"La erosión" es un relato de viaje a la Argentina de 1996 y 1998. Es un libro sin forma concreta, entre el diario literario y la ficción autobiográfica, pero con un eje continuo perfectamente identificable: la tradición literaria europea del viaje a la Argentina de escritores e intelectuales, que sirve para ir contando las ciudades por donde discurre el relato al hilo de la historia de emigrantes, viajeros y, sobre todo, exiliados. Así, en las páginas de La erosión aparecen Santiago Rusiñol, Antoni López Llausàs, Josep Pla, Julio Camba, Le Corbusier, Ramón Gómez de la Serna, José Ortega y Gasset, Witold Gombrowicz, María Teresa León y Rafael Dieste, entre otros escritores europeos; entre los argentinos destaca la presencia de Victoria y Silvina Ocampo, Julio Cortázar y, sobre todo, Macedonio Fernández. De los unos y los otros, el autor se siente huésped y cómplice al mismo tiempo, entre estaciones de ferrocarril abandonadas, Cafés y librerías de viejo en un país que se intuye en el umbral de un colapso que efectivamente tendría lugar pocos meses después de la primera edición en catalán de este libro, en 2001

Este diario imaginario escrito por una mujer, Hippolyte, mezcla recuerdos de infancia, de amores, de viajes (notas muy personales y suntuosas sobre la India, Alemania, París, Venecia, Madrid). Autorretrato de una individualidad excepcional cuya existencia se extiende desde el nacimiento hasta la muerte, esos dos límites que, paradójicamente, abren el espacio infinito de una vida efímera. Tenebrosa memoria de la carne, fermento de corrupción inoculado por los recuerdos, "Cada día es un árbol que cae" es un monstruoso antifonario, libro de misa negra, diario íntimo de la maldición de vivir. La fría y fastuosa crueldad que anima la escritura de Gabrielle Wittkop alcanza su máximo exponente en este libro de púrpura aterciopelada. A su muerte, el manuscrito fue encontrado por su secretaria. «Me hablaba de él, pero nunca me lo dejó leer.»

A mediados de los sesenta, la música popular norteamericana dio un giro copernicano cuando la fábrica de hits de Nueva York se vio desplazada por los himnos aterciopelados y edénicos que empezaron a brotar de Los Ángeles de la mano del genial productor Phil Spector y grupos como los Beach Boys, los Byrds o The Mamas and the Papas. A partir de ese momento, una serie de artistas, que empezaron a reivindicarse como cantautores de sus propios temas, encontraron en las colinas californianas de Laurel Canyon y en sus alrededores un paraíso virginal —en plena naturaleza pero a un paso del fragor de la gran ciudad— donde establecerse, echar raíces y dar rienda suelta a sus canciones de corte intimista y reivindicativo. Locales como el Troubadour, en La Cienega Boulevard, empezaron a ser frecuentados por la nueva horda de músicos, que aspiraban a tocar sus canciones en directo frente a la exigente audiencia, formada en buena parte por los propios músicos y aspirantes a estrellas. Se iría así fraguando una de las eras doradas del rock norteamericano, que empresarios de la música como un joven y aguerrido David Geffen y su socio Elliot Roberts convertirían casi de la noche a la mañana en un emporio. De este modo, sellos como Warner/Reprise, dirigidos por los linces Mo Ostin y Joe Smith, o Asylum, del tándem Geffen/Roberts, apostaron por un repertorio de folk rock y nuevo country que vio nacer a cantautores y grupos de la talla de Neil Young, Joni Mitchell, Gram Parsons, Crosby, Stills & Nash, Jackson Browne, Linda Ronstadt, James Taylor, The Flying Burrito Brothers, The Eagles o Fleetwood Mac, entre muchos otros, que se convertirían en el nuevo canon del rock y el folk de la música norteamericana a base de música introspectiva y de raíces. Sin embargo, el idealismo, la solidaridad y el talento no tardarían en dar paso a un pandemónium de celos, consumo exacerbado de drogas y sobredosis, relaciones sentimentales tormentosas, éxitos clamorosos y caídas en picado que convirtieron el paraíso en un infierno de egoísmo y capitalismo desbocado que preconizó las maneras que la industria musical desarrollaría a partir de ese momento. Esta es la historia de los artistas de aquella generación, que alumbraron algunas de las mejores canciones de todos los tiempos y cuyo legado sigue más vigente que nunca.

Cada relato de Natalia Ginzburg es una revelación; las historias que componen Domingo representan el epítome de su inconfundible voz, la de una autora en estado de gracia, que explora los límites tanto de la ficción como de la narración autobiográfica y la crónica. En el volumen que tiene en sus manos el lector descubrirá siete narraciones inéditas hasta el momento en lengua española, una suite en la que la escritora se sincera sobre su vida y sorprendentes crónicas. Todos ellos textos para releer, reflexionar y atesorar en el recuerdo.

«Cuando los débiles se creen fuertes». Walser no solo escribió esa frase, sino que la vivió. La vivió de manera rebelde y con regocijo, sin duda como una forma de resistencia en el fracaso y, sin duda, rebelándose también contra el éxito. No tener éxito no es sinónimo de ser una víctima, fracasar puede ser un acto heroico. Robert Walser es un héroe. En su radicalismo y su disposición a pagar el precio de su trabajo, es un ejemplo para todo artista, todo filósofo, todo escritor. Del prólogo La figura y la obra de Robert Walser llevan décadas inspirando a escritores y lectores de todo el mundo, incluido Thomas Hirschhorn, uno de los más innovadores artistas visuales contemporáneos, para quien el autor suizo es una figura capital, un escritor que se resiste a que le apliquen la etiqueta de «escritor», alguien para quien el concepto de arte está siempre conectado con un personalísimo punto de vista, sistemáticamente alejado del establishment. Berlín y el artista es una atractiva y provocadora selección de los más definitorios textos de Walser, un perfecto recorrido por la trayectoria de un creador irrepetible.

Ricardo Laleff Ilieff se sirve de la noción de “contrapunto”, en el sentido en el que Adorno emplea el término, para estudiar desde un punto de vista novedoso la obra de dos pensadores cruciales del siglo XX, Antonio Gramsci y Carl Schmitt. La aproximación “contrapuntística” a ambos autores permite mostrarlos en su singularidad, pero de modo que, por paradójico que parezca, se esclarecen recíprocamente. Se evita así la tentación de fingir un diálogo, siquiera “entre ausentes”, que nunca tuvo lugar y que metodológicamente es poco provechoso. La novedad del enfoque de Laleff radica en que contrapone a Gramsci y Schmitt en tanto que pensadores de la derrota, que para los dos hunde sus raíces en las contradicciones no resueltas de 1848, y que ambos trataron de superar con sus propuestas teórico-políticas. Gramsci y Schmitt coinciden en que sus tentativas para revertir la crusis de 1848 fueron a su vez derrotadas, lo que les pone del lado histórico-espiritual de los perdedores. Tal vez este debiera ser el punto de partida de sus epígonos populistas, que florecen por doquier y por regla general irradian mucho optimismo.

Calificada como la enfermedad del siglo xxi, la depresión constituye un padecimiento que puede resultar mortal si no se atiende a tiempo, como demuestra el aumento alarmante de los suicidios alrededor del mundo. Víctima de esta afección, Mauricio Montiel Figueiras ha decidido compartir su experiencia, pues “hay que armarse de valor para alzar la voz y reconocer que se está deprimido; hablar de este trastorno es el primer paso para iniciar su tratamiento”. A partir de un tejido narrativo que se mueve entre la crónica, el diario íntimo y el ensayo, acude lo mismo a la medicina y la filosofía que a la literatura y la vida de personajes que también han sufrido la mordedura de esta enfermedad, para ofrecer al lector un mosaico intenso que ilumina sus zonas más dolorosas y oscuras.

«El intento de entrevistar a una actriz olvidada puede terminar por convertirse en una pesadilla cuando una esencia tan inexplicable como peligrosa acecha desde las sombras. Así, "Lo que habita entre nosotros" es la historia de una metamorfosis fragmentada en tres instancias alquímicas. Pero también es otra cosa: una paranoica epopeya por los suburbios de la posmodernidad donde quedará expuesto, no sin el espanto y la perplejidad del descubrimiento, todo lo que subyace en los espacios que existen entre las personas. Diego S. Lombardi compone una extraordinaria ficción donde la belleza y la locura son sublimadas y reveladas mediante brochazos en los que se forjan otras narrativas de lo simbólico. Un viaje de soledades, cuyo protagonista comparte con Pedro Páramo sus instantáneas de fantasmas, con Gregorio Samsa los pigmentos esenciales que provienen de los insectos, y con Orlando el poder evocador y transformador del arte y la naturaleza.»

Nociones similares a nuestro sentido común aparecen en todas las culturas y épocas. Pero, ¿en qué consiste exactamente?, ¿de dónde procede?, ¿es fiable?, ¿puede ayudar a resolver problemas complejos como los que se plantean los científicos y los filósofos, o es más bien un prejuicio contra el que deben luchar los especialistas? Este libro trata de responder a todas estas preguntas de dos maneras, una teórica y otra práctica. Como teoría, desarrollando una investigación sobre la naturaleza, origen y desempeño del sentido común. Para ello tiene en cuenta lo que nos dicen de él psicólogos, antropólogos, sociólogos… y el propio sentido común. Como práctica, ofreciendo una filosofía desde el sentido común: afrontando los problemas que embargan al filósofo tradicional, pero a partir de las ideas y creencias cotidianas que todos compartimos y dominamos.

Se trata de dos novelas cortas de gran calado psicológico. Lasdun está considerado el Chéjov del siglo XXI. Los temas son de gran actualidad: la explotación sexual y la traición. Escritas con gran inteligencia, tratan del amor y el sexo en nuestra era. Advierte de los peligros del movimiento MeToo. En esta época en la que se vive el final de las prerrogrativas masculinas, representa de manera exquisita la ambigüedad moral y la facinación de algunos hombres por los logros de otros hombres. Lasdun trata temas escabrosos con imágenes muy potentes y delicadas y utiliza el diálogo con gran maestría.

¿Qué le dirías a tu yo de hace veinte años? A aquella mujer dispuesta a arrasar con todo y todos, o a la niña que no puede sospechar aún las dimensiones de su libertad. ¿Y cómo enfrentar ahora lo que ya no puede ser? ¿Y lo que sí puede? Solo el humor, la magia de la imaginación y las armas que brinda el tiempo pueden librarnos del engaño. Recuperamos estos nueve relatos de Laura Freixas, en los que la autora juega con la realidad y las contradicciones entre la madurez y la inexperiencia, el deseo y la resignación.

Para Russell, que en un principio fue un gran admirador de la Revolución de 1917, ésta fue uno de los grandes acontecimientos de la historia del mundo, pues no sólo cambió la estructura de la sociedad, sino las creencias de los hombres. En su viaje a Rusia en 1920, además de hablar con los campesinos, mantuvo encuentros personales con Lenin y Gorki, y desde su profundo anticapitalismo supo entrever los excesos doctrinarios que asomaban en el régimen y que desembocarían en una dictadura. A su regreso escribió Teoría y práctica del bolchevismo, un libro clarividente y de intacta vigencia en el que se compara el fanatismo bolchevique con el fanatismo musulmán o cristiano. El presente volumen no sólo recoge la segunda edición revisada por Russell de esa obra, sino el diario de aquel viaje y las cartas que entonces envió a su amante, la actriz Colette O'Niel. El conjunto cierra con una lúcida crítica al poder emergente de Estados Unidos y con su célebre conferencia en defensa del pensamiento libre frente a la propaganda de cualquier signo.

En este libro, Roland Barthes pretende explicarse a sí mismo a través de pequeños fragmentos sobre su vida y su obra. Estamos lejos, pues, del Barthes erudito y mucho más cerca del hombre que se ocultó tras aquellas obras fundamentales que, en el contexto de la Francia efervescente de los años sesenta y setenta, revolucionaron la visión de la literatura y el arte, el cine y la vida moderna en general. A través de imágenes escogidas por él mismo y de palabras certeras y concisas, Barthes dibuja un autorretrato completo y fascinante, en el que pasa revista a sus temas favoritos —los libros, los signos de la civilización contemporánea, la moda, la sexualidad— desde un punto de vista ahora libre de prejuicios académicos. Hablando en tercera persona, como si se tratara de una novela con la que quisiera entenderse a sí mismo desde la distancia, intenta huir de su figura pública para acercarse a su propia persona entendida como un enigma que hay que descifrar: «No hay biografía más que de la vida improductiva. En cuanto produzco, en cuanto escribo, es el Texto mismo el que me desposesiona (afortunadamente) de mi duración narrativa. El texto no puede contar nada; se lleva a mi cuerpo a otra parte, lejos de mi persona imaginaria, hacia una suerte de lengua sin memoria...».

Tras el éxito prolongado de Lluvia fina, Luis Landero retoma la memoria y las lecturas de su particular universo personal donde las dejó en El balcón en invierno. Y lo hace en este libro memorable, que vuelve a trenzar de manera magistral los recuerdos del niño en su pueblo de Extremadura, del adolescente recién llegado a Madrid o del joven que empieza a trabajar, con historias y escenas vividas en los libros con la misma pasión y avidez que en el mundo real. En El huerto de Emerson asoman personajes de un tiempo aún reciente, pero que parecen pertenecer a un ya lejano entonces, y tan llenos de vida como Pache y su boliche en medio de la nada, mujeres hiperactivas que sostienen a las familias como la abuela y la tía del narrador, hombres callados que de pronto revelan secretos asombrosos, o novios cándidos como Florentino y Cipriana y su enigmático cortejo al anochecer. A todos ellos Landero los convierte en pares de los protagonistas del Ulises, congéneres de los personajes de las novelas de Kafka o de Stendhal, y en acompañantes de las más brillantes reflexiones sobre escritura y creación en una mezcla única de humor y poesía, de evocación y encanto. Es difícil no sentirse transportado a un relato contado junto al fuego.

Juan ha conseguido independizarse lejos de su país cuando se ve obligado a regresar a su pequeño pueblo natal debido a la muerte de su padre. Su intención, tras el entierro, es retomar su vida en Edimburgo cuanto antes, pero su hermana le da una noticia que cambia sus planes para siempre. Así, sin proponérselo, se verá en el mismo lugar del que decidió escapar, al cuidado de una madre a la que apenas conoce y con la que siente que solo tiene una cosa en común: el viejo Renault 4 de la familia. «De todas las responsabilidades que asume el ser humano, la de tener hijos es, probablemente, la mayor y más decisiva. Darle a alguien la vida y hacer que esta prospere es algo que involucra al ser humano en su totalidad. En cambio, rara vez se habla de la responsabilidad de ser hijos. Llévame a casa trata de esa responsabilidad y de las consecuencias de asumirla», Jesús Carrasco. Esta es una novela familiar que refleja de forma brillante el conflicto de dos generaciones, la que luchó por salir adelante para transmitir un legado y la de sus hijos, que necesitan alejarse en busca de su propio lugar en el mundo. En esta emotiva historia de aprendizaje, Jesús Carrasco traza una vez más personajes formidables sometidos a decisiones fundamentales cuando la vida los pone contra las cuerdas.

Tras perder la audición de un oído al paso de una ambulancia, Gabi Martínez se preguntó cómo afecta el entorno urbano a nuestra salud. Este libro reflexiona sobre la necesidad de transformación de las ciudades ante un modelo urbano ya caduco y nos cuenta cómo se creó la idea de la supermanzana, uno de los conceptos urbanísticos más revolucionarios de las últimas décadas: su acogida, su implantación y las polémicas que generó. Una auténtica oportunidad de futuro para llevar una vida más sana en la ciudad. Esta es su historia. Y sus posibilidades. «Desde su creación, la ciudad sintetiza el carácter de la sociedad que la anda, la oye, la respira.» Gabi Martínez

Textos inéditos descubiertos recientemente en la Biblioteca Nacional de París por un experto en la obra de Emil Cioran y escritos en los años cuarenta. Aforismos, reflexiones descarnadas sobre lo sublime y el abandono que ya perfilan las posteriores obsesiones de este pensador inclasificable: el arte como paliativo ante el dolor de existir, la búsqueda de redención a través de la escritura, la nostalgia de los paraísos perdidos, el elogio y la refutación de los absolutos.

Esta es la segunda obra del gran pensador rumano, escrita cuando tenía sólo veinticuatro años de edad. En ella, Cioran descubre en el aforismo su verdadero estilo, un estilo que le permite no solo discurrir con mayor concisión y precisión, sino denunciar, maldecir y fustigar sin piedad todo lo que le irrita. No obstante, pese a su desgarro y desesperación, el autor encuentra en la vida elementos para reconciliarse con ella: uno de ellos, la música.

En la árida colonia de Marte, lo único más valioso que el agua puede ser un niño esquizofrénico de diez años llamado Manfred Steiner. Aunque para la ONU sea un niño «anómalo» destinado a la deportación y a su destrucción final, otros –especialmente Arnie Kott, presidente del Sindicato Local de Trabajadores del Agua– sospechan que el desorden de Manfred puede abrir una ventana hacia el futuro. Pero ¿qué clase de futuro? ¿Y qué sucede con todos aquellos desafortunados en quienes Manfred confió? En Tiempo de Marte, Philip K. Dick, el genio incomparable de la ficción especulativa, usa el poder político, el tráfico con bienes extraterrestres, el adulterio y el asesinato para penetrar en los misterios del ser y del espacio. Sobre el diseño de portada: Se ha realizado un montaje en el que el agua y Marte fueran los protagonistas de la composición, junto a la figura humana con el operario principal, que lo ubica en una ambientación clara de ciencia ficción.

En estos veintidós relatos, Bradbury nos transporta una vez más a estos lugares increíbles, los destinos del corazón, revelados como no los hemos visto nunca antes, ni en la luz brillante del día ni en la oscuridad de la noche. Inolvidables excursiones a lo fantástico, viajes gloriosos a través del tiempo y la memoria, intercalados con extraños e inesperados desvíos a lo incómodo y desconcertante, donde las sorpresas esperan detrás de cada curva y más allá de cada señal del camino. Sobre el diseño de portada: Al ser una antología de relatos variados, se ha usado una imagen que hace referencia al título y que también es uno de las historias. Se ha trabajado la imagen de un coche retro americano y una carretera imposible. Es un concepto de corte fantástico que podría ilustrar el trasfondo del cuento del vendedor de coches ambulante, atormentado por la deformidad su cara.