Zaj. Colección Archivo Conz recoge, a través de documentos gráficos, gran parte de las actividades del grupo de vanguardia artística español Zaj, fundado en 1964 por los compositores Juan Hidalgo, Ramón Barce y Walter Marchetti -a los que se unieron con posterioridad nombres como los de José Luis Fernández Castillejo o Esther Ferrer-, artistas pioneros en nuestro país con sus actividades en torno a la denominada música de acción, iniciando una vía en la que paulatinamente los instrumentos musicales van perdiendo su función única de productores de sonidos y van ganando en cambio otras atribuciones. Todos ellos supieron romper moldes en un tiempo en el que, en nuestro país, la innovación artística era poco menos que una utopía, y han seguido trabajando durante treinta años sin agotar sus recursos rupturistas. El catálogo se completa con textos de Rubén Figaredo y Eduardo Navarro acerca del movimiento Zaj y de sus fundadores y miembros, incluyendo a su protector y cómplice: el coleccionista italiano Francesco Conz.

El arte en el tiempo crítico de la globalización ha encontrado su refugio dorado en las bienales y las ferias de arte, que convierten la experiencia estética en una entrega absoluta a la espectacularización. Desde el reality-show a la violencia expandida mediáticamente se impone un imaginario cruel y, al mismo tiempo, banal que deriva en tendencias artísticas como la estética relacional, las letanías del conceptualismo institucional o la obsesión por el archivo. En un mundo delirante proliferan actitudes delirantes y da la impresión de que los freaks toman el mando de las operaciones en un carnaval ininterrumpido y, finalmente, tedioso.Contra el Bienalismo traza una serie de aproximaciones a la cultura contemporánea abordando cuestiones como el pretendido antifetichismo de ciertas obras artísticas, las contaminaciones con lo arquitectónico, la dimensión humorística o paródica de ciertos planteamientos estéticos o la obsesión escatológica. Este mapa fragmentario ofrece posicionamientos críticos para pensar los regímenes de visualidad híbrida actual.

Cuando en los albores de la década de los setenta aparecía "Del arte objetual al arte de concepto", el libro no aspiraba sino a ofrecer un balance de los años sesenta y sus estribaciones en la década siguiente. Con esta ampliación a los últimos confines cronológicos pretendía ante todo ahondar en la poética de cada tendencia, y sintonizar, desde nuestra peculiar situación cultural, artística y política, con el panorama artístico internacional. La convergencia de una información positivista y la obsesión por retornar a las obras mismas, se verían complementadas por una voluntad de rebasar los sociologismos o las estrechas fronteras del realismo social en boga. Con ello no se traslución sino las preocupaciones metodológicas del momento y los estímulos de la estética en la vía abierta, entre otros, por W. Benjamin, en sus análisis sobre las figuraciones de lo moderno, y G. della Volpe, en sus preocupaciones por los lenguajes artísticos. Sin duda, uno de los reconocidos aciertos de la obra fue el propio título, pronto adoptado cual palabra de orden de lo que acontecía en el mundo de las artes. El libro quedó encumbrado como el texto legitimador de lo "nuevo", viéndose envuelto e incluso erróneamente reducido en el torbellino del conceptualismo. Desde la perspectiva actual, se trata de un ensayo, considerado ya clásico, sobre el periodo que abarca, fácil presa de correcciones y de críticas, con todo lo que ello acarrea de sedimentación y de osadía, pero que, y tal vez en ello radica uno de sus valores más reconocidos, rezuma el clima que se respiraba en su momento. Con objeto de fijar el texto tal como surgió en su momento, y, por tanto, valorarlo como conviene en la perspectiva historiográfica, el autor ha procedido a eliminar el "Epílogo sobre la sensibilidad postmoderna", añadido posteriormente, y le ha dotado de un nuevo aparato gráfico que constituye en sí mismo un potente discurso plástico que transcurre paralelo al textual, con el que se encuentra plenamente imbricado.

Robert Frank, el más importante fotógrafo vivo y uno de los más influyentes de la historia, visitó Valencia en los años 50 y tomó estas impresionantes imágenes que reflejan una España de otra época. Un libro que las muestra en primicia mundial.

Se han escrito muchos libros sobre diseño, todos con el propósito de dar a conocer esta disciplina creativa desde diferentes perspectivas. Unos han privilegiado las imágenes, el resultado final del diseño. Otros, en cambio, la palabra, la teoría y los conceptos de la creatividad. Parecía difícil hablar de diseño desde un nuevo enfoque. En este libro, ilustres diseñadores exponen el proceso que les llevó a producir algunos de sus diseños más emblemáticos. Cómo los plantearon, qué decisiones tomaron, cuáles fueron las etapas hasta alcanzar el resultado final. Una reconsideración del proceso creativo que sólo puede hacerla quien la ha vivido.

Nuestro lenguaje está compuesto por palabras y expresiones que provienen de diferentes campos del saber. Uno de ellos es el cine, con esas películas y diálogos que han marcado nuestra forma cotidiana de hablar. Desde la «rebeca» a «la cagaste burlancaster», pasando por «macho» o «charlotín», José Luis Borau da cuenta de estas influencias, indagando en sus raíces, hasta ofrecer un fresco detallado y ameno del recorrido de estas palabras. Términos que provienen de Hollywood, del cine clásico español y del gran cine europeo, y que, con el paso del tiempo, han influido no sólo en nuestra forma de hablar, sino en nuestra forma de ser. «Sin caer en el vicio de las comparaciones y menos aún en tipo alguno de recuento, bien cabría afirmar que el cine no se queda a la zaga del teatro o de los toros -las grandes diversiones históricas del pueblo español- en cuanto a riqueza de vocabulario y de expresiones nacidas, como en aquellos terrenos, al calor del duro oficio de fascinar y, por supuesto, del entusiasmo de los destinatarios» (José Luis Borau).

Cinco cartas de Antonin Artaud que explicitan la toma de posición radicalmente revolucionaria del autor ante el arte y la vida, y que pueden leerse como un manifiesto de singular importancia de uno de los artistas más decisivos del siglo XX.

Duda razonable, texto teatral del autor Borja Ortiz de Gondra, editado por ÑAQUE Editora Duda razonable, posiblemente el lector comience su andadura por el territorio del thriller, es decir, que lo reciba primariamente como una historia de enigma, co

Las Fábulas del gran genio del Renacimiento que fue Leonardo da Vinci reflejan su gran interés por la naturaleza, sus dotes de observación, su gusto por la experimentación, el ejemplo y la paradoja; su ironía, su gusto por la moral y por enseñarla de forma tan gráfica como solo permiten las fábulas, ideales para lectores de todas las edades, y desde luego para los más pequeños.

Este libro realiza un recorrido por la historia del cine español desde la primera proyección realizada en Madrid por los agentes de los hermanos Lumière hasta el presente. A través de sus páginas, el lector encontrará una descripción de los procesos históricos que han condicionado su desarrollo, así como de las manifestaciones culturales (literatura, arte, teatro, música, radio?) más influyentes en cada una de sus fases. También encontrará una reflexión sobre la dimensión industrial, política e incluso memorística del cine español, incluyendo un breve análisis de muchas de las películas más representativas acompañado de abundante material gráfico. Incluye 600 capturas de imágenes.

Su nombre no habría pasado a la historia, de haber muerto en 1503; Rafael habría dejado una obra menor hecha primero en Urbino, luego en Perugia. Pero en 1504 el joven pintor decidió transladarse a Florencia para conocer lo que en esa ciudad se hacía. Ahí descubrió el camino que conduce al arte mayúsculo; ahí pudo ver las obras de dos grandes maestros: Leonardo da Vinci y Miguel Angel Buonarroti.

Cuando el cuerpo ya no es un medio para representar la belleza del desnudo, sino un espacio para indagar sobre la identidad, la compleja realidad social o la frágil condición humana.

En este libro se defiende la idea de que las transformaciones artísticas de la modernidad nos ayudan a comprender en qué consistió el sistema que se ponía en cuestión, y a la inversa, pues es en el marco de la tradición donde adquieren sentido las revoluciones creativas de los últimos cien años. El (des)orden del arte moderno se evidencia así en unos pocos asuntos nucleares: emergencia y expansión del modo «panóptico» de visión; aparición del movimiento real superando al movimiento congelado o ilusorio; atención a los distintos primitivismos como alternativas al prestigio paralizante del canon occidental; autonomía creciente del objeto real frente al ficticio, con la irrupción, más reciente, de los entes virtuales; apropiación del suelo como territorio horizontal de la creación; y finalmente, reevaluación de la noción benjaminiana del aura, que no se perdió en las sociedades actuales sino que se habría extendido a cada reproducción o a cada gesto creativo. Juan Antonio Ramírez sostiene que si la modernidad ha producido algo comparable al orden visual renacentista, vigente durante varios siglos, no parece lógico aceptar su clausura a las pocas décadas de su nacimiento. El objeto y el aura es un libro insólito por su voluntad de plantear los grandes problemas del arte contemporáneo en la perspectiva histórica de «la larga duración», superando al «tiempo corto» de los acontecimientos privilegiado por la crítica de arte habitual.

Desde su primera publicación, el presente libro ha sido saludado como la Historia del arte más completa y puesta al día publicada en un solo volumen. A lo largo de sus capítulos, dicha historia se presenta como parte esencial de la evolución humana, ofreciendo una información que abarca desde las estatuillas talladas en Europa central hace 30.000 años hasta el arte digital del cambio de milenio. El volumen se centra en los ámbitos de la pintura, el mosaico, el dibujo, el grabado, la arquitectura y la fotografía, pero sin olvidarse de los tejidos, las monedas, la cerámica, los esmaltes o la orfebrería. Y ofrece un enfoque global que abarca no sólo las artes de Europa y América, sino también las de Asia y Oceanía. La profundidad, la elegancia y la fluidez de la que hacen gala los autores se ve complementada con más de 1.400 ilustraciones -entre las que se incluyen mapas y planos-, seleccionadas con el fin de representar los principales estilos de expresión artística.