Rojo-Dolor. Antología de mujeres poetas en torno al dolor trata de reconstruir una genealogía inexistente y acallada hasta ahora sobre cómo nombrar el dolor en una sociedad patriarcal en la que el sufrimiento de las mujeres es silenciado. Reúne a poetas como Juana Castro, Ángeles Mora, Piedad Bonnett, Chantal Maillard, Isabel Bono, Marta Agudo..., con una obra toda roja, desde Rosalía de Castro (1837-1885) hasta Marina Carretero Gómez (1985), que son conscientes de ser depositarias de un legado, que escriben gracias y a partir de él. Para que perdure, es necesario que se nombren entre sí y abracen las poéticas de las que las precedieron. Así, entre las poetas cuelgan hilos que las unen, establecen similitudes poéticas y recogen interrogantes aún sin respuesta. Este libro se alza como una antología feminista, con una clara reivindicación política en su esencia, y un refugio para cuando el dolor sea demasiado y necesitemos acunarlo en el sofá, y busca establecer un punto de partida para romper todos los clichés y tabúes asociados al dolor.

Nancy está condenada a morir y en su trance final hace el relato de su infancia, adolescencia y juventud, postales en que se cruzan el deseo, la miseria y la violencia, todo puesto contra el telón opresivo de la religión.

En pocos días, Raynor se queda sin casa, sin trabajo y descubre que su marido de 32 años sufre una enfermedad terminal. Sin nada que perder y con poco tiempo, deciden caminar las 630 millas de la ruta costera del suroeste: de Somerset a Dorset. Casi sin dinero para comida y llevando solo lo esencial para sobrevivir a sus espaldas, viven salvajes en el antiguo y degradado paisaje de acantilados, mar y cielo. Sin embargo, a través de cada paso, cada encuentro y cada prueba en el camino, su viaje se convierte en una experiencia única. Una historia real y honesta de asunción del dolor y el poder terapéutico del mundo natural. En última instancia, una representación del hogar y de cómo se puede perder, reconstruir y redescubrir de las formas más inesperadas.

«Hace mucho tiempo. Una mujer pasó diecinueve años en la cárcel. En el franquismo. Con otras muchas. Era mi madre. Mantuvo una relación con un hombre que pasó diecinueve años en otra cárcel. Con otros muchos. Era mi padre. Luego “salieron”. Y regresaron. A otra cárcel. Con otros. Esta es su historia. No. Claro que no. Esto es solo una exploración. Un viaje. Tras las palabras de unas cartas.»Manolita del Arco fue la mujer que más años pasó en las cárceles del franquismo. Entró en ella después de un tiempo frenético en la clandestinidad, tratando de recomponer la oposición a la dictadura tras el final de la guerra civil. Hasta que llegó la inevitable delación. Luego, diecinueve años entre rejas, en los que, junto a sus compañeras, se negó a doblegarse ante la dictadura.Miguel Martínez del Arco recorre los pasos de su madre en esta vibrante novela. Un espléndido ejercicio de memoria democrática, que comienza con el golpe de Casado en marzo de 1939 y acaba bajo un estado de sitio en 1976, con un grupo de ancianas irreductibles celebrando la vida. 

De un tiempo a esta parte, las tertulias que acogen las emisoras de radio y los canales de televisión han adquirido un peso creciente, y lamentable, en la configuración del debate político. A su amparo ha germinado una casta singularísima, la de los todólogos, que de todo saben y nunca se equivocan. Salta a la vista que las tertulias no constituyen un fenómeno improvisado: subordinadas a los intereses de poderosas empresas, han venido a ratificar, con notable eficacia, atávicas divisiones y jerarquías, al tiempo que han dado alas a un sinfín de simplificaciones y manipulaciones. Si en ellas despunta un pluralismo de circuito cerrado, la propuesta que emerge es siempre aberrantemente cortoplacista e impide cualquier cuestionamiento franco del sistema que se nos impone. Este libro, que es una versión actualizada, y muy ampliada, de un texto publicado años atrás, se interesa también por dos figuras estrechamente vinculadas con el mundo de las tertulias políticas: los intelectuales abducidos por ese sistema que se acaba de mencionar, por un lado, y los conversos, por el otro.

«En la sociedad actual, una mujer no puede ser ella misma», escribió Henrik Ibsen en 1878. Las cosas han evolucionado, pero no lo suficiente. Casi ciento cincuenta años más tarde, una joven actriz sabe cambiar de cara y de voz pero siente que ni sabe ni puede ser ella misma. Quiere que la miren porque le parece que no es nada sin la mirada ajena, que ser actriz es la única forma de ser mujer que hay a su alcance, que el mundo la impulsa a vaciar lo de dentro y volcarse hacia fuera, hacia el placer y el deseo del otro. Cuando entra en una escuela de arte dramático, conoce a un profesor muy particular cuyas clases de historia del teatro la ayudan a reinterpretar su propia historia y a entender mejor su identidad. En su tercera novela, Mariano Peyrou establece un diálogo entre la vida y su escenificación y muestra lo difícil que es distinguirlas, quizá porque todos vivimos en un escenario. Lo de dentro fuera es un libro introspectivo y divertido, ligero y conmovedor, sencillo y sutil, que revela nuestras propias contradicciones y confirma a su autor como uno de los narradores más originales y brillantes del momento. «Libro a libro, ha renovado los modos del lenguaje y los enfoques de la mirada de una obra poética y narrativa tan personal como extrañamente prodigiosa». Antonio Ortega, Babelia «Me declaro fan absoluta de Mariano Peyrou. Sus libros son de una rareza fascinante, nadie escribe como él». Sara Mesa

El lenguaje usado últimamente por muchas feministas necesita contemplarse a sí mismo un momento. A veces, se impone la sensación de que ser feminista hoy pasa por utilizar perífrasis y circunloquios, anglicismos y neologismos, frases hechas y clichés, expresiones difíciles de entender para personas no iniciadas. Cada una de estas prácticas, por separado, empobrece nuestro lenguaje y nos aleja de la claridad; juntas, muestran que nos está ocurriendo algo preocupante. El feminismo se ha caracterizado históricamente por poner en marcha conceptos novedosos que han permitido alumbrar zonas de la realidad que estaban en la sombra. Pero, en la actualidad, está teniendo lugar una proliferación de términos desorbitada y perjudicial. Hablar claro no implica solo que un discurso se entienda. Tiene relación también con un requerimiento tanto ético como político: el de mantener debates que respondan a lo sustancial y no a motivaciones —poco presentables— ajenas a la discusión.

Primera antología poética de una de las voces de mujer más reconocidas del panorama norteamericano actual, acaso su mayor logro resida en su capacidad de visionar a partir de la contemplación o del recuerdo, esto es, de entrever, a través de esa cotidianeidad y mediante una serenidad atenta, exenta de todo elemento trágico, aunque sí grave, ese otro lado u otro mundo que resulta de darle la vuelta a lo que parecía más inocente, una obertura musical o una clase de ética, por poner sólo algunos ejemplos. Esta cualidad visionaria de Pastan es lo que proporciona a su poesía un peso inusual consecuencia no ya tan sólo de una genuina intuición poética, sino además de la permanente conciencia de una existencia fugaz. Una vida que se sabe "transcurriendo". Diríamos pues que Pastan es maestra en la llamada "imaginación visionaria", esto es, en la capacidad para estar inmersa en lo incierto, en el misterio, en la duda, sin esa constante intromisión de los hechos o de la razón.

No es posible atisbar las causas ni las terapias del sufrimiento psíquico, de la locura, sin considerar la alienación social e ideológica, sin liberar a la psiquiatría de la servidumbre al capital. Solo habrá un cambio real en la producción del malestar y en las formas de atenderlo al unísono con un cambio radical de esta sociedad. Nos queda, entretanto, manteniendo la mirada puesta en la posibilidad de ese horizonte liberador, ir conquistando espacios de emancipación. Y ponerlos en discusión, al calor de la imaginación y la lucha, para reinventarlos cada vez.

El viaje de una madre con dos niños hacia un lugar remoto. La reflexión sobre la muerte de los seres vivos tras un accidente ferroviario que él mismo sufrió. La incógnita sensación de sosiego y la cercanía al final de la vida. Cuentos misteriosos narrados entre amigos alrededor de una hoguera durante una hermosa noche en la montaña. Personajes excéntricos, con sus manías, que no dejan de aparecer en cualquier conversación. Un suceso en un vagón del tren que recorre Tokio durante la posguerra. Palabras tejidas en conmemoración del renombrado escritor Ryūnosuke Akutagawa. El juicio severo a los críticos literarios y una aproximación a sus obras anteriores. Lo real y lo ficticio, todo sucede bajo alguna clase de poder que no podemos limitarnos a definir como una mera casualidad. «El cabo de Kinosaki», «Hasta Abashiri», «La luna gris» y «La tortuga ciega y el madero flotante» son algunas de las obras más representativas de los inicios y la madurez del autor.Naoya Shiga nació en 1883 y fue considerado como «el dios de la narración del siglo xx» por su manera de relatar historias y cuentos con precisión y nitidez. Su mirada abarca desde lo cotidiano, como los niños, los insectos y las plantas, hasta lo grandioso, como la vida y la muerte.Esta compilación muestra la evolución de su pensamiento y de su actitud hacia la profesión de  escritor a lo largo de su carrera literaria.

Primera edición española de la obra poética completa de Antonio Otero Seco (Cabeza del Buey, Badajoz, 1905 - Rennes, Francia, 1970), exiliado republicano, autor de lúcidos versos a lo largo de una intensa vida, fue crítico literario, periodista, novelista, autor teatral, profesor, agitador político y cultural… Estudió Derecho y Filosofía y Letras en las universidades de Sevilla, Granada y Madrid. Viajero y hombre de acción, frecuentó a los principales intelectuales y artistas de su tiempo. Es, por ejemplo, el autor de la última entrevista que concedió Federico García Lorca, así como de la primera novela inspirada en la Guerra Civil, Gavroche en el parapeto (1936), escrita en colaboración con Elías Palma. Condenado por el régimen en ignominioso consejo de guerra a treinta años de prisión, Otero Seco padeció la crudeza delas cárceles franquistas. Después de su excarcelación, volvió a sufrir detenciones y torturas hasta conseguir huir a Francia, disfrazado de cura y con documentación falsa, en 1947. Ahí empieza su segunda vida, en la que siempre estuvo presente una punzante nostalgia por la patria perdida. Enseñó español desde 1952en la Universidad de Rennes. Admirado y querido por sus alumnos, según el hispanista bretón Jean-François Botrel, Otero Seco era «un caballero triste y melancólico,bondadoso y retraído a la vez, ejemplo de dignidad en la adversidad». Hasta 1956 no pudo reunir junto a él a sufamilia. Desde 1967 fue crítico en LeMonde, donde dio a conocer lo mejor de la literatura española contemporánea.

La fotografía ha registrado el tiempo. Ha capturado los acontecimientos y su deriva. Las imágenes fotográficas han atestiguado de la biodiversidad; de las guerras; los naufragios; de obras de la ingeniería que retrataban la modernidad; y, sobre todo, de la existencia de mujeres y hombres dolientes. Como testigo de lo efímero, el fotógrafo ha interpretado la relación con lo real a través de un documento de comprobación. Los autores han hecho posible la toma de conciencia, indagar en nuestra sociedad y en la naturaleza desde distintas propuestas tipológicas y artísticas. Más allá del documento y del legado contradictorio de las creaciones humanas, lo fotográfico retiene el misterio de los lugares, los cuerpos y las cosas. En “Algo que ver. 8 ensayos sobre imagen fotográfica y cinematográfica” estudiamos fotografías, obras audiovisuales y prácticas estéticas mediante el diálogo entre fotógrafos, especialistas y académicos. Se abordan hechos, lugares y personas desde la práctica de la imagen informativa, desde aproximaciones estéticas a lo cotidiano germinadas en proyectos de larga duración, y otros trabajos qu

'Así, con el cuaderno de escudilla y la cámara fotográfica a modo de lanza, héroe de mi propio relato, me enfrento a las largas horas del día como un quijote descabalgado.' Dávila dispara fotografías empeñado en atrapar el mundo en el rectángulo de su visor, al tiempo que salva del viento palabras y divagaciones sin fuste que transcribe en sus libretas. Construye así a empellones este tratado sobre la fotografía, una pandemia planetaria que ha provocado, a juicio del autor, la sobrepoblación de artistas visuales, 'familia parásita de amplísimo espectro, en la que, se hace inevitable, debo incluirme yo'. Por este caleidoscopio de apuntes y fotografías sin dueño, mezcla de ensayo libérrimo y de crónica personal, vemos desfilar los fantasmas de Dávila, y sus manías y obsesiones más personales. Atrapados en un laberinto sin salida, con el autor escondido entre las sombras, aparecen y desaparecen a capricho el fantasma de Remo Vilado, Schopenhauer, el fotógrafo Nadar, Houdini, el emperador Augusto, Bob Esponja, la asistenta Eloísa, Lucrecio, la luna misma o el santo Job.

Fiódor M. Dostoievski escribe "Memorias del subsuelo" en un momento social y político bastante complejo, al que se une la delicada situación personal por la que el autor estaba atravesando: su mujer se moría y su tormentosa relación sentimental con una joven le causaba dudas y remordimientos que incidían en una evidente crisis personal. El resultado de esa situación histórica, personal, vital y anímica es una obra que en pocas páginas concentra más contenido filosófico que ninguna otra obra del autor, y en la que se plantean las cuestiones más extremas que un hombre pueda hacer. "Memorias del subsuelo" es una obra contradictoria, no exenta de matices. En forma de diálogo, un hombre sin nombre ni identidad concreta, excepto la de ser un funcionario, como se presenta a sí mismo desde las primeras páginas, va narrando las memorias de su tragedia personal. Dostoievski logra crear con él uno de los mejores y más impactantes antihéroes de su ingente producción novelística, como lo son Raskólnikov o Iván Karamázov, un sujeto retórico de difícil imitación, en el que las raíces eslavófilas y el innegable rechazo a la imposición burocrática se aúnan en todo un tratado.

Tres hermanas han vivido siempre juntas y, hasta hace pocos años, bajo la protección de una madre que las ha mantenido alejadas de los peligros del mundo. Solteras y ya octogenarias, dejan pasar los días en la misma casa que las vio nacer, como tres haraganas, ahogando sus recuerdos con discusiones, soliloquios y alcohol.

La vaca Mo es una vaca muy especial... está decidida a no someterse al destino que espera a las de su especie. Comienza a escribir unas memorias en las que relata los duros años de posguerra en el mundo rural vasco. ¿Logrará Mo su objetivo? Una estupenda historia narrada con una prosa cuidada que atrapará desde las primeras páginas.

La mujer del cabello lacio recogido en la nuca sombreada levemente de azul como los ojos ocupa en una composición simétrica el centro de la fotografía Detrás de ella a su izquierda un Ángel desprendido del hombro mira al cielo con las alas plegadas No hay mácula en su condición aérea en su espíritu puro aunque de la concha rosada de su oreja surja, como el fuego, la duda "Angel caído II", de Yolanda Pantin. Yolanda Pantin (1954) es actualmente una de las más importantes poetas venezolanas. También ha sido dramaturga, ensayista, autora de libros infantiles y editora. Cursó estudios de Letras en la Universidad Católica Andrés Bello. Cofundadora del grupo literario Tráfico en 1981 y de la editorial de poesía Pequeña Venecia en 1991. Ha sido invitada a encuentros de poesía y congresos de literatura en Alemania, Argentina, Colombia, España, Estados Unidos, Francia, Guatemala, Holanda, Israel, Italia, México, Perú, Portugal, República Dominicana y Uruguay. En 1989 recibió el Premio Fundarte de Poesía. Ha sido becaria de la Fundación Rockefeller y de la Fundación Guggenheim. Su obra poética comprende los libros Casa o lobo (1981), Correo del corazón (1985), La canción fría (1989), Poemas del escritor (1989), El cielo de París (1989), Los bajos sentimientos (1993), La quietud (1998), La épica del padre (2002), Poemas huérfanos (2002), El hueso pélvico (2002), País (2007) y 21 caballos (2011). Coautora del libro El hilo de la voz. Antología crítica de escritoras venezolanas del siglo XX (2003), uno de los más importantes estudios que sobre literatura femenina se ha hecho en Venezuela.

Ted es raro raro. Pide siempre lo mismo para comer, elige siempre el mismo asiento en el metro y ordena religiosamente sus camisas según el día de la semana. También se sabe de memoria dónde están colocadas cada una de las referencias de la biblioteca donde trabaja y, de vez en cuando, se dibuja con rotulador unas cejas arqueadas para que su cara resulte más expresiva. Émilie Gleason se ha inspirado en su hermano pequeño, quien padece un trastorno específico del desarrollo (TED), para narrar sin filtro y con infinita ternura las aventuras y desventuras de Ted, un ovni de piernas largas que adora las camas elásticas. Afirma la autora que “esta historia nació porque necesitaba expresar mi rabia y mi pena frente a las vivencias de mi hermano, diagnosticado de Asperger tardíamente. Enseguida elegí la senda del humor porque quería hacer reír a mis padres y devolverles algo de buen humor. En el cómic presento a mi hermano como un tipo raro un poco Mr. Bean, pero termino cada capítulo con un punto dramático para no alejar al lector de la dura realidad”.