El personaje de Barra americana deambula entre la sosegada y mezquina paz de los campus universitarios del Midwest y el desbocado ajetreo de las fiestas playeras y los concursos de miss camiseta mojada en el Spring Break de Florida; entre los locales nocturnos del blues de Chicago y un motel en el South Side regentado por una dominatrix muy sensible; entre Disneyworld y el Mall of America; entre las vacas sagradas de Wisconsin y el béisbol como metáfora; entre los clientes de Cheers y la Maxell Corporation of America con su mecanismo de casete silencioso. En Barra americana los personajes aceptan prácticas de riesgo narrativas, forman parte de artefactos literarios, se dejan guiar, por un tour operador alucinado, en un viaje al corazón de las nieblas y los tornados, a la medida aventura de los manglares, a la inercia de los campos deportivos. Mitad relato de ficción mitad crónica, en este libro la memoria inventa su propia caducidad y la historia íntima se escribe con materiales ajenos.

A las 3 son las 2 es la cabeza de Rodrigo Cortés destilada en monodosis, oro puro, una selección afilada y brillante de delirios que no deja respirar, sin concesiones, a bocajarro, balas en forma de risa. Píldoras para pensar. Ocurrencias tipo esto: «¿El niño Jesús nace o se hace?» «Las esquinas nos mantienen alejados de los rincones» «Al precio que están las castañas, sorprende que no acepten tarjeta» «Los marineros con una novia en cada puerto no saben que las novias suelen tener un marinero en cada barco» «Algún día, hijo mío, todo esto lo deberás tú» «¡Sexo, numismática y rock and roll!»

LO MONSTRUOSO DOMESTICADO: LA POESÍA DE STEPHEN DUNN «Mortalidad: la mejor amiga del poeta», le dijo a Stephen Dunn un espectador que se acercó a estrecharle la mano tras una lectura pública de En otro momento. Ciertamente, si en este libro un tema destaca por encima de los demás es el sentimiento apremiante de muerte, la fragilidad de la existencia de todas las cosas. No en vano, ningún hombre de la familia del autor había sobrevivido más allá de los cincuenta y nueve años, y abordar esa frontera le suponía una experiencia desasosegante y reveladora, pero también muy fructífera. En cierta manera, muy liberadora: «Porque en mi familia lo primero que falla es el corazón / y casi nadie supera la década de los cincuenta, / creo que me quedaré hasta tarde con unos cuantos sinvergüenzas / de mi elección y me resistiré a los buenos consejos». Pero si todos los poemas del libro, las experiencias y las reflexiones a las que dan pie, se encuentran teñidos por la agridulce sensación de un tiempo prestado, su estilo y sus temas siguen siendo los mismos que en sus otros doce libros publicados. La vida corriente -mediocre y heroica, heroica y mediocre- de un hombre normal de clase media americana, con sus ansiedades y temores, sus incertidumbres, sus alegrías y tristezas, sus pequeñas ambiciones y sus privados desengaños, visto desde la óptica lúcida de quien sabe extraer de lo más cotidiano una sabiduría esencial. De quien intenta hallar, sin importar el esfuerzo y los fracasos, un sentido y una belleza en la vida a pesar de todo. Implacablemente despierta, la poesía de Dunn se sitúa frente a su biografía para, con una mezcla de seriedad y ligereza, emprender un viaje a lo largo de los hechos más nimios para tratar de hallar algún tipo de certidumbre, no para consolarse -la verdad no suele ser reconfortante-, sino para entender cómo el amor, el arte, la autorrealización, la soledad o el lenguaje, por citar algunos, funcionan como centros de sentido en esos otros momentos que dan título al libro. Así, el lector encontrará aquí episodios cotidianos pero también referencias transparentes a hechos clave de su biografía, desde su etapa como jugador de baloncesto en uno de los equipos más prometedores de la liga universitaria a su breve paso por una agencia de publicidad en la que se ocupó de escribir folletos para Nabisco. Posteriormente abandonaría ambas carreras para hacer las maletas a finales de los 60 junto a su mujer y marcharse a España -¿un guiri más tras los pasos de Hemingway?- a escribir una novela. Acabaría escribiendo poesía, y una además bastante inclasificable en el panorama de aquella época de comienzos de la década de los 70, dominado por los confesionales Plath, Sexton o Berryman. Franca y aguda, accesible pero ingeniosa, la poesía de Dunn, como dice Billy Collins, encuentra su fuerza en el disimulo de su arte: «su sinceridad no sería tan contundente si no fuera por su discreta formalidad; sus poemas no serían tan extraordinariamente desnudos si no estuvieran tan cuidadosamente vestidos».

Durante los primeros días de noviembre de 1953, murió en Nueva York, a la edad de 39 años, uno de los mejores poetas que escribían entonces en lengua inglesa, y cuya obra y facultades constituían una esplénduda y reconocida realidad, a la vez que una prometedora esperanza. Dylan Thomas (1914-1953) había vivido siempre bajo el hechizo de dos motivos poéticos de primer orden: el amor y la muerte, y estas fuerzas, que en la inspiración del poeta actuaban generalmente entrelazadas, envuelven casi toda su obra, oponiéndose y complementándose. Parece que el poeta tuviera el presentimiento de que, como a tantos de su vocación, la muerte tenía que alcanzarle prematuramente. Selección y traducción de Esteban Pujals. Edición bilingüe.

¿Y si hubiera un serial killer de sevillanas maneras? ¿Y si mandara una nota al ABC después de cada crimen? ¿Qué pasaría si se confabulara con sus compinches en Cash Badia, alternara en El Tremendo o se hablara de él en el Garlochi? ¿Y si los sospechosos fueran caras conocidas de la Sevilla más tradicional? ¿Soportaría el presidente de uno de los equipos de fútbol de la ciudad un interrogatorio sobre un asesinato solamente con un zumo de naranja? ¿O un artista de la canción ligera? ¿Y una pareja de humoristas? ¿Y todos los demás? ¿Y si ese violento paisano asesinara... con una afilada regañá y sólo a modernos que no comulgan con las esencias de la ciudad? Ya está aquí la novela que Sevilla no quiere que leas.

«Carecemos de pasado», afirma Hitler, lamentándose de que los arqueólogos de las SS se empeñen en excavar en los bosques de Germania para exhumar tan sólo unas pobres vasijas..., pues el pasado de la raza, el que debe llenar de orgullo a los alemanes, se encuentra en Grecia y Roma. Esta obra, que recupera una historia diferente de la Antigüedad, nos conduce al corazón mismo del proyecto nazi, cuyo objetivo no es dominar sólo el presente y el futuro, sino también un pasado reescrito e instrumentalizado.

Santiago García y David Rubín han unido sus talentos para poner al día el mito de Beowulf, que durante más de mil años ha inspirado a partir del poema heroico del mismo título, obra fundacional de la literatura inglesa, a generaciones de autores, desde J. R. R. Tolkien hasta un buen número de guionistas de Hollywood. Aunque el texto se redactó en lo que hoy es el Reino Unido, trata de las aventuras de un héroe escandinavo en tierras que en la actualidad pertenecen a Dinamarca y Suecia: un monstruo, Grendel, ha llegado al reino de los daneses. Durante doce años, devora a sus mujeres y hombres, hasta que desde la otra orilla del mar llega Beowulf para intentar salvarlos. La versión que proponen García y Rubín sigue fielmente el argumento y la estructura en tres actos del texto original. No pretende ser revisionista, irónica ni posmoderna, sino que ha buscado apegarse al tono y los hechos narrados en el poema, y transmitir con toda su potencia la resonancia épica y melancólica de sus versos a través de los recursos formales del cómic contemporáneo. La perspectiva no es, pues, la del género de la espada y brujería o la fantasía heroica, sino la de reconstruir un relato muy antiguo con una mirada moderna, respetando la sencillez monumental del material de partida. Así, 'Beowulf' cobra nueva vida, como si fuera una historia que descubrimos por vez primera.

En lo que conocemos como "mundo desarrollado", la mayoría de la población se muestra en las encuestas a favor de la igualdad, las leyes ya no distinguen los derechos atendiendo al sexo de las personas y en muchos países existen "políticas de igualdad". Entonces, ¿cómo es posible que persistan las desigualdades entre hombres y mujeres? María Pazos Morán explica en este libro que las políticas públicas vigentes proporcionan incentivos económicos para que se mantenga la familia tradicional, no permiten que ambos sexos puedan repartirse igualitariamente el cuidado de sus criaturas y personas dependientes e impiden a muchas mujeres mantenerse en el empleo de calidad durante toda la vida. En definitiva, a pesar de la retórica oficial, no se ofrecen condiciones materiales para la igualdad. En el actual contexto de liquidación de las políticas sociales, la autora argumenta la necesidad de mantener y profundizar estas políticas y de eliminar sus actuales sesgos de género y, apoyándose en la experiencia internacional, esboza una vía para el cambio estructural hacia una sociedad compuesta por personas sustentadoras/cuidadoras en igualdad. Además, contradice de forma argumentada percepciones ancestrales firmemente arraigadas, como que son las mujeres quienes eligen especializarse en el trabajo doméstico y de cuidados, que la desigualdad beneficia a la economía o que una sociedad igualitaria es utópica. Pero, sobre todo, defiende que justicia social y de género son inseparables y que las reformas propuestas beneficiarán a todos los seres humanos. Una visión sintética e integradora que llenará un vacío en la literatura internacional sobre igualdad de género y sobre política social.

La Teoría del partisano de Carl Schmitt constituye uno de los análisis más lúcidos de esta sugerente figura, la cual irrumpe en la historia con la guerrilla española que puso en jaque al ejército regular de Napoleón. «Gracias a este choque se abrieron nuevos espacios de guerra, se desarrollaron nuevas nociones de beligerancia y surgió una nueva teoría de la guerra y la política». Partiendo de esa chispa inicial, Schmitt reconstruye la evolución del partisano: de las teorías de Clausewitz al revolucionario de profesión, de Lenin a la «nación en armas» de Mao, hasta llegar al terrorismo en la Argelia francesa. Uniendo el rigor del jurista con la penetración del filósofo, Schmitt precisa los caracteres distintivos del combatiente irregular, esto es, de aquel que se sitúa al margen de la «enemistad convencional», con sus guerras domesticadas y circunscritas, para entrar en el ámbito de la «enemistad verdadera». El partisano cobra así, a sus ojos, el rango de un protagonista clave de la historia universal en el contexto del nuevo «nomos de la tierra», para acabar convirtiéndose, con la absolutización del partido y la criminalización del adversario de guerra, en portador de una «enemistad absoluta».

La sencillez de la condición humana El humorista gráfico Cesc se dedicó, como sus contemporáneos Sempé y Steinberg -que él reconocía como grandes influencias-, a la anotación costumbrista. Como Sempé, miró con ternura a los niños y a la gente de la calle. En especial a la gente con oficios modestos como las floristas, los peones o incluso los mendigos. Por otro lado, más crítico y en línea con Steinberg, denunció los abusos del poder, la banalidad y la preocupación por las apariencias de los ricos, y la burocracia kafkiana. Este volumen recopilatorio, en el que Jordi Duró ha desempeñado labores de antólogo y diseñador, reúne los dibujos sin palabras de Cesc. Dibujos que no necesitan una explicación y que muestran por tanto su cara más directa y cercana, la que él prefería. Reivindicando a este gran dibujante como alguien que retrató con ternura algo más allá incluso de su época y su país: la sencillez de la condición humana. A pesar de los problemas que tuvo con la justicia (protagonizó dos juicios que fueron sobreseídos), con la censura y con las presiones políticas que llegaban a él a través de los editores y que provocaron que fuera "retirado" durante temporadas, mantuvo un público fiel que admiraba su capacidad poética de sintetizar ciertas ideas que no hubieran podido expresarse a través un lenguaje que no fuera el dibujo. Un dibujo amable que enmascaraba mensajes duramente críticos. "Desde la parcela de la caricatura, Cesc cumplió el papel que en literatura cumplieron los Goytisolo, Celaya, Blas de Otero, García Hortelano. Rompía la imagen establecida de nuestra sociedad: una imagen de hogar medio con páter familias sentado en un sillón con orejeras, lector de ABC y frecuente radioescucha de Cabalgata fin de semana, de Bobby Deglané". Manuel Vázquez Montalbán "Cesc fue uno de los pioneros contemporáneos del humor gráfico en prensa (...). Construyó un universo de dibujos de un realismo tierno y sencillo como sus personajes, pero cargado de fina ironía. Niños inocentes y preguntones, obreros perplejos por lo que veían y vivían, ricachones como malos de cuento y situaciones paradójicas de la vida cotidiana nutrían los dibujos que Cesc comenzó a publicar en prensa a principios de los 60, cuando era preciso decir muchas cosas, pero se podían decir muy pocas". Rafel Vallbona, El Mundo

Un ensayo controvertido y provocador pero necesario para comprender una parte clave de nuestra cultura y de la transición del franquismo a la democracia. Un ensayo que nace de una lectura tan honda como brillante.

Con Crisis (de ansiedad) vuelve el Juanjo Sáez más trasgresor y políticamente incorrecto. Derecho a la vivienda (de cartón), obreros «reformados» porque finalmente se han arrodillado, finales de túneles iluminados tenuemente por el brillo de los ojos de un lobo voraz, banqueros a los que se les ha metido un obrero en el ojo, banqueros desalmados que inventan pócimas para crear pobreza, banqueros que se lo pasan muy bien en medio de tanta crisis. Crisis (de ansiedad) reúne una selección de viñetas sobre la crisis económica y sus efectos en la gente común publicadas en el diario catalán Ara. Como complemento a estas viñetas además incluye tres historietas inéditas basadas en la vida del propio Juanjo que tratan el tema de la crisis desde un ángulo más personal: ¿qué pasa cuando a tu padre, un señor mayor, se queda sin trabajo? y ¿cómo habla la gente en sus casas del «capitalismo»? Format Fixed Layout especial per a tablets.

La alucinante atmósfera de este libro, sumada a su virulencia, convierten Habitaciones exiguas en una metáfora de la desesperanza, de la capacidad de autodestrucción del ser humano, de la soledad y la amargura. Los personajes protagonistas de esta novela -Syd­ney, Roy y Gareth- son como ángeles oscuros situados en la frontera que separa lo infernal de lo celestial. Víctimas de una pasión desenfrenada, acaban hundiéndose en el pozo sin fondo de la crueldad, la humillación y la violencia. Habitaciones exiguas es una historia en la que el amor, la voluntad de dominación y de sometimiento, y el an­sia de posesión se apoderan de tal modo de sus protagonistas que nada puede detenerlos, ni siquiera la tortura o el crimen. La obra de James Purdy (1924-2009) se caracteriza por la dureza de sus planteamientos, su lenguaje áspero y su desprecio hacia todos los convencionalismos. Su talento fue reconocido por numerosos escritores y críticos: Edith Sit well, Angus Wilson, Paul Bowles, Susan Son tag, Gore Vidal o George Steiner lo elogiaron entusiásticamente cuando era aún muy poco conocido en su país. Su primera novela, Malcom, publicada en 1959, está lejanamente inspirada en la picaresca cervantina, pero instalada en un mundo cruel y perverso. En otras obras, como Cabot Wright Begins o Eustace Chisholm and the Works, al igual que en estas Habitaciones Exi guas, Purdy explora a fondo los motivos del deseo sexual, la pasión y el amor desesperado. Como alguien dejó escrito en una frase que ha perdurado, James Purdy fue un maestro de la literatura del mal.