, durante su permanencia en prisión, Wilde descubrió por primera vez el significado del dolor, un mundo hasta entonces desconocido para él y que, como algunos críticos señalan, de haber continuado por ese camino nos habría proporcionado sus verdaderas obras maestras.