Nirvana del Risco es la primera heroína negra cubana que se muestra desnuda, abierta y descarnada ante lo que por prejuicios muchos esconden: la bisexualidad, el racismo, la política, el miedo y la cercana intimidad con el enemigo. Hija de la generación de los años 60 y rebelde protagonista habanera en los 2000, recorre el camino entre lo prohibido y lo sagrado, revelando así ocultas recetas asentadas en una cultura afrocubana (Regla de Ocha). Rituales que van desde la dinástica brujería cubana, aquella que pocos aceptan abiertamente y se usa en rituales y conjuros cotidianos, hasta el complejo equilibrismo entre raza, sexo, política y religión. Nirvana huye del oráculo convencida de que el culto afrocubano conserva la leyenda de su vida, pero decide liberarse y cambiar las reglas, desobedecer la letra que le dictan los orishas, retirando así de su vida los antídotos a terribles designios que la acompañan desde su nacimiento. Condimentos endémicos, acentos oriundos y sensuales, sabores agridulces y tropicales revelan una parte escondida de la mezclada nacionalidad cubana. A esta modelo criolla e ilustrada se le presenta un camino épico, único y oscuro que atraviesa con arrojo, ruta pasional entre Cuba y Francia, donde intenta asentarse, derribando tópicos y rompiendo los estigmas que significan ser hoy en el mundo una hermosa mujer cubana y negra como la noche. El destino trágico de esta heroína narra una parte sensible y poco explorada por la literatura femenina latinoamericana. Con un lenguaje mágico y contemporáneo, la autora nos invita a un viaje singular bañado por sublimes Lágrimas negras. La palabra «Negra» es para algunos un término tabú; para la protagonista de esta espléndida novela contiene toda la música, el sabor y el sentimiento de su cuerpo, su alma y su nación.

Cuando las deudas sobrepasaban sus excusas, Ausias Susmozas -manirroto patriarca del Pigalle, un teatro de pasado glorioso- agarró el petate y se mudó al otro barrio. Su muerte reúne por primera vez en mucho tiempo a sus tres hijos, Argimiro, Bartolomé y Críspulo, dispuestos a recoger un consuelo monetario que compense el nulo cariño que les dispensó su progenitor. Pero se dan de bruces con una deuda inabordable: el banco se quedará el Pigalle si no logran saldarla. La única solución pasa por ganar una subvención mediante el estreno, en un plazo de cinco meses, de una obra que llevará por título La vida. Los tres deberán lidiar con el desastre vital y económico, un director inepto, un grupo de pensionistas como único apoyo técnico y unos actores reclutados en un grupo de terapia. En Los huerfanitos, obra de culto aclamada por la crítica y con gran éxito de público, Santiago Lorenzo congela la sonrisa del lector con una prosa que se debate entre el humor, el terror y la ternura. Más allá de la mera sátira del mundo teatral, nos recuerda, sobre todo, que un paseo por la calle esconde más claves sobre la crisis moral y económica que cualquier estadística.

En este hermoso y valioso volumen, Lewis Mumford hace balance crítico del pensamiento utópico: su historia, sus fundamentos básicos, sus aportaciones positivas, sus cargas negativas y sus debilidades. Releyendo las utopías más conocidas e influyentes y los mitos sociales que han desempeñado un papel de primer orden en Occidente, y contrastándolos con las utopías sociales parciales todavía recientes, Mumford valora el impacto que todas estas ideas podrían tener en cualquier nuevo camino hacia Utopía que estemos dispuestos a emprender. Presentamos por primera vez en castellano el primer libro que publicó Lewis Mumford, escrito con apenas veintisiete años, y que no dejó de reeditar a lo largo de toda su prolífica vida. La edición que ofrecemos a los lectores cuenta además con un prólogo que el propio Mumford redactó casi cincuenta años después de su edición original. En un momento en el que cada vez se escuchan más voces que hablan de la necesidad de que la sociedad cambie de rumbo, y en un tiempo en el que todas las brújulas parecen irremediablemente rotas, este libro se antoja una lectura básica por su fino análisis, por su anticipación y por la lucidez propia del pensamiento de Mumford.

En la estela de su admirado Marcel Duchamp, que nos legó un extraordinario volumen de conversaciones, en Fuera de aquí, Enrique Vila-Matas, incitado por su traductor al francés y amigo, André Gabastou, repasa la gestación y el inagotable anecdotario que se esconde detrás de cada uno de sus libros y traza una inimitable panorámica de su poética singular, desde sus narraciones juveniles hasta su producción última aún pendiente de publicarse. Dotando al diálogo de un sentido nuevo que permite conocer los entresijos de toda su obra, Vila-Matas se nos muestra como el creador de mundos de los shandys o los bartlebys, explorador de nuevos conceptos, como el mal de Montano, inventorde personajes inolvidables como el doctor Pasavento, revisitador de ciudades como París, Veracruz, Lisboa o, tras su salto inglés, de ese Dublín joyciano, que tanto ha marcado el curso de esa enorme aventura que es su obra literaria. Al mismo tiempo, sin perder la solapada ironía siempre presente en sus escritos, nos permite asistir a la galería de escritores que le han influido, de Kafka a Walser, pasando por una extensa lista absolutamente definidora de su particular gusto literario. Y también adentrarnos en los lugares, lecturas e imágenes que han hecho de Vila-Matas uno de los escritores más singulares de nuestro tiempo y un motor inagotable de ideas literarias. Esta especie de autobiografía conversada conforma, pues, un eslabón más en la trayectoria de uno de los grandes creadores de ficciones de la literatura contemporánea, y se erige en un título imprescindible de su bibliografía. Fuera de aquí se completa con una extensa antología de fragmentos escogidos de la obra vilamatiana y con una selección de textos nunca hasta ahora publicados en libro.

Por encima del mundo es la última novela larga escrita por Paul Bowles. Un matrimonio de estadounidenses, los Slade, viajan por un país latinoamericano sin destino fijo, dejándose llevar por el azar de los encuentros. En uno de ellos, un hombre atractivo y su amante, una joven de extraordinaria belleza, les invitan a cenar en su terraza, desde donde se domina un paisaje cautivador a la puesta del sol.  Pero entre la hospitalidad y la cortesía, las palabras que el anfitrión dirige a la mujer norteamericana se convierten en proféticas: «Las cosas no son exactamente como usted piensa.» Y lo que había empezado como un encuentro casual, amable y distendido, acabará convirtiéndose en una pesadilla espeluznante. Con un gran dominio expresivo, Paul Bowles convierte al lector en testigo privilegiado del deterioro de las relaciones humanas.

El maestro zen Eihei Dôgen, o Dôgen Zenji, (1200-1253) fue el introductor del Budismo Sôtô Zen en Japón procedente de China y su figura ocupa un lugar central tanto en la historia universal del budismo como de la filosofía clásica japonesa. Su obra principal, el Sôbôgenzo, es uno de los textos más profundos del Zen japonés y ha sido traducido completa o parcialmente a casi todos los idiomas occidentales, siendo considerado en la actualidad como una de las obras magnas de la literatura espiritual de todos los tiempos. Dôgen dio muestras desde su infancia de una brillante inteligencia y se dice, por ejemplo, que a los cuatro años leía ya poesía china, afición que cultivaría hasta el final de su vida. En este libro se reúne, por primera vez en lengua castellana, una amplia antología de sus poemas místicos en las dos modalidades que practicó: sesenta y tres poemas en japonés en forma de waka (homenaje a su madre) y más de un centenar escritos en chino. La edición ha sido realizada por José M. Prieto, catedrático de Psicología del Trabajo de la Universidad Complutense y practicante zen, autor asimismo de las introducciones y comentarios que los acompañan, con la colaboración de Akihiro Yano, doctorando en Filología Hispánica por la Universidad de León, quien ha traducido directamente del japonés los waka con anotaciones lingüísticas. José M. Prieto ya ha publicado en Miraguano Ediciones Penetrante compasión: cincuenta koan contemporáneos (con Michael D. Wenger) y El Sutra de la Eternidad Dorada. Budismo y catolicismo en Jack Kerouac (que incluye la traducción del texto original de Kerouac).

Don Carpenter nos ofrece un retrato de grupo de una treintena de compañeros de instituto durante el año crucial de sus vidas. Es el año de la pérdida de la inocencia y de las aspiraciones frustradas en Portland, una ciudad que se desmorona. Un álbum amarillento que se compone de veinticuatro instantáneas, retratos melancólicos de una generación marcada por la guerra e inmortalizada en ese momento de la juventud en el que todo parece posible, ese momento en el que se mezclan ingenuidad, pasión y frustración. EL AUTOR Don Carpenter nació en Berkeley, California en 1931 y creció en la costa oeste de los Estados Unidos. Luchó en la Fuerzas Aéreas durante la guerra de Corea, se licenció en la Universidad de Portland. Autor casi desconocido en nuestro país y sin embargo de gran carisma y gran talento literario. Su primer libro, Dura la lluvia que cae, se publicó en 1966 y siguieron nueve novelas más y varias colecciones de cuentos. También escribió para el cine y la televisión. Debido a problemas de salud, se suicidó en 2008, a los 64 años de edad.

Este libro es el resultado de una peculiar iniciativa: se invitó a veintitrés destacados músicos de la escena musical independiente de nuestro país a que, partiendo de un disco que marcó sus vidas y que fue clave a la hora de determinar su vocación musical, escribieran un relato para rendirle homenaje. La forma de abordarlo era totalmente libre. El resultado es un fresco emocional intenso que incluye géneros y aproximaciones de la más diversa índole: desde relatos de ficción inspirados en el universo de los discos a memorias y recuerdos de infancia y juventud, emocionados tributos, pasajes de inspirada crítica musical, poesía, reivindicaciones de carácter político, relatos de amor, fantasmagorías, pesadillas, viajes con la música como telón de fondo... relatos, en definitiva, que trasponen el espíritu musical de sus autores a la literatura y manifiestan un amor ilimitado e inteligente hacia algunos álbumes que, por alguna razón no siempre evidente, dejaron una profunda huella cuya llama estos músicos no han dejado de difundir con sus canciones. El libro, editado por Ramón Rodríguez, alma del proyecto musical The New Raemon, incluye sus vívidas ilustraciones de las portadas de los álbumes que sirven como punto de partida al talento de los autores de esta antología. El prólogo corre a cargo del incomparable Miqui Otero. Los autores de los textos que componen este libro y los álbumes que han escogido son: Ramón Rodríguez (The New Raemon) «Sunny Day Real Estate», Sunny Day Real Estate Santi Balmes (Love of Lesbian) «Siamese Dream», The Smashing Pumpkins Nacho Vegas, «The People Who Grinned Themselves to Death», The Housemartins Fernando Alfaro (Surfin' Bichos / Chucho) «Kicking Against the Pricks», Nick Cave Maika Makovski, «Everybody's in Show-Biz - Everybody's a Star», The Kinks Lluís Gavaldà (Els Pets), «Swoon», Prefab Sprout Raül Fernández (Refree), «Appetite for Destruction», Guns N' Roses Dimas Rodríguez (La Banda Municipal del Polo Norte), «Let It Be», The Replacements Francisco Nixon, «Juan y Junior», Juan & Junior Ricardo Vicente, «The Band», The Band Martí Sales (Els Surfing Sirles), «Blood Sugar Sex Magic», Red Hot Chili Peppers Francina Ribes (Doble Pletina), «69 Love Songs», The Magnetic Fields Eduard Pou (Za! / Tarántula), «The Woman in Red», Stevie Wonder Maria Rodés, «Spice», Spice Girls Miguel Ángel Blanca (Manos de Topo), «Vulgar Display of Power», Pantera Javi Vega (Maga), «Pink Moon», Nick Drake Javier Álvarez, «The Visitors», Abba Esther Margarit (Mee and the Bees), «Enemigos de lo ajeno», El Último de la Fila Eric Fuentes (The Unfinished Sympathy), «Live After Death», Iron Maiden Julio de la Rosa, «Live from a Shark Cage», Papa M Marina Gallardo, «1967-1979 (The Blue Album)», The Beatles Abraham Boba, «Initials B.B.», Serge Gainsbourg Ricky Lavado (Standstill), «Mediterráneo», Joan Manuel Serrat

"Solo cuando los pueblos conocen la verdad pueden reclamar sus derechos y oponerse con fuerza a las medidas de austeridad y a la carga insostenible de la deuda". Así presentábamos el libro Vivir en Deudocracia. Dos años después, no solo no se han solucionado las cuestiones que entonces empezábamos a vislumbrar, sino que la situación ha empeorado La deuda sigue siendo un obstáculo para el desarrollo humano en muchos rincones del planeta, entre ellos el nuestro. Con este libro queremos aportar un análisis riguroso y actualizado, hecho desde la ciudadanía y para la ciudadanía, en el que abordamos las razones y causas que explican la crisis y la acumulación de la deuda, asi como las consecuencias sobre la población y las posibles alternativas. El libro está dedicado a todas las auditoras ciudadanas que desde sus respectivos espacios desafían la dictadura de la deuda y los mercados.

Tiempos de inquietud social, donde gente de todas las edades ve amenazada la democracia mientras palabras como «injusticia» o «impunidad» se convierten en cotidianas. Gente que sale a manifestarse, que participa en plataformas, una ciudadanía indignada y exigente que se niega a que la resignación triunfe. Una desbordante energía que no encuentra cómo salir de la fragmentación y convertirse en voluntad política de transformación.

En marzo de 1983, el joven protagonista de esta novela, redactor freelance todoterreno, después de pasar días sombríos, siente la necesidad de volver a ciertos escenarios de su vida para ajustar cuentas con el pasado. Viaja a Sapporo con la intención de alojarse en el Hotel Delfín, donde años atrás pasó una semana con una misteriosa mujer que, de manera inesperada, desapareció de su lado. A su llegada descubre que han derribado el hotel y que en su lugar se alza otro, moderno y lujoso, pero su estancia allí propicia la aparición de personajes envueltos en un aura de irrealidad: una guapa recepcionista que ha vivido experiencias inverosímiles, una adolescente dotada de una aguda sensibilidad, o un antiguo compañero de colegio, ahora actor de éxito, que lo meterá en graves aprietos. Asesinatos, viajes a Hawai, pasajes a otros mundos y fiestas se suceden al ritmo de la música que suena en la radio de su destartalado Subaru. Lo cierto es que, como afirma un enigmático personaje, todo está conectado. Porque sólo se regresa al Hotel Delfín para poder empezar de nuevo.

Cuando Tsukuru Tazaki era adolescente, le gustaba sentarse en las estaciones a ver pasar los trenes. Ahora, con treinta y seis años, es un ingeniero que diseña y construye estaciones de tren, pero en el fondo no ha dejado de ver pasar los trenes. Lleva una vida holgada, tranquila, tal vez demasiado solitaria. Cuando conoce a Sara, algo se remueve en lo más profundo de su ser. Y revive, en particular, un episodio de su juventud: dieciséis años atrás, cuando iba a la universidad, el que había sido su grupo de amigos desde la adolescencia cortó, sin dar explicaciones, toda relación con él. Así empezó la peor época de su vida, hasta el punto de que acarició la idea del suicidio. ¿Ha acabado esa época? ¿Es posible que aquello le marcara más de lo que él cree? Tsukuru decide entonces ir en busca de cada uno de los miembros del grupo para averiguar la verdad. Con la pieza de Liszt titulada Los años de peregrinación como leit-motif, comenzará esa búsqueda, que le llevará a lugares tan dispares como la ciudad de Nagoya o Finlandia, o tan recónditos como algunos sentimientos. Decididamente, a Tsukuru le ha llegado la hora de subirse a un tren.

No puede negarse a Julio Anguita una importante dimensión social y política después de haber caminado durante décadas en nombre de unos principios, diciendo las cosas claras, enfrentándose al obispo de Córdoba, al gobernador militar en plaza, a Felipe González y a José María Aznar, al rey Juan Carlos de Borbón, a los sindicatos mayoritarios e, incluso, a sus compañeros y compañeras de partido o coalición.Este es un libro que anhela recuperar la pasión por la vida y el entusiasmo por cambiar las cosas. Un libro con un motor en sus verbos. Este libro sueña y, aún más, siente la utopía. Una utopía de lo posible, de lo concreto, de lo cercano e inmediato, de lo perentorio y lo real que merece ser cambiado para que la ciudadanía pueda vivir de otra manera.En estas páginas se explica cómo ha ido asentándose el pensamiento, qué nuevas lecciones ha traído la caída del Muro de Berlín o la descomposición de la Unión Soviética, la creación de la Europa de Maastricht, la OTAN de los últimos tiempos, los nuevos imperios financieros? El proyecto europeo que anunciara Victor Hugo ha sido sustituido por una Unión Europea en la que, junto a la soberanía nacional, se ha perdido también la capacidad de actuar contra el paro o la posibilidad de utilizar nuestras potencialidades, industriales, agrarias y monetarias. Según Julio Anguita, el paro es una cárcel, y el paro juvenil una cárcel a perpetuidad; la precariedad es una condena, la pérdida de horizonte es un presidio y la sensación inducida de que fuera de este horror no hay proyecto es un penal en el que deberían estar quienes, ayer por sus alegrías y frivolidades y hoy por su contumacia en el disparate, ahondan cada día más la tragedia de un país endeudado con la soberanía de los bancos.Es este pues un libro con la memoria puesta en quienes hicieron del ejercicio de pensar su mejor aportación a su militancia vital y política

Frederick Burr Opper fue un ilustrador norteamericano de principios del siglo XX conocido por ser uno de los primeros autores que utilizaron una innovadora forma de narrativa gráfica como medio de expresión artística que pocos años después se conocería como cómic. La importancia histórica de Fred Opper radica, además de por ser uno de los pioneros del noveno arte, en ser el primero en sistematizar el uso de globos o bocadillos para representar el habla de los personajes. Este recurso ha sido característico, indispensable y definitivo en el cómic desde entonces hasta nuestros días. De su extensa obra, la serie con la que consiguió mayor fama y reconocimiento fue Happy Hooligan, que se publicó de forma ininterrumpida desde 1900 a 1932, y que narraba las peripecias de un vagabundo con un corazón tan grande como su torpeza, que siempre termina sus aventuras golpeado y detenido por la policía. El presente libro recoge una antología de historietas de esta serie ordenadas secuencialmente por orden de publicación original, traducidas al castellano y publicadas en España por primera vez.

1964, México D.F.: Los servicios secretos estadounidenses y soviéticos están convencidos de que los chinos planean asesinar al presidente de EE. UU. durante su próxima visita a la ciudad. Para desmontar el complot se ponen en contacto con Filiberto García, un detective privado poco escrupuloso que se autodefine como fabricante de muertos y que trabaja ocasionalmente para la policía mexicana. García hará cuanto esté en su mano por desbaratar sus planes. Publicada por primera vez en 1969, y considerada unánimemente como la novela que inauguró el género negro en México, El complot mongol es un emocionante thriller policiaco con tintes de humor y cargado de violencia que retrata la sordidez de los truculentos bajos fondos mexicanos. Su descripción del sistema social, económico y político del país no ha perdido ni un ápice de actualidad.

William T. Vollmann ha sido frecuentemente comparado con Thomas Pynchon y William S. Burroughs. Las trece historias que se incluyen en este volumen están pobladas de drogadictos y ángeles, skinheads y asesinos religiosos, prostitutas callejeras y fetichistas, marginados sociales y oscuros personajes bíblicos. Ambientadas en entornos tan diversos como la antigua Babilonia, la India y los sórdidos suburbios de San Francisco, estas historias han sido ampliamente calificadas como perturbadoras, imponentes, osadas e innovadoras. "Historias del arcoíris" lleva de la mano al lector por un mundo que guarda una semejanza hipnótica con nuestras peores pesadillas. Su gran calidad artística confirmó la reputación de Vollmann como uno de los mejores escritores de nuestra época.

Sylvia Plath siempre apunta al corazón. Tres mujeres es un emocionante poema a tres voces que tiene como tema central la maternidad. Cada voz representa una forma de vivirla: la mujer que centra su realización en ser madre, la que sufre por no poder serlo y la que lo es a su pesar. Sylvia concibió este poema, feminista y antibelicista, para ser leído en voz alta, y en 1962, un año antes de su muerte, lo leyó en la BBC. La experiencia supuso un cambio de dirección en su forma de afrontar la escritura. Desde entonces concebiría los poemas «en voz alta», cambiando de forma definitiva su técnica poética. «Es el poema más poderoso de su obra. Es exquisito y tiene la capacidad de llegar al corazón. [...] Plath ha puesto voz a nuestras más íntimas pesadillas» Joyce Carol Oates