Su nombre no habría pasado a la historia, de haber muerto en 1503; Rafael habría dejado una obra menor hecha primero en Urbino, luego en Perugia. Pero en 1504 el joven pintor decidió transladarse a Florencia para conocer lo que en esa ciudad se hacía. Ahí descubrió el camino que conduce al arte mayúsculo; ahí pudo ver las obras de dos grandes maestros: Leonardo da Vinci y Miguel Angel Buonarroti.

Cuando el cuerpo ya no es un medio para representar la belleza del desnudo, sino un espacio para indagar sobre la identidad, la compleja realidad social o la frágil condición humana.

Pintó en todo momento y circunstancia y, sin embargo, dudaba de su vocación, dudaba de su capacidad.

En este libro se defiende la idea de que las transformaciones artísticas de la modernidad nos ayudan a comprender en qué consistió el sistema que se ponía en cuestión, y a la inversa, pues es en el marco de la tradición donde adquieren sentido las revoluciones creativas de los últimos cien años. El (des)orden del arte moderno se evidencia así en unos pocos asuntos nucleares: emergencia y expansión del modo «panóptico» de visión; aparición del movimiento real superando al movimiento congelado o ilusorio; atención a los distintos primitivismos como alternativas al prestigio paralizante del canon occidental; autonomía creciente del objeto real frente al ficticio, con la irrupción, más reciente, de los entes virtuales; apropiación del suelo como territorio horizontal de la creación; y finalmente, reevaluación de la noción benjaminiana del aura, que no se perdió en las sociedades actuales sino que se habría extendido a cada reproducción o a cada gesto creativo. Juan Antonio Ramírez sostiene que si la modernidad ha producido algo comparable al orden visual renacentista, vigente durante varios siglos, no parece lógico aceptar su clausura a las pocas décadas de su nacimiento. El objeto y el aura es un libro insólito por su voluntad de plantear los grandes problemas del arte contemporáneo en la perspectiva histórica de «la larga duración», superando al «tiempo corto» de los acontecimientos privilegiado por la crítica de arte habitual.

Preparado por los más, y esperado por otros, el conflicto se desarrolló, sin embargo, con improvisación gigantesca. Ni los lugares en que se librarían las batallas decisivas, ni las armas que permitirían ganarlas, habían sido previstos o imaginados. Con los aviones a reacción y los cohetes, y con la bomba atómica en particular, la guerra científica -en la que el éxito depende de las investigaciones de los laboratorios- había hecho su aparición. Pero, además, se libraron dos guerras paralelas. Así, se enfrentaron gigantescos ejércitos en sangrientos combates de tipo clásico, pero al propio tiempo, algunos pueblos oprimidos libraron su batalla, en una guerra de resistencia que es quizá la mayor novedad del conflicto. En adelante, todo conflicto tendría dos caras, como guerra extranjera y como guerra civil. Cuando se evoca la Primera Guerra Mundial, surgen los nombres de los generales. La Segunda Guerra Mundial ha visto nacer una generación de grandes jefes militares y un nuevo estilo, pero su dirección -salvo en el Japón- incumbió a civiles, jefes de Estado o de gobierno. La guerra obligaba a todas las fuerzas de la nación; ya no existía retaguardia, todo el mundo estaba expuesto; la vida civil había dejado de existir; los obreros no trabajaban más que para la guerra, los espíritus no pensaban sino en ella; los propagandistas difundían sus slogans y los escritores, a su manera, los magnificaban. Era la primera guerra total de la historia.

Desde su primera publicación, el presente libro ha sido saludado como la Historia del arte más completa y puesta al día publicada en un solo volumen. A lo largo de sus capítulos, dicha historia se presenta como parte esencial de la evolución humana, ofreciendo una información que abarca desde las estatuillas talladas en Europa central hace 30.000 años hasta el arte digital del cambio de milenio. El volumen se centra en los ámbitos de la pintura, el mosaico, el dibujo, el grabado, la arquitectura y la fotografía, pero sin olvidarse de los tejidos, las monedas, la cerámica, los esmaltes o la orfebrería. Y ofrece un enfoque global que abarca no sólo las artes de Europa y América, sino también las de Asia y Oceanía. La profundidad, la elegancia y la fluidez de la que hacen gala los autores se ve complementada con más de 1.400 ilustraciones -entre las que se incluyen mapas y planos-, seleccionadas con el fin de representar los principales estilos de expresión artística.

Riguroso estudio de mensajes de diferentes naturalezas, desde los emitidos por los medios de comunicación hasta los denotativos o poéticos.

Estudio textual, estilístico y hermenéutico sobre la obra poética de Lorca que más debates suscita entre los especialistas.

"A veces Sonny se sentía como si fuera el único ser humano del pueblo. Era una desagradable sensación que solía experimentar por la mañana temprano cuando las calles estaban completamente vacías, como cierta mañana de sábado de noviembre." Son los años cincuenta y estamos en Thalia, una pequeña ciudad de Texas. Sonny, Jacy y Duane son tres adolescentes insatisfechos y aburridos, espectadores de sus propias vidas en una provincia encerrada en sí misma. Todo es un sueño inmóvil que se desarrolla entre un viejo cine, un salón de billar y un café abierto toda la noche. El premio Pulitzer Larry McMurtry construye con pocos ingredientes una historia conmovedora poblada de personajes secundarios excéntricos que se mueven en una atmósfera de monotonía y nostalgia. En 1971 Peter Bogdanovich dirigirá la adaptación cinematográfica de la novela, convirtiéndola en una película de culto. Larry McMurtry nace el 3 de junio de 1936 en Wichita Falls, Texas. Novelista, ensayista y guionista de cine y televisión, McMurtry sitúa la mayoría de sus obras en el Oeste. Creció en un rancho en las afueras de Archer City, Texas y estudió en la North Texas State University y en la Universidad de Rice. Su primera novela, Horseman, Pass By (1961) suscita inmediatamente el interés de los críticos y gana el premio Jesse M. Jones del Instituto de Texas de Letras (1962) y la Beca Guggenheim (1964). En 1985 gana el premio Pulitzer por su novela Lonesome Dove. Autor de veinticinco novelas, dos colecciones de ensayos, un texto autobiográfico y más de treinta guiones, McMurtry es más conocido por las magistrales adaptaciones cinematográficas de algunas de sus novelas: en 1963 Hud protagonizada por Paul Newman y en 1971 The Last Picture Show, la obra maestra de Peter Bogdanovich. En 2006, McMurtry es galardonado con el Globo de Oro y el premio Oscar por el guión de Brokeback Mountain. Actualmente vive en Archer City, Texas.

A lo largo de 1944 y principios de 1945, el escritor Paul Guth recogió sus impresiones del rodaje de uno de los films fundamentales del cine francés: «Las damas del Bois de Boulogne», dirigido por Robert Bresson, con diálogos de Jean Cocteau, a partir de «Jacques el fatalista» de Denis Diderot. Espectador de excepción, siempre presente durante el rodaje pero sin llamar la atención, Guth no solo retrata a las grandes figuras con papel activo en la concepción de la película -el director Robert Bresson con su precisión y obstinación obsesivas, el guionista, el productor, los actores, el director de fotografía y el ingeniero de sonido- sino que, subvirtiendo la jerarquía, también da voz al numeroso equipo de producción -desde el fiel séquito de ayudantes hasta los figurantes más secundarios-. En forma de diario, Guth concibe un fresco vívido y memorable de lo que supuso la gestación de un film rodado en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial que, bajo la amenaza de las bombas alemanas, padeció penurias y cortes de electricidad que obligaron a interrumpir el rodaje en varias ocasiones, dejándolo al borde del cese definitivo. «Sombras de un sueño» compone un relato fascinante con frases breves, precisas e intensas, cargadas de un humor e ironía magistrales, atento a las sutiles oscilaciones del trabajo de creación, a las tensiones latentes o manifiestas entre los miembros del equipo, dando lugar a un testimonio inigualable de una época del cine y de los mecanismos de su trabajo colectivo.

Nik Worth es una superestrella del rock. Cuando tenía diez años le regalaron una guitarra, y ahora que es un cincuentón, documentar el recorrido de sus dos bandas, los Fakes y los Demonics, parece una tarea de titanes. Por no hablar del empeño que haría