Se dice que cuando John F. Kennedy hizo su famosa declaración en la radio, («no preguntes qué puede hacer tu país por ti, sino más bien qué puedes hacer tú por el país»), Patricia Highsmith se levantó, fue a la cocina y dio de comer a los gatos. Estos animales, que desde siempre han fascinado a hombres y mujeres de letras —la lista es inagotable, pero baste nombrar a Baudelaire, Poe, Colette, Borges, Huxley, Cortázar, Hemingway y Doris Lessing—, fueron fi eles compañeros de Highsmith a lo largo de su vida. Llegó a tener seis, que dormían en su cama, se sentaban en su escritorio y fueron objeto de su obra literaria y artística de manera sostenida. Gatos es una recopilación de historias, poemas y dibujos dedicada a la relación especial que la autora mantuvo con sus felinos.

El trap marcó un antes y un después en la música argentina. Objeto de fanatismo, consumo juvenil masivo y blanco de prejuicios, su vertiginoso pasaje del freestyle callejero a llenar estadios lo vuelven un fenómeno que tenía que ser pensado. Y a eso se dedicaron Camila Caamaño y Amadeo Gandolfo: a la desafiante tarea de historizar un género en constante mutación, que deriva del hip-hop para llegar al reggaetón, mezclarse con el rock, el pop o la cumbia villera, volverse fórmula hegemónica y finalmente estallar en multiplicidad de sonidos. En los doce años que abarca este libro, el trap se ganó su lugar como soundtrack de una época, siendo expresión de una cultura precarizada e hiperconectada, atravesada por acontecimientos como el desarrollo de las plataformas musicales, los canales de streaming o el encierro durante la pandemia. Desde la incontenible explosión en una plaza de El quinto escalón a liderar rankings mundiales, de los experimentos adolescentes de Duki, YSY A y Neo Pistea en una casa de Villa Crespo a la consagración de artistas como Dillom, Cazzu, Wos y Trueno, de figuras aptas para todo públi

-Ver el mundo con claridad- nos sumerge en la mente brillante y turbulenta de uno de los filósofos más influyentes del siglo XX. A través de sus diarios personales y parte de su correspondencia, este libro configura un retrato íntimo de Wittgenstein, quien vivió con la misma intensidad con la que pensaba. Desde reflexiones sobre la lógica y el lenguaje hasta profundas meditaciones sobre la ética, la religión y la naturaleza humana, estas páginas son el testimonio de sus luchas internas, sus vínculos afectivos y sus insaciables interrogantes. Con un estilo que alterna entre la precisión filosófica y la fragilidad emocional, Wittgenstein nos muestra cómo la filosofía no era para él un ejercicio abstracto, sino una forma de vida. Esta recopilación de su escritura más personal nos invita a descubrir al hombre detrás de las ideas, a su peregrinaje intelectual y emocional, y a explorar cómo los grandes pensamientos nacen, a menudo, de los más profundos conflictos personales. Una obra imprescindible para quienes deseen comprender no solo a Wittgenstein, sino también el poder transformador de la reflexión filosóf

El colectivo Rosa Chancho irrumpe en 2005 en la ciudad de Buenos Aires con un conjunto de operaciones que irradiaban curiosidad crítica por la acelerada expansión del campo vernáculo de las artes visuales. Su nombre encarna una toma de posición frente a los discursos polarizados de la escena local, en la que aún resonaba la controversia entre el "arte rosa light" (decorativo o despolitizado) y el "arte Rosa Luxemburgo" (políticamente comprometido). En esa polémica, Rosa Chancho emerge como tercera vía capaz de articular lo viejo y lo nuevo, lo político y lo superficial. Con una práctica colaborativa que diluía gestos individuales en dinámicas grupales y un espíritu lúdico que reformulaba la herencia afectiva de los noventa, las acciones de Rosa Chancho interrogaban de manera irónica las reglas e instituciones del emergente "arte contemporáneo". En un clima cultural de reconstrucción y expectativa después del colapso del 2001, Rosa Chancho convirtió la precariedad en oportunidad y el desamparo en impulso creativo. Para dejar atrás el repliegue propiciado por la crisis, eligió la reinvención, con la colabora

Nada en la obra de John Cage es del todo lo que parece. Y este libro no es la excepción, porque se trata de un "diario" que no sigue las convenciones del género, sino que se organiza a través de un mosaico de meditaciones, citas y apuntes dispersos. Entre 1965 y 1982, años durante los cuales escribe estos textos, Cage se enfrenta a un mundo que experimenta profundas mutaciones: desde la contracultura que sacudía los cimientos de la sociedad estadounidense, hasta la descolonización de África, la China de Mao y las revoluciones tecnológicas a gran escala. Mientras la historia toma un rumbo acelerado e impredecible, el compositor y artista, a sus 53 años, se encuentra en una posición ambigua: ya no es un joven que se sienta motivado a ser protagonista, pero sí un testigo atento capaz de diagnosticar e incluso anticipar el rumbo de esta transformación. Impulsado por sus lecturas de Richard Buckminster Fuller, Marshall McLuhan, Norman O. Brown y Henry David Thoreau, y por su propia curiosidad, Cage emprende un viaje arriesgado e inmersivo por la información, entendiendo que está en presencia de un giro fundament

En este ensayo de entradas múltiples, que pasa por instalaciones artísticas, revueltas políticas, diseño de moda, arquitectura, danza, autismo, patrones climáticos, y hasta una estación de tren en hora pico, la filósofa y artista Erin Manning busca desarmar las formas establecidas de percepción y pensamiento para cultivar el valor experimental y creativo de lo incipiente, lo esbozado, lo precario, lo que está en proceso y solo existe relacionalmente. "El gesto menor" es el nombre de esa incipiencia precaria que produce una variación, una diferencia, un giro en la experiencia. Está entonces en todas partes, todo el tiempo. No pertenece a un cuerpo ya formado y separado del ambiente, no es individual, intencional y volitivo, no es del pensamiento ni del movimiento separados, antecede a la frontera entre lo humano y lo no humano. Por eso es menor, casi imperceptible. Por eso su principal aliada es la percepción autista, percepción directa de que la realidad está hecha de procesos y relaciones antes de fijarse en las separaciones entre cuerpos, figuras, sentimientos, pensamientos, movimientos, individuos, mun

¿Por qué publicar una tesis? Jean Oury -que convivió desde 1947 en Saint-Alban, Saumery y La Borde con las personas que trataba como médico psiquiatra- lo justifica a través de una afirmación clínica y política: "se trata de una ventana abierta hacia el mundo viviente, existente, amenazado por el prejuicio y la inasistencia". Se lee a un Oury joven pero que ya navegaba entre la medicina, la fenomenología, el arte y el psicoanálisis. Se leen primero tres textos, surgidos del contacto con Jean Dubuffet, acerca de locos que hacen obra a partir de despojos. Ya en la propia tesis, apoyándose en Jean-Paul Sartre, Jacques Lacan, Paul Cézanne, Antonin Artaud y Salvador Dalí, entre otros, Oury muestra cómo la conación estética -la creación plástica incesante que ejercen en particular los locos- es una función intencional vital que "tiene por objetivo hacer coincidir la persona actual con su proyecto". No se trata de construir algo, sino de (re)construirse permanentemente, de perseverar en el ser, como diría Spinoza.

Cuando pensamos en un "dispositivo", pensamos en un ensamblaje técnico, militar, legal, espectacular, representativo. Pensamos en Michel Foucault y en los dispositivos de poder; pensamos, si nos ceñimos al campo del cine, en la teoría de los dispositivos de los años setenta. Dispositivo puede ser sinónimo de medio. Un medio-objeto, que pone en relación y que funciona. Pero es más aún. A lo largo de estas páginas, el dispositivo se convierte en un ensamblaje de aparatos, prácticas, técnicas, teorías, conceptos, que permiten aprehender cualquier momento histórico a partir de las múltiples interacciones que lo constituyen. Entre los estudios visuales y la arqueología de los medios, Maria Tortajada y François Albera proponen un método que permite abordar cualquier dispositivo representacional, independiente de su soporte, los sentidos a los que apela o el momento histórico en que se inscribe. Decir que "el dispositivo no existe" no es sino, en este contexto, la consecuencia epistemológica más radical que nos hace escapar del objeto concreto, material o hasta imaginario, para reconstruir las relaciones que dibu

La masculinidad se fundó en la idea de que el cuerpo del hombre se correspondía con el lugar del original, era principio de la materia, constituía su primera piel. No obstante, esta no siempre fue percibida como statu quo del cuerpo. Dicha ilusión de naturaleza, la idea de que el hombre ocupa el lugar de cuerpo neutro o, incluso, la percepción de que su cuerpo es un componente implícito o del todo ausente en la idea de la masculinidad, forma parte de un grupo de operaciones performativas que ha necesitado tiempo para perpetrarse. "Drag Kings: arqueología crítica de masculinidades espectaculares en Latinx América" se propone discutir el porvenir del género en el espacio desigual, plural y contradictorio que hemos llamado Latinx América. Partiendo del drag king show y de lo que proponemos como masculinidad espectacular -aquella masculinidad hiperbólica que usurpa el espacio de privilegio y centralidad que se le otorga a la masculinidad del hombre-, planteamos una sistemática arqueología de la puesta en escena de las muchas masculinidades y su capacidad de generar crisis en el heterosexismo, máquina de producc

Enrique Vila-Matas elige las cinco obras o fragmentos que mejor representan para él un concepto literario. En la certeza de esa selección aparece un libro que hace evidente el impacto que la literatura y la lectura tienen sobre la formación de su universo personal. Se abre un lugar desde el que podríamos, por un instante, acercarnos a su interior - y a la posibilidad de ver el mundo desde esa perspectiva. Textos de Fiódor Dostoievski, Natalia Ginzburg, Charles Lamb, Nancy Mairs y Michel de Montaigne.

Aunque Freud y Husserl no tuvieron contacto alguno durante su vidas, son múltiples las resonancias entre el psicoanálisis y la fenomenología. La apuesta de esta obra es escucharlas y provocar un diálogo que explore los avatares de la subjetividad. La autora parte de la idea de que la subjetividad se teje a partir de los encuentros y desencuentros con el otro y el mundo, revelando así sus implicaciones éticas y políticas.

Una pausada reflexión ecosocial en tiempos de lavelocidad capitalista. Asistimos a una crisis ecológica de dimensión planetaria. La destrucción de la Tierra acentúa el carácter colonial del actual sistema-mundo, así como las guerras y los genocidios. Las élites del capitalismo, incluso en su versión verde, lo saben. No obstante, sus respuestas ante la escasez reproducen prácticas coloniales: políticas de conservación que abarcan vastos territorios del Sur global; la supuesta sostenibilidad de la agricultura industrial; políticas urbanas que profundizan la segregación verde; el despliegue de megaproyectos de energía renovable; y, finalmente, el extractivismo de materiales en territorios indígenas para desarrollar tecnologías que prometen resolver las crisis actuales, pero que no hacen más que exacerbarlas.