Cuando en 1979 los Clash comenzaron a pergeñar London calling, no podían imaginar que ese álbum doble devendría una de las obras absolutamente capitales de la Historia del Rock. Lo que sí sabían era que los límites del punk les quedaban estrechos, y se lanzaron a dar forma a un sonido que bebía tanto del rock clásico como del reggae, el pop, el ska o el rockabilly. Todo tenía cabida en una mezcla a la que dotaron de su vehemente propia identidad, esa que en gran medida definiría el rock de la década de los años ochenta y sería influencia para cientos de bandas de todo el planeta. Desde la gestación, grabación, puesta en escena y desarrollo posterior, London calling. The Clash rompiendo con todo se adentra en una obra que llevó al grupo liderado por Joe Strummer y Mick Jones a la primera división del rock internacional. Lo que lograron sin renunciar al compromiso social en sus letras, muy al contrario: la crisis económica e industrial, el desempleo, las drogas o la lacra del racismo que asolaba la Inglaterra de Margaret Thatcher forjan un repertorio tan sólido que, impermeable a la erosión del tiem

La novela plantea un caso de síndrome de Munchausen y viaja por los vericuetos de una mente asesina que el lector no sospecha, aunque en el fondo lo espere.Una historia en la que amor y crueldad se atan firme y faltamente. Una novela llena de giros inesperados, escrita con un lenguaje muy plástico y una prosa minuciosa, que la crítica alemana ha comparado con una pintura de El Bosco o un cuento de los hermanos Grimm.

Finales del siglo xv en la Rusia profunda, una época de plagas y peste. Un joven huérfano vive en el bosque con su anciano abuelo, el curandero local. De él aprende los secretos de las hierbas y los remedios naturales. Pero este conocimiento resulta inútil para salvar a su amada. Abrumado por la culpa y buscando la redención, se embarca en un viaje a través de una Europa infestada, ofreciendo sus poderes curativos dondequiera que vaya. Pero este no es un viaje cualquiera: es uno que abarca edades y países, y lo enfrenta con una gran cantidad de personajes inolvidables y criaturas legendarias. Ya anciano, regresa a su pueblo natal para vivir sus últimos días como ermitaño, donde se enfrentará a su prueba más difícil. Ganadora de dos de los premios literarios más importantes de Rusia, Laurus es una novela extraordinariamente rica sobre los temas eternos del amor, la pérdida, el sacrificio y la fe, de uno de los novelistas más aclamados por la crítica.

Osvaldo Lamborghini (Buenos Aires, 1940–Barcelona, 1985), poeta, narrador y artista plástico, fue una de las figuras más singulares y radicales de la literatura argentina del siglo XX. Autor de culto desde su irrupción con El (1969), un texto que marcó a toda una generación por su violencia verbal y su ruptura, su obra, breve pero de enorme influencia, incluye títulos como Sebregondi retrocede (1973) y la inacabada Tadeys. Hoy sigue siendo un referente decisivo para varias generaciones de escritores y artistas. Sin extraer a Lamborghini de Argentina, en este texto se abre un espacio para que Lamborghini pueda ser leído al margen de las claves inevitablemente argentinas de su escritura y, al mismo tiempo, es el hilo que da forma a una constelación de escrituras peninsulares que, como la suya, subvierten las bases mismas de la literatura y la lengua.

Tras su poemario Cuerpos perdidos en las morgues (Ultramarinos, 2018), que le valió a Xaime Martínez el Premio Nacional de Poesía Joven «Miguel Hernández», y después de haber tomado la decisión de consagrar su escritura a la lengua asturiana, el autor nos entrega —recurriendo de nuevo en cierto modo a los muertos— otra muestra de vitalidad poética, que desde ya merece hacerse un hueco entre lo mejor de las letras peninsulares recientes por su contribución al lenguaje. Radicado —porque no se puede mirar para otro lado— en el contexto presente del Movimientu pola oficialidá de la llingua asturiana, Xaime Martínez (Uviéu, 1993) recurre a la tradición del etnodrama, un concepto de la antropología teatral que, como sucede en este libro, escenifica la dimensión ritual de una identidad cultural, la asturiana en este caso. La reunión en torno al fuego de un poeta y una sarta de ilustres muertos (noche de Walpurguis tomada por el orbayo), una extravagante mascarada de invierno (con sonido Nueva Orleans de fondo: «my grandma and your grandma / Were sittin’ by the fire») y una epopeya zoomórfica protagonizada por el

"Estudios filosóficos", que sigue la edición de "OEuvres I", establecida y anotada por Jean Hytier, es el cuarto de los volúmenes de ensayos en prosa de Valéry que aparece en La balsa de la Medusa. Tras "Escritos sobre Leonardo da Vinci", "La idea fija" y "Teoría poética y estética". Próximamente se publicarán sus estudios literarios, con los que se ofrecerá la edición completa de los ensayos en prosa del poeta.

Escrita en 1999, esta poco convencional y menos académica historia del arte es una pequeña obra maestra del humor y la narrativa gráfica. Su protagonista, Luco Pax, es un joven artista aquejado por el síndrome del lienzo en blanco cuya vida emocional sufre los altibajos propios de un amor imposible, el que siente por su vecinita, la hija del malhumorado y mezquino soberano del reino. Desesperado y echado al monte, su malaventurada vida da un giro de 180 grados en el momento en el que se cruza con un anciano que a cambio de 3 manzanas le concede la ayuda definitiva con la que poner fin a su calamitosa existencia: un pincel mágico. Pero si los pinceles o lápices, simples utensilios de dibujo, son en realidad instrumentos mágicos capaces de modificar el curso de la historia de la literatura infantil tal y como nos demostraron Crockett Johnson, Anthony Browne o la ensayista y autora Molly Bang, ¿qué no serán capaces de hacer para salvar a Luco y a la princesa de las zarpas del tragahelados del rey? Impreso en tintas directas, y a medio camino entre el álbum y la novela gráfica, cada panel de la Historia del arte rinde homenaje a las diversas disciplinas del arte así como a sus diferentes lenguajes y formas de expresión que confluyen y se retroalimentan para dar vida a un relato atemporal, brillante y absurdo. Paul Cox se inspira en los clásicos de la literatura y en otras artes visuales para crear una narración con doble destinatario –dirigida tanto al público infantil como al adulto– y con diferentes niveles de lectura que satisfarán los intereses lectores de pequeños, medianos y grandes.

Atalanta Fugiens ha sido considerado el libro de emblemas más bello y sugerente de todos los tiempos. Su autor, Michael Maier (1568-1622), fue un célebre alquimista y médico de la corte del emperador Rodolfo II de Praga. Entre 1614 y 1622, Maier concibió una serie de obras alquímicas ilustradas, entre las cuales La fuga de Atalanta es, sin duda, la más importante. Publicada por primera vez en Oppenheim, en 1617, se inscribe dentro del movimiento espiritual rosacruz que floreció durante las primeras décadas del siglo XVII en los principados alemanes al cual pertenecían tanto el editor del libro, Theodor de Bry, como el autor de sus grabados, Merian. Parte de la fascinación que ha despertado esta obra se debe a su triple naturaleza, en tanto que libro de emblemas visual, obra musical –con sus cincuenta partituras que acompañan a las imágenes– y volumen puramente textual, con sus epigramas y comentarios alquímicos. Por todo ello, Atalanta Fugiens puede considerarse como el primer libro «multimedia» de la historia cultural europea. La presente edición ha querido rendir tributo a estos tres aspectos: no sólo reproduce los grabados a partir de una edición original e incluye por primera vez en castellano el texto íntegro de Maier, sino que ofrece también una magnífica versión musical para poder escuchar sus fugas mientras se contemplan sus grabados y se leen sus epigramas. Un código QR en el interior del libro permite acceder a esta grabación, realizada en enero de 1986 en la iglesia de St. Margaret, en Putney, Londres. Como dice en su prólogo Joscelyn Godwin, con esta edición «se hace justicia a los tres componentes (...) de la obra de Maier. Lo que el lector haga con ello depende de él: pues no hay duda de que esta obra es una producción misteriosa, sugestiva y enigmática para la vista, el oído y la mente».

'Mega' es una unidad de medida informática y, a la vez, el prefijo para designar algo muy grande. Cuando los poderes detrás de lo tecnológico se tornan cada vez más sombríos y la red que ha tejido internet parece atraparnos más que conectarnos, es urgente explorar el panorama reciente de las artes, desde los videojuegos a la arquitectura, pasando por el cine o la música, para recuperar los magníficos tesoros generados por la cultura digital. Al igual que la antigüedad tuvo sus grandes expresiones, mitos y monumentos, también la época actual los tiene, aunque todavía no se hayan reconocido lo suficiente. En una visualización sintética, tecno-optimista y desprejuiciada de las manifestaciones más exageradas de nuestro mundo, nos encontramos con enormes cúpulas de píxeles, palacios cibernéticos, pirámides multimedia, colosos virtuales y rituales masivos en mitad del desierto. Cada una de las maravillas aquí enumeradas es una oportunidad para abordar temas clave que nos interpelan hoy en día como sociedad: la capacidad creativa de la inteligencia artificial, las relaciones íntimas con bellezas virtuales, la desinformación o la creación de comunidades en remoto. "Mega" es una selección de estrategias, heroicidades y recursos tecno-fantásticos que invitan a vivir de otra manera y transformar una era que podría ser la última. Nacho Martín (Madrid, 1973) es doctor en Arquitectura y profesor durante varios años de la vanguardista Architectural Association de Londres. Su trabajo se ha ido desplazando entre el diseño de espacios, la innovación, la moda y las experiencias digitales. Gran parte de sus proyectos han sido publicados y premiados internacionalmente por instituciones y medios como el New York Times o Fast Company y expuesto en contextos como la Bienal de Venecia. "Mega" es su primer libro.

Vivimos en una época de liberaciones fallidas. Bajo un examen crítico, todos los intentos de liberación han traído con-sigo, tarde o temprano, nuevas formas de dominación y, por tanto, de servidumbre. Para Christoph Menke, explicar esta situación exige invertir la perspectiva. En lugar de simplemente dirigir nuestra atención al siguiente proyecto de liberación, debemos analizar cómo se han desarrollado los intentos de liberación anteriores. De crucial importancia es aquello en lo que cada uno de estos intentos tiene su comienzo: la experiencia, tan ordinaria como fascinante, en la que de repente se rompe un hábito que nos esclaviza. Afirmar esta experiencia significa entrar en la praxis de la liberación. A partir de esta tesis fundamental, el autor elabora una novedosa teoría de la liberación que supone una revisión de nuestras representaciones habituales de la libertad, ancladas en la naturaleza o en la sociedad. Esto revela que la libertad y la dominación están inextricablemente entrelazadas, y que la liberación no es la prehistoria de la libertad, sino su forma de realización. Así lo ilustran las dos nar

La mística es la experiencia de la unidad con el cosmos o la vivencia de Dios. A lo largo de la historia, las mujeres han transitado este camino de forma singular: las místicas aniquilan su identidad egoica y se abren a la belleza del mundo a través de la escritura arrobada o la pintura mediúmnica. Después de abordar los diarios íntimos de diez autoras en Heridas abiertas, Begoña Méndez propone un recorrido por las obras de Beatriz de Nazaret, Margarita Porete, Josefa Tolrà, Hilma af Klint, Simone Weil, Clarice Lispector, Marosa di Giorgio, Chantal Maillard y Anne Carson. Este ensayo compone, con el mismo pulso de la materia que trata, un coro de experiencias trascendentes que resuena desde la Edad Media hasta nuestros días: mujeres sabias que han encontrado en la expresión artística un lugar propio, un modo de estar en el mundo y a la vez más allá de él.

Una nueva novela de Matsumoto protagonizada por primera vez por una investigadora. Un caso que reabre las cicatrices del pasado de la sociedad nipona. En Tokio a finales de los cincuenta, Teiko Itane, una joven de veintiséis años, acepta casarse con Kenichi Uhara, un ejecutivo diez años mayor al que ha conocido a través de un casamentero. Tras una breve luna de miel, Kenichi desaparece sin dejar rastro. Decidida a encontrarlo, su mujer viaja en pleno invierno hasta la ciudad costera de Kanazawa, el último lugar donde fue visto su marido; allí inicia una investigación en la que los indicios y revelaciones se desvanecerán uno tras otro. Para resolver el misterio, Teiko tendrá que regresar al punto cero: donde todo comenzó. Esta es la primera novela de Matsumoto en la que el peso de la investigación recae sobre una mujer. La mirada femenina le sirve para explorar desde un nuevo ángulo el peso de la culpa y la memoria en la sociedad nipona en un momento en el que las cicatrices de la segunda guerra mundial eran aún recientes. Publicada en 1959, Punto cero es una de las obras clave del maestro de la novela negra japonesa. «Si aspiras a ser un conocedor de la mejor novela negra internacional, Punto cero debería estar en tu mesilla de noche. Un maestro del crimen.» Financial Times «Junto con un misterio intrigante, Matsumoto imparte una lección discreta pero fascinante sobre la historia y la cultura del periodo comprendido entre el Japón que conocemos hoy y su pasado inmediato.» Morning Star «Un referente de la literatura de misterio japonesa que es un lujo que podamos leer en castellano.» Marta Marne (El Periódico)

Tres décadas de electrónica, imagen y alucinación: la historia definitiva de The Chemical Brothers Pioneros del género Big Beat y conocidos por sus actuaciones en vivo junto con The Prodigy, Fatboy Slim y otros Desde los clubes underground de Mánchester hasta los grandes festivales y escenarios del mundo, En pausa en la reflexión cósmica cuenta la historia de The Chemical Brothers a través de sus propias voces y las de sus amigos y colaboradores en la industria musical. Con imágenes inéditas, entrevistas a figuras como Beck, Noel Gallagher, Bernard Summer, Wayne Coyne y Beth Orton, y el relato cercano de Robin Turner, este libro traza tres décadas de vanguardia sonora y visual. Diseño, música y cultura rave se entrelazan para mostrar la evolución de un dúo que transformó la electrónica en experiencia total. Una obra envolvente. «Una lectura fascinante, repleta de anécdotas, y también un magnífico libro, rebosante de imágenes evocadoras que dan vida a los años 90». Irish Examiner