Dos son los temores centrales que organizan los miedos que moldean la vida en la ciudad. El primero se refiere a la desigualdad económica; el segundo al desconocimiento de los otros y el temor a la pérdida de identidad personal. La incertidumbre y la confusión se han incrementado por la rapidez de los cambios de las últimas décadas, lo que ha provocado que las ciudades se perciban como lugares con peligros. Por ello, la ciudad como espacio libre está siendo dividida, estructurada y controlada por las fuerzas del orden, con el objetivo que de garantizar la seguridad en cualquier momento. Si hace unos años la expulsión del miedo de nuestro entorno se llevaba a cabo mediante ostentosas medidas arquitectónicas, ahora éstas están siendo sustituidas por medidas más sofisticadas e imperceptibles. Son las prótesis tecnológicas instaladas en lugares estratégicos que consiguen mantener nuestro miedo bajo control. A ese perverso juego sin fin se refiere este libro.

'Posiciones críticas: ensayos sobre las políticas de arte y la identidad' ofrece un amplio recorrido por el trabajo de Douglas Crimp, uno de los protagonistas de la redefinición de la función de la crítica en la cultura norteamericana y en la defensa de la dimensión pública del arte. Esta antología organiza los escritos de Douglas Crimp en cuatro secciones temáticas que dan cuenta también de la evolución cronológica de su pensamiento crítico. Se toma como punto de partida el temprano análisis que hace Crimp de las políticas de la representación, sobre todo en el ámbito de la fotografía, definiéndolas como campo de acción prioritario del trabajo del artista en la posmodernidad. En esa misma dirección se incluyen a continuación sus famosos ensayos sobre la insularidad de la institución artística y sobre los conflictos que surgen cuando se transgreden los límites del cubo blanco de la galería. Las dos últimas secciones del libro dan cuenta del giro que da el trabajo crítico de Douglas Crimp a partir de 1987, coincidiendo con los momentos más crudos de la crisis del sida en Estados Unidos. Rompiendo con el establishment crítico del que hasta entonces había formado parte, Douglas Crimp iba a poner su pensamiento al servicio del análisis y denuncia de las campañas representacionales orquestadas por el poder contra la comunidad gay, así como de la reflexión sobre los modos en que ésta asumía o rechazaba tales imágenes hegemónicas. Los textos que cierran el libro forman parte de un proyecto aún inconcluso de genealogía de la subjetividad queer contemporánea a partir del análisis del cine de Andy Warhol desde la perspectiva de los estudios culturales.

Y nuestros rostros, mi vida, breves como fotos supone una culminación y, al mismo tiempo, un fascinante inicio en la carrera de este original y elogiado escritor. Combinando la soberbia profundidad de sus ensayos y críticas artísticas con la riqueza emocional de su ficción y su poesía, en esta obra John Berger vuelve por primera vez la lente de su arte sobre sí mismo. Así, se concentra en sus emociones personales y su vida y se cuestiona sobre ciertos aspectos tan trascendentales como ¿qué es lo que nos lleva a amar?, ¿cuáles son los límites de la separación?, ¿cuánto tiempo significa «para siempre»? El tipo de preguntas para las que ya sólo la música pop o la poesía siguen atreviéndose a mantener un espacio abierto en nuestra cultura. Las respuestas de Berger, misteriosas por su perspectiva y lucidez, son esperanzadas y necesarias. En un amplio análisis, que incluye tanto un brilante estudio sobre Van Gogh como una emotiva exploración del desarraigo en nuestro siglo, Berger pasa revista a una serie de experiencias que nos son tan básicas, tan familiares (el amor y el tiempo, la ausencia y la distancia, el arraigo y el alejamiento) que casi hemos llegado a olvidar la manera de sentirlas en nuestras vidas. Con un estilo inmediato e histórico a un mismo tiempo, Berger vuelve a mostrarnos otra manera de ver, ofreciéndonos, además, una magnífica declaración acerca del enfrentamiento entre la devastación y el amor en nuestro mundo

El esmalte al fuego sobre metal es un arte milenario que, actualmente renovado, se manifiesta como una disciplina en extremo versátil y de primer orden para la expresión artística. Este libro explica de manera didáctica y rigurosa las técnicas fundamentales del trabajo del esmalte, mostrando con todo detalle los diferentes procesos e incidiendo especialmente en los aspectos prácticos del trabajo. Tras una breve visión de la historia del esmalte, se enseña la naturaleza, las características y el comportamiento del esmalte, un tipo de vidrio formulado específicamente para ser aplicado sobre el metal. Seguidamente, se explican los materiales y las herramientas que se emplean, los procesos preparatorios y las diversas técnicas. En el último capítulo, a manera de ejemplo, se muestra paso a paso la creación de varias obras originales de diversos colaboradores.

Las obras de arte se crean con el propósito de compartir un mensaje, de generar un discurso directo con el espectador. Pero el sistema del arte se interpone entre ambos con interpretaciones, no exentas de posiciones ideológicas, estéticas y críticas, que suelen desfigurar la esencia de la obra. Para devolver al público receptor su mirada activa, es esencial ubicarlo en el centro de las reflexiones, analizar los fallos del sistema artístico (críticos, galeristas, historiadores del arte) y dar voz a las recientes apariciones de nuevas narrativas histórica-artísticas que ponen en entredicho las obsoletas políticas de promoción y las relaciones entre arte e industria cultural. Y así poder abrir un nuevo camino donde el conocimiento de las obras sea un modo de cuidarlas, sin olvidar que es también una aproximación al sistema social que nunca está al margen de las artes. Como el propio autor afirma "nada es neutro en el territorio de las artes, ni siquiera las obras".

Este libro reúne los ensayos más célebres de Susan Sontag, una obra imprescindible para el pensamiento contemporáneo. Publicado por primera vez en 1966, este celebrado libro de Susan Sontag, su primera colección de ensayos, se convirtió rápidamente en un clásico contemporáneo que ha tenido una gran influencia en el pensamiento sobre el arte y la cultura actuales, no solo circunscrita a Estados Unidos. Además del ensayo que le da título y el famoso «Notas sobre lo "camp"», Contra la interpretación y otros ensayos incluye textos originales y provocativos sobre Sartre, Simone Weil, Godard, Beckett, la ciencia ficción, el cine, el psicoanálisis y el pensamiento religioso contemporáneo. Reseña: «Los ensayos de Susan Sontag son grandes interpretaciones, incluso acontecimientos, sobre lo que está sucediendo realmente.» Carlos Fuentes

Dziga Vertov, uno de los creadores más importantes de la vanguardia cinematográfica, fue uno de los primeros cineastas rusos en usar técnicas de animación y desarrollar ciertos principios fundamentales del montaje en el cine. Para Vertov el montaje es el alma de la película, el motor de su estética y de su sentido. Su teoría del Kino-Pravda (Cine-Verdad), inspiró futuras teorías y prácticas en una área fundamental del cine: el contacto directo del ojo de la cámara con el evento filmado, la verdadera realidad, al contrario de la ficción, que necesita del plató. A diferencia de Eisenstein, para él la idea lo determina todo; no escapa al movimiento de la Historia y es expresión de un ideal humanista que se dinamiza en la construcción de una sociedad justa. En los años sesenta, el Grupo Dziga Vertov de Jean-Luc Godard subvirtió la representación cinematográfica y el modo de producción de los filmes. No bastaba con llevar la política al cine sino que debía replantearse la función significante del medio. Los guiones contenidos en este volumen permiten situar con precisión las proposiciones políticas y cinematográficas del Grupo.

"Mutaciones del cine contemporáneo" fue publicado originalmente en inglés y de forma inmediata se convirtió en un libro de culto dentro y fuera del mundo anglosajón, al ser considerado un volumen imprescindible para acercarse al horizonte cambiante y absolutamente diversificado de la producción cinematográfica actual y en términos globales. A comienzos del siglo XXI, el corporativismo, las exigencias de maximización de los beneficios y las anquilosadas fórmulas narrativas de Hollywood parecen gobernar el mercado cinematográfico mundial. Sin embargo, y tal como demuestra este volumen, el cine contemporáneo es hoy más rico y plural que nunca. Con el comienzo del nuevo siglo se ha hecho patente la existencia de nuevos discursos fílmicos y otras narrativas que se enfrentan al canon del relato tradicional en occidente, así como nuevas fronteras para los géneros clásicos, nuevas técnicas para la creación de la imagen fílmica digital y para su difusión a través de internet, nuevos espacios geográficos de producción absolutamente descentralizados, nuevos contextos de visionado a través de la oferta DVD, el Home Cinema y la generalización de las descargas desde la Red. Los trabajos de críticos y cineastas reunidos en este libro, que representan a algunos de los más destacados teóricos del cine de los cinco continentes, reivindican estas mutaciones del cine contemporáneo como la prueba palmaria de la buena salud del cine, al tiempo que avalan la creación de nuevas comunidades críticas capaces de reflexionar, más allá de toda frontera geográfica o generacional, sobre el presente y el futuro del cine. ¿Quiénes son los coordinadores? Jonathan Rosenbaum (Alabama, 1943) es escritor y crítico de cine del Chicago Reader, colaborador de distintas revistas como Trafic, Premiere o Film Comment, y miembro del consejo editorial de Cahiers du cinema España. En Estados Unidos es considerado una figura referencial del periodismo cultural, especialmente gracias a su labor de difusión y estudio del cine de otros países. Entre sus últimas publicaciones destacan: Movie Wars: How Hollywood and the Media Limit What Films You See, Abbas Kiarostami y Essential Cinema. Adrian Martin (Melbourne, 1967) es crítico de cine y profesor de Teoría Cinematográfica de la Universidad de Monash (Australia), donde dirige el Departamento de Investigación de Cultura Fílmica y Televisión. Colabora con diversas publicaciones internacionales y escribe regularmente en revistas como Filmkrant y Cahiers du Cinéma España, revista en la cual es igualmente miembro del consejo editorial. Sus libros y ensayos han sido traducidos a más de veinte lenguas. Entre sus publicaciones más recientes se cuentan: Raúl Ruiz: sublimes obsesiones y ¿Qué es el cine moderno?

Mantener la concentración precisa y lograr la superación de los obstáculos mentales son barreras que en el arte escénico suponen una enorme dificultad para los artistas, de modo que muy frecuentemente ello les impide alcanzar la plenitud de su potencial y la expresión plena de su talento. Esto sucede particularmente en la danza, en cualquiera de sus especialidades. Con el fin de ayudar a superar estas barreras, en Psicología de la danza, Jim Taylor y CECI Taylor, combinan su dilatada experiencia en la psicología del deporte y en la danza para analizar los importantes aspectos psicológicos que influyen en la interpretación de la danza. Además de la información teórica, este libro ofrece técnicas y ejercicios prácticos que, como instructor, podrás incorporar a tu estilo de enseñanza para que los bailarines optimicen su rendimiento. Es, en cualquier caso, un libro dirigido tanto a los profesores como a los bailarines de cualquier edad. Por medio del Programa Psicológico para Mejorar el Rendimiento (PPMR) que se recoge en estas páginas se consigue: - Fomentar la motivación de los bailarines y aumentar la confianza en sí mismos. - Mostrar técnicas para mantener una óptima intensidad de rendimiento. - Enseñar el modo de mejorar la concentración y de emplear visualizaciones. - Proporcionar ayudas para superar los bajones y evitar el estrés y el desgaste. - Ayudar al bailarín lesionado durante el proceso de rehabilitación física y psicológica. Psicología de la danza enseña conceptos esenciales y aplicaciones prácticas para enriquecer el rendimiento de los bailarines, así como su crecimiento personal y artístico.

Las relaciones entre el cuerpo y la arquitectura han sido siempre estrechas y complejas. El tratadista romano Vitruvio habló de ello, y muchas de sus ideas fueron luego cristianizadas mediante la identificación simbólica de las iglesias con el «cuerpo de Cristo». La antropomorfización antigua de los soportes (las columnas, que eran «masculinas» o «femeninas») abrió la vía para una diferenciación sexual de la arquitectura. En Edificios-cuerpo se habla de todo ello, se introducen numerosas apreciaciones novedosas y se examinan de modo especial esculturas habitables con formas humanizadas, bien sean proyectadas, construidas o imaginadas. Se consideran, pues, las aportaciones de arquitectos y artistas como Caramuel, Ledoux, Le Corbusier, Wright, Dalí, Charney, Finsterlin, Masson, Matta, Bruno Taut o Kiesler, sin olvidar el trabajo de creadores más recientes como Ernesto Neto.

Este libro trata de cómo percibimos las cosas que nos rodean y, en especial, la arquitectura. Con un lenguaje claro y preciso, el autor va describiendo las sensaciones que experimentamos ante los objetos cotidianos, desde una taza de té hasta una raqueta de tenis, para tratar de explicar así cómo se puede disfrutar mejor de los edificios que configuran nuestro entorno. Escrito de forma que incluso los adolescentes interesados en la arquitectura puedan entenderlo, el texto tiene como objetivo 'tratar de explicar por todos los medios cuál es el instrumento que toca el arquitecto, para mostrar así la amplitud de su registro y despertar los sentidos ante su música'.

Edición definitiva a partir de la traducción de la quinta edición original. Este libro tiene una historia apasionante. Aparecido originalmente en 1941, desde el principio fue todo un éxito editorial y con el tiempo se convirtió en un clásico de la historiografía de la arquitectura moderna. Además, el autor se preocupó de actualizar lo periódicamente, de modo que su contenido siempre incluyó la información más reciente. Giedion murió en 1968, pero un par de años antes había preparado la que sería la quinta y última edición del libro. La presente edición española tiene un carácter singular, ya que es la única versión no inglesa que recoge todas las modificaciones y ampliaciones que Giedion incorporó a la última revisión de su libro. Además, al abordar esta nueva edición se decidió volver a hacer la traducción empezando desde cero. Para ello se ha partido de la última edición norteamericana, aunque se ha recurrido a la versión alemana (supuestamente la redacción original) para resolver dudas y ambigüedades. Esta obra puede entenderse como una historia del Movimiento Moderno: desde las innovaciones de los pionero (como Eiffel o Sullivan) hasta las obras maduras de sus principales protagonistas (Gropius, Le Corbusier, Mies y Aalto). Pero además Giedion pretende buscar los orígenes de este nuevo movimiento en la propia historia de la arquitectura, y para ello se remonta hasta el Renacimiento, con el descubrimiento de las leyes de la perspectiva, y al Barroco, con su nueva concepción dinámica del espacio arquitectónico. Un énfasis especial se pone en el desarrollo de los nuevos materiales constructivos durante el siglo XIX, especialmente el hierro y el hormigón armado. El concepto más trascendental introducido en el libro es el de espacio-tiempo, mediante el cual el autor explica la nueva concepción de la arquitectura que se desarrollaría a lo largo de todo el siglo XX.

Hasta el momento las políticas culturales han quedado al margen de un debate sobre la gestión de la diversidad. Este libro propone un marco de reflexión sobre cómo las ciudades pueden orientar sus políticas culturales en contextos de diversidad, dimensionando su función social. La perspectiva que el autor defiende es el resultado de dos reflexiones básicas. En primer lugar, como objeto de la política pública, la diversidad es un recurso y un bien públicos que debe gestionarse para contribuir al desarrollo de una ciudad, y promover la innovación En segundo lugar, se plantea también el papel de la democracia en el desarrollo de la cultura de una ciudad, y la importancia de que siga un enfoque de estructura de oportunidades que fomente las capacidades culturales de su población. La ciudad como escenario de innovación y reoportunidades, como indica el subtítulo. Barcelona se toma como caso de estudio. Pero el autor aspira a que los resultados sirvan de inspiración para otras ciudades, que tomen sus dinámicas de diversidad en serio, o incluso otras administraciones públicas que tengan competencias en políticas culturales. Ricard Zapata-Barrero con este libro abre un debate necesario. Ricard Zapata-Barrero es profesor titular de teoría política en el departament de Ciencias Políticas y Sociales. Sus principales líneas de investigación tratan temas contemporáneos de la democracia liberal en contextos de diversidad, especialmente la relación entre democracia, ciudadanía e inmigración. Es director del GRITIM-UPF (Grupo de Investigación Interdisciplinario sobre Inmigración) y del Máster Universitario en Gestión de la Inmigración-UPF. Actualmente, trabaja en distintas líneas de investigación relacionadas con Fronteras y Diversidad. Sus libros en 2009 incluyen: Citizenship policies in the age of diversity, Políticas y gobernabilidad de la inmigración en España, Immigration and self-government of minority nations, Fundamentos de los discursos políticos en torno a la inmigración. Para más información ver: http://dcpis.upf.edu/~ricard-zapata/

Este libro recopila una selección de los artículos y ensayos sobre arquitectura que Maurici Pla ha venido publicando desde hace casi dos décadas, y que abarcan desde las reflexiones más subjectivas hasta los textos teóricos más estructurados. La selección ha dado prioridad a aquellos textos que se mantienen más vivos por su relación con los problemas arquitectónicos actuales, aquéllos en los que se refleja una concepción de la crítica arquitectónica claramente independiente de las problemáticas proyectuales o de los discursos ideológicos que las acompañan: la escritura y la arquitectura frente a frente, la escritura como práctica creativa que se parangona y mide constantemente con el desarrollo de la arquitectura.

¿Acaso tenía razón Giorgio Pasquali al escribir, justo tras la muerte de Warburg (1929), que para muchos su nombre evocaba, más que a un hombre, una biblioteca? Salvatore Settis (Rosarno, Calabria, 1941) que es director de la "Scuola Normale Superiore de Pisa", donde imparte clases de Historia del Arte y de Arqueología Clásica, nos presenta este ensayo sobre la biblioteca Warburg.