Un libro de poemas que se lee como una novela; no en balde el autor nos avisa al inicio: «Todos los personajes y lugares, reales o ficticios, aparecen como lugares y personajes de ficción». Cada texto es una viñeta en un tapiz de escenas narrativas donde colapsan la ruina y el horror, la ciencia-ficción y sus extrañas metamorfosis, el insecto de Kafka y las antenas de Cronenberg. Aunque es conocido sobre todo por sus novelas, la poesía es el punto de partida del proyecto literario de Justo Navarro y está en el origen de su sentido de precisión estilística. Además, su labor como traductor de autores como T. S. Eliot, Borges o Virginia Woolf, se refleja en una sensibilidad literaria muy consciente de las posibilidades del lenguaje y de la intertextualidad. Chico católico es un excelente ejemplo de ello.

Una fascinante e insólita exploración sobre el mundo de la música y el papel que desempeña en nuestras vidas. Michel Faber, uno de los novelistas más talentosos y singulares de los últimos tiempos, se adentra en el ensayo para escribir el libro que siempre quiso escribir: una obra brillante y exhaustiva sobre cómo y por qué escuchamos música, y por qué escuchamos la música que escuchamos y no otra. A través de asuntos como las reacciones electroquímicas que provoca en nuestro cerebro, la dicotomía entre «buen» y «mal» gusto, la noción de «cool» o los aspectos biológicos y socioculturales que nos determinan, el autor desvela algunos aspectos sorprendentes sobre nuestra relación con la música, y nos descubre hasta qué punto el acto de escuchar cambia nuestra relación con el mundo.El resultado es un extraordinario viaje por el sonido en sus múltiples facetas. Una apasionada, desmitificadora y accesible reflexión sobre todo aquello relacionado con el acto y el arte musical y el papel que ambos desempeñan en nuestras vidas.

El 4 de mayo de 1945, un niño atraviesa los escombros de Trieste con una silla. Se dirige al centro de mando aliado, donde su padre está siendo interrogado. El 5 de agosto de 1972, ante las columnas de humo provocadas por la explosión de unas cisternas de petróleo, Mauro le pregunta a su padre —el niño que acarreaba la silla hace veintisiete años— si están en guerra. Más de cuarenta años después, Mauro Covacich regresa a Trieste y, en un fascinante recorrido por una de las ciudades más complejas de Europa, nos transmite el asombro y la inquietud que sentían tanto el niño de 1945 como el de 1972. La ciudad interior es una novela audaz sobre el período de formación de su autor y es también un fresco en el que aparecen personajes inolvidables de la cultura triestina, algunos muy conocidos, otros casi secretos, que se entremezclan en un laberinto repleto de desvíos, historias, lenguas y ecos del que se sale con la tentación de volver a entrar.

Tras una temporada en el extranjero, Elaia regresa al pueblo de sus orígenes para escribir una novela. Quiere contar la historia de su familia, un entramado de vidas marcadas por la guerra, la dictadura y las dificultades del campo andaluz. A medida que los silencios heredados se despejan, emerge una memoria viva que, más que sobre el pasado, tiene mucho que decir sobre el presente. Y que llega también para sanar una herida: la del duelo sin cerrar por la muerte de su abuela, de la que no pudo despedirse. Azahara Palomeque escucha las historias que guardan las casas y los olivares, y nos devuelve esas voces ausentes que hablan de amores desafiantes y viajes liberadores, de las lealtades y traiciones que rigen un pequeño mundo. Una novela conmovedora y rupturista en la que lo oral y lo poético se trenzan con cuidado artesano en un canto a las raíces, a los afectos y a los futuros que aún es posible imaginar.

Sostiene Iñaki Gómez Álvarez en este ensayo –que obtuvo el xvi Premio Málaga– que observar los escaparates, tanto desde la calle como desde el interior de las tiendas, es la forma idónea de abordar la comprensión de la sociedad moderna. Desde finales del siglo xix, los escaparates han atraído la atención de los transeúntes y han transmitido la identidad y los valores culturales de la sociedad moderna a los niños. Como pequeños flâneurs, con todo el tiempo para contemplar los escaparates, los más jóvenes utilizan para explorar el mundo, como enciclopedias ilustradas abiertas de par en par, estas breves lecciones informales. Como exposiciones impremeditadas, inspiran vocaciones artísticas y, al igual que las otras formas de arte callejero –las vallas publicitarias, los carteles, los letreros y los grafitis–, influyen poderosamente en la cultura popular y general. La variedad de temas tratados en Escaparate –la infancia y sus cambios visibles en el último siglo, la educación, la reforma social, la cultura visual, el arte, el urbanismo, la integración de las minorías, las tradiciones, la historia de Chicago y la cultura de los nuevos dispositivos electrónicos– dan continuidad y ritmo al ensayo, al tiempo que proponen un apasionante abordaje antropológico, económico, cultural o pedagógico de la modernidad. Quien quiera saber qué aprenden los niños en las calles, que le pregunte a los escaparates. Quien quiera transmitir un mensaje revolucionario, que no subestime el poder de los escaparates. Si se cierne otra gran depresión, la primera señal será la desaparición de los escaparates.

Tras la segunda guerra mundial Inglaterra entró en estado de shock. La lenta reconstrucción de las ciudades y la economía, la descomposición de imperio y la afluencia migratoria alteraron para siempre la fisonomía de la isla. La poesía no fue ajena a las presiones psicológicas, económicas, culturales y sociales de su tiempo. Como una antena muy sofisticada (y algo enigmática) recogió el malestar, el pesimismo, la soledad y la fealdad de la época: la Inglaterra verde y campestre de Worsdworth o Tennyson se vuelve gris y urbana en los poemas de esta generación. Claro que partiendo de un sustrato común cada uno de estos poetas ofrece visiones muy distintas y sofisticadas de su tiempo. Así los dos poetas principales de esta generación alcanzan posiciones casi confrontadas: Philip Larkin segrega su pesimismo cultivando un conservadurismo de ideas perfectamente adaptado a los tiempos (oficinas, coches, entretenimiento barato), con un lenguaje preciso, casi expurgado de lirismo; mientras que Ted Hughes despliega una visión salvaje de la caza, los animales y la naturaleza, asediada por las ciudades y la rutina de las oficinas, con un lenguaje expresionista y telúrico. Abran y lean este catálogo de visiones (poéticas), unas veces fantásticas, otras veces mordaces, sobre la misma sociedad fría, gris, mecanizada, solitaria, y apática en la que en buena medida seguimos viviendo.

Un hombre mayor.  Un hombre mayor, de campo.  Un hombre mayor, de campo, hablándonos de sexo. Un hombre mayor, de campo, hablándonos de sexo y reflexionando sobre las dificultades de ser hombre.  Un hombre que siente la extrañeza del lenguaje, que no alcanza a decir lo que quiere decir, que apenas logra señalar lo que duele. Marcelino es su relato, cuajado de miedo y de amor. A su alrededor, la brutalidad y la dulzura se abren paso entre cuerpos que gimen, que paren, que lloran a sus muertos, que se alejan lentamente del campo… Bibiana Collado Cabrera elige en esta novela a un protagonista con un lenguaje y un imaginario de la tierra, en un gesto tierno y provocador.

«Lo cierto es que ningún paseo público en el mundo ofrecía perspectivas, silencios y seducciones panorámicas comparables a las perspectivas, los silencios y las seducciones ofrecidas, como una novedad aún palpitante, en los jardines napoleónicos de Venecia.» Si hasta el siglo XVIII Venecia era conocida, además de por sus canales y espléndidos palacios, por sus maravillosos jardines cuyo verde se reflejaba en la laguna, a principios del siglo XX esta faceta parecía ya en declive. De hecho, en 1927 Gino Damerini descubre que gran parte de la flora que había enriquecido la ciudad durante siglos estaba desapareciendo a causa de una urbanización cada vez más agresiva. El periodista empieza así a narrar los espacios descuidados y encantadores que, «como piedras preciosas engastadas en magníficas obras de orfebrería», resisten ocultos tras las intrigas de las calles y los canales. Los jardines públicos y privados —algunos aún accesibles y visitables— se sitúan en el centro de un itinerario apasionante donde botánica, arte, historia y arquitectura se unen para devolver todos sus colores a un lugar que, poco a poco, va perdiendo una parte de sí mismo. Esta es la carta dolorida de un «amante fiel» —tal y como se declara el autor— que, a cien años de su primera publicación, sigue manteniendo su encanto.

El miedo a la enfermedad ha adoptado diversas formas a lo largo del tiempo: superstición, melancolía, obsesión o simple desvelo cotidiano. En el centro de todas ellas se encuentra la hipocondría, una inquietud que revela tanto la certeza de nuestra vulnerabilidad física, como la necesidad humana de comprender el cuerpo y sus dolencias. En "Cuerpos de cristal", Caroline Crampton, ensayista y periodista británica, entrelaza historia cultural, crítica literaria y memoria personal para ofrecer una exploración lúcida y profunda de la hipocondría. Partiendo de su propia experiencia, tras una grave enfermedad en la adolescencia y el consiguiente miedo a la recaída, la autora reconstruye los orígenes y las diversas metamorfosis de este sufrimiento invisible: desde las observaciones de Hipócrates hasta las febriles páginas de Virginia Woolf, Joan Didion o Marcel Proust, pasando por los peligros de la era del autodiagnóstico en internet. Con una escritura precisa y profundamente sensible, Crampton revela cómo la hipocondría no es solo un trastorno psicológico despojado de anhelo humano, sino que en lo más hondo de la dolencia subyace una forma de búsqueda: el deseo de comprender el cuerpo y de hallar certezas frente al vértigo de la incertidumbre. Este ensayo es una mirada divergente sobre la fragilidad y la imaginación; sobre el modo en que el miedo a la degradación de nuestro cuerpo también cuenta la historia de lo que significa estar vivo.

Un recorrido por algunos de los textos que contribuyeron a sentar las bases de la defensa de la dignidad, la inteligencia y el potencial humano de las mujeres durante la primera ola feminista. ¿Cómo iban a gobernar las mujeres, si se las consideraba menores de edad y necesitaban un hombre para supervisarlas? ¿Cómo iban a hacerse cargo de tal responsabilidad, si había quien pensaba que su capacidad intelectual era tan probadamente inferior que no podía malgastarse ni el erario público ni el privado en educarlas? Hasta la segunda mitad del siglo XVIII, las mujeres que ejercieron libremente como escritoras no pasaron de ser ejemplos aislados. Pero, a finales de ese siglo, la Ilustración había enarbolado las banderas de la libertad y la igualdad, y había convencido a las mujeres de que su momento había llegado, y, aunque los grandes ideólogos de las incipientes democracias liberales no tardaron en abandonarlas, se las puede considerar como precursoras de lo que, a finales del siglo XIX, se conocería como feminismo. El relato de las injusticias, las desigualdades, el enclaustramiento físico y mental es el hilo violeta que une los relatos de esta antología. Muchas de sus autoras no se consideraban feministas, pocas entre ellas fueron militantes activas en alguno de los movimientos que englobamos bajo la primera ola del feminismo, pero está claro que todas contribuyeron a que podamos entender por qué el feminismo se convirtió en un movimiento tan sólido a través de tantos años. Jane Austen, Elizabeth Caroline Grey, Fredrika Bremer, George Sand, Mary Shelley, George Eliot, Louisa May Alcott, Mary E. Bradley Lane, Charlotte Perkins Gilman, Olive Schreiner, Kate Chopin, Begum Royeka, Edith Wharton, Virginia Woolf, Rosalía de Castro, Fernán Caballero y Emilia Pardo Bazán. «En estas páginas se muestra una ideología muy adelantada a su época y la férrea oposición de una sociedad hierática».  Zenda «Aquí están los cimientos de las reivindicaciones de las mujeres».  El Cultural «Esta pequeña muestra de mujeres extraordinarias nos enseña que entre lo que se ha conseguido y lo que queda por conseguir hay un camino largo».  El Mundo

Viuda por segunda vez, Bernarda Alba impone un luto de ocho años para toda su familia. Las cinco hijas luchan por abrirse paso en una sociedad patriarcal marcada por el fanatismo religioso y el miedo al qué dirán. Dos de ellas se enamoran del mismo hombre y se desata la tragedia. Escrita en 1936, poco antes del ajusticiamiento de García Lorca, La casa de Bernarda Alba no se estrenó hasta 1945. Esta obra maestra del teatro español contiene la quintaesencia del estilo lorquiano: el increíble manejo del lenguaje coloquial, el abrumador retrato de una mujer absorbente y, en resumen, la metáfora perfecta de la España reprimida por el odio y la envidia que se adivinaba en el horizonte

Un reto urgente para las democracias del siglo XXI. ¿Son los científicos únicamente proveedores de evidencias o deberían ser también actores implicados en la formulación de políticas públicas?Joan Subirats se pregunta si existen el espacio, los recursos y la voluntad necesarios para que el conocimiento científico sea relevante en los debates políticos y sociales. Analiza en qué medida sus funciones pueden complementarse con las de los ciudadanos, los responsables públicos y los representantes de intereses diversos; qué margen hay para ensayar nuevas respuestas a problemas persistentes.

Esta narración en primera persona es la ?puesta en papel? de un largo viaje del autor por Extremadura. Es, por tanto, y como saben los lectores de su obra -publicada en España habitualmente por la editorial Acantilado- uno de sus primeros textos autobiográficos, pues Krasznoharkai suele evitar siempre los elementos autobiográficos en sus relatos. En esta ocasión, obligado quizá por la experiencia previa, y por el impacto que en él supuso conocer la historia del último lobo de España, traicionó ese principio, para así brindarnos uno de sus textos más fascinantes: un ?relato real? que nos atrapa desde el primer momento y nos seduce como sólo saben hacerlo los verdaderos contadores de historia. Un relato que sigue buscando respuestas para las cuestiones que habitualmente nos plantea este autor: ?Todas mis novelas tienen un punto en común: la advertencia de que estamos viviendo en una época donde cada vez es más difícil distinguir lo que tiene valor de lo que no tiene. En la profundidad de todos mis libros hay siempre una pregunta: ¿qué es lo que significa la tradición??.

El libro más personal de la última revelación literaria española. Una poderosa historia real sobre la vida, el amor, la muerte y la literatura. «Oxígeno es la confirmación de que Marta Jiménez Serrano pertenece a la misma patria literaria que Zadie Smith, Nora Ephron o Joan Didion. Un texto emocionante, preciso, literario y lleno de furia de clase, que convierte el parpadeo entre la vida y la muerte en un universo de posibilidades, en la vida misma negándose a claudicar». Alana Portero «He aquí una frase extraña: supe qué es estar muriéndose». En noviembre de 2020, pocos meses antes de publicar su primera novela, la autora de este libro estuvo a punto de morir. Un sábado como cualquier otro, en su casa, sin saberlo, ella y su pareja se estaban muriendo. La caldera tenía una fuga y el monóxido de carbono les fue adormeciendo hasta que Marta se levantó a duras penas para ir al baño. Ahí, cayó desplomada y se golpeó la cabeza. Cinco años ha necesitado para narrar esta experiencia en una historia que conjuga la tensión narrativa, la ansiedad y la esperanza. Oxígeno es «el libro que nunca hubiera querido escribir», el relato de los minutos en los que se les escapaba la vida, el de los meses que siguieron el accidente y el de los años que lo precedieron todo, cuando se enamoraron y empezaron a construir una vida sin pensar que podría terminar en cualquier momento. Combinando con maestría la sensibilidad, el sentido del humor y la lucidez, la autora mira de frente a la muerte para celebrar el asombro diario de seguir aquí.«Una de las escritoras más talentosas e inteligentes de su generación». Laura Barrachina Sobre No todo el mundo: «[Marta Jiménez Serrano] tiene el don de la ironía, el vértigo, la divina perspicacia». Ascensión Rivas, El Cultural «Una excelente crónica generacional que explica quiénes somos». Juan Marqués, La Lectura (El Mundo)«Lo que de verdad importa en la literatura es la vida. Sin embargo, esto no quiere decir que con la vida baste. Para escribir, hay que saber llevarla a otro lugar. […] Marta Jiménez Serrano lo consigue. Poco importa la procedencia de sus historias, sino su virtud de transformar la vida en ese pensamiento literario del que hablaba Marías, y, con ello, emocionarnos». Julia Olmo, ABC Cultural«Una notable voz narrativa de una nueva generación». Fernando Navarro, El País «Marta Jiménez Serrano radiografía los pormenores de las relaciones humanas con tanta clarividencia que consigue alcanzar la universalidad más pasmosa a partir de una concreción desmenuzada, conectando lo familiar con lo remoto, lo punzante con lo cómico y bañando el interés antropológico en una salsa adictiva». Elisa Victoria «Escritos con deliciosa osadía y un deslumbrante sentido de la velocidad, estos relatos de Marta Jiménez Serrano conforman un retrato lúcido, compasivo y divertidísimo del amor contemporáneo». Alejandro Zambra «Un libro memorable sobre ese tema acerca del que todo el mundo se cree experto y casi nadie sabe nada. Exacto: sobre el amor». Andrés BarbaSobre Los nombres propios: «Con hondura y verdad, Marta Jiménez Serrano nos relata el camino de la infancia a la primera juventud. Preciosa». Elvira Lindo

1921. En el sofocante calor del verano brasileño, la joven María descubre el extraño poder del vudú y el maleficio que continúa ejerciendo su devastadora fuerza en el corazón de la selva. Poseída, se transforma en una mujer de cuerpo magnífico y encantos perversos. ¿Quién podrá resistirse a la seducción y la maldición de quien responde ahora al nombre de Eva Medusa? Tras largo tiempo agotados, Astiberri publica los tres tomos reunidos en esta edición integral única que incluye más de treinta páginas de extras con comentarios de Ana Miralles sobre el proceso de creación de este clásico del cómic. Magia, ira y deseo... una historia donde la belleza del dibujo y la sensualidad de la narración encantan y subyugan. Una obra con varias capas de lectura en la que conviven elementos fantásticos (la magia negra frente a la magia blanca), de carácter social (el enfrentamiento entre los dominadores europeos “civilizados”, frente a la “salvaje” población indígena oprimida) y todo un muestrario de las relaciones humanas, con alta incidencia del erotismo y la sensualidad. Acompañan a esta edición con nueva rotulación un prólogo de Ana Miralles y un epílogo del crítico de cómic Norman Fernández.

¿Cómo se hace una tesis? Con la lucidez que lo distingue, Umberto Eco convierte esta pregunta en una guía práctica, reflexiva y sorprendentemente amena. Esta obra no es solo un manual técnico, sino una invitación a pensar con método, a investigar con criterio y a escribir con claridad.A través de ejemplos concretos, recomendaciones precisas y una ironía sutil, Eco acompaña al lector desde la elección del tema hasta la redacción final. Dirigido a estudiantes, docentes y toda persona curiosa por el proceso intelectual, este clásico imprescindible sigue siendo una referencia clara para aprender a vivir, enseñar y disfrutar la investigación académica.

Mutti es un retrato íntimo y conmovedor de Margaret Krings Rechholz, la madre del autor, con quien solo compartió quince años de vida. A través de su figura, Félix Fernández de Castro evoca a toda una generación de mujeres sin más opción que cargar con las imposiciones de su tiempo, como madres, compañeras o simplemente como personas que aspiraban a ser dueñas de su destino, a menudo con consecuencias trágicas. Entre el homenaje y la rendición de cuentas, este libro explora el duelo, la reparación y la búsqueda de la identidad a través de la memoria familiar. Con una prosa sobria y elegante, Mutti reconstruye vidas truncadas demasiado pronto, mientras las ilustraciones de Toni Ricart, Baxter, aportan un contrapunto poético y luminoso. Es el primer libro de Félix Fernández de Castro, conocido por su documental María y yo (2010, TVE, Canal+, TV3), basado en la novela gráfica homónima de Miguel Gallardo. Fernández de Castro ha sido reconocido en numerosos festivales de cine nacionales e internacionales y tiene una amplia trayectoria como realizador de cine publicitario.

Una delicada meditación sobre nuestros silencios individuales y colectivos que nos anima a prestar voz (y oídos) a las cosas que callamos. Premio de Ensayo Psychologies 2025 Todos cargamos con un repertorio de momentos en que nos mordimos la lengua: palabras que no quisimos pronunciar o que no supimos encontrar, oportunidades perdidas, omisiones, tabús y deseos inconfesados. Ambivalente por naturaleza, el silencio puede ser tanto un refugio como una cárcel. Una elección o una imposición. Abarca todo el arco de la experiencia humana: equivale a contemplación y recogimiento, a misterio y éxtasis, pero también a trauma y vergüenza, a violencia y secretos familiares, a duelo. Solo cuando aprendemos a escuchar lo que callamos, logramos elegir sabiamente lo que decimos, pues «el silencio no es lo contrario de la palabra, sino su condición». Apoyándose en su experiencia como psicoanalista y psicóloga clínica, Laurence Joseph recurre a la mitología, la literatura y la filosofía para trazar la cartografía de nuestros silencios individuales y colectivos, en los cuales podrán reconocerse los lectores de este revelador ensayo. La crítica ha dicho... «Lo que no se sabe decir, lo que no se puede oír, aquellos a quienes no se escucha: bajo la pluma de Laurence Joseph aparecen, en líneas claras y apasionantes, las leyes secretas o discretas del silencio.» Claire Marin «Una reflexión de una inteligencia formidable sobre todas esas razones, buenas o malas, que nos empujan a callar.» Sarah Chiche «Un libro que rompe al fin el silencio del silencio.» Libération «Como la filósofa Claire Marin, Laurence Joseph forma parte de ese grupo de ensayistas populares que ponen palabras a las fracturas más íntimas.» Le Parisien