Estas son las memorias de uno de los grandes fotoperiodistas del mundo. Sebastiao Salgado no ofrece un retrato de nuestra tierra inmenso y se convierte en el más grande fotoperiodista en activo, tanto por la calidad de su obra, como por su compromiso con los más desfavorecidos.

La historia del jardín ha estado tradicionalmente marcada por un discurso basado en el orden visual y el control que ejerce el hombre sobre las especies vegetales. En este célebre ensayo, Gilles Clément se aleja de forma radical de este enfoque y aporta una de las reflexiones contemporáneas sobre el paisaje y los jardines más interesantes de la disciplina. El jardín en movimiento sostiene que los jardines y el paisaje no son espacios estáticos que deben controlarse, sino lugares donde la naturaleza debe seguir su curso, donde las especies vegetales deben instalarse de forma espontánea y desarrollarse libremente de modo que la experiencia estética surja de la contemplación de los propios procesos espontáneos de sucesión biológica. La labor del jardinero ya no consiste en domesticar la naturaleza mediante la imposición de un punto de vista predeterminado y estricto, sino en conocer las especies y sus comportamientos, observar las dinámicas naturales y la corriente biológica que anima el lugar para orientar y explotar al máximo sus características naturales.

La figura del poeta y dramaturgo Bertolt Brecht sirve de guía a Georges Didi-Huberman para mostrar las encrucijadas de la estética del siglo xx, germen de los problemas del arte actual. Guerra, exilio, vanguardias estéticas, compromiso político y nacimiento de la industria cultural, «Cuando las imágenes toman posición» presenta las preguntas clave de novelistas, poetas, filósofos y artistas acerca del lugar de la imagen y la imaginación en un mundo convulso. «Un documento encierra al menos dos verdades, la primera de las cuales siempre resulta insuficiente.»

Amantes del arte, escépticos y desconcertados: esta historia del arte moderno es para vosotros ¿Qué es el arte moderno? ¿Por qué se ama o se odia? ¿Y por qué es siempre tan exageradamente caro? Will Gompertz, director de Arte de la BBC, exdirector de la Tate Gallery de Londres y uno de los mayores expertos del mundo, ha escrito una deslumbrante guía que cambiará para siempre la manera en que miramos el arte contemporáneo. Desde los nenúfares de Monet hasta los girasoles de Van Gogh, pasando por las latas de sopa de Warhol y los tiburones en formol de Hirst, este libro nos descubre la historia que hay detrás de las obras, las personas que hay detrás de los artistas y la verdadera magia que esconde el arte moderno. Dirigido tanto a escépticos como a convencidos, ¿Qué estás mirando? resuelve todas las preguntas que siempre nos planteamos y nunca nos atrevimos a hacer. En un sorprendente recorrido por los últimos ciento cincuenta años del arte salpicado de reveladoras anécdotas, Gompertz nos explica en qué consiste la genialidad de Pollock o Cézanne, cómo un urinario cambió el curso de la historia o por qué nuestro sobrino de cinco años realmente no lo haría igual. Original, irreverente y muy accesible, este libro rompe con mitos y prejuicios y hará que nuestra próxima visita a un museo sea menos intimidante y mucho más apasionante. La crítica ha dicho: «Will Gompertz [...] un tipo singular. Rápido como la sangre. Y de algún modo un defensor de la claridad en un territorio de opacidades. Entra en faena desde un libro lúcido que tiene algo de síntesis mental de lo complejo. [...] una exploración que desacraliza con audacia e ironía tanto el cuello duro de la crítica de arte, a la vez que hace su propia crítica desde la orilla de la claridad.» Antonio Lucas, El Mundo «Es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Gompertz da un buen repaso (en todos los sentidos) al arte moderno y contemporáneo. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor.» Nati Pulido, ABC «Tanta contundencia en las opiniones proviene de Will Gompertz, director de arte de la BBC y considerado una autoridad mundial en el arte moderno y contemporáneo. [...] En realidad, el libro requiere algo más que un simple pestañeo. Se lee más bien como un completo y ameno manual de 472 páginas.» Ángeles García, El País «Para salvar la brecha que separa a muchos visitantes de los objetos que contemplan, Gompertz ha escrito precisamente ¿Qué estás mirando?, un ameno recorrido por la creación moderna para que la comprenda todo el mundo.» Javier Ors, La Razón «Will Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesita demostrar nada. Aúna sencillez, falta de afectación y hondura, con lo que alimenta en quien le escucha la sensación de que en cada una de sus palabras hay un poso de sabiduría. [...] ¿Qué estás mirando?, un texto original, irreverente y muy accesible que, dirigido tanto a escépticos como a convencidos, resuelve una buena porción de esas preguntas que muchos se plantean y pocos se atreven a formular.» Hoyesarte.com (10,490 Traffic Rank en España, Alexa)

El mundo en el que vive la humanidad actual no se parece en nada al que conocieron nuestros antepasados. La avalancha de descubrimientos científicos y técnicos, las convulsiones políticas y socioeconómicas, empiezan a cuestionar todas las escalas de valores, como si se tratara de un cataclismo de dimensiones universales. ¿De qué manera enfrentarse a todo eso? ¿Cómo sobrevivir en un medio en el que el hombre y la mujer contemporáneos se encuentran cada vez más perdidos? Hay una sola posibilidad: debemos aprender a pensar. Y, para eso, antes hay que aprender a aprender. Este libro apareció por primera vez en 1977 y, dos años más tarde, el fallecido José Luis Guarner, crítico cinematográfico y autor de un libro sobre Rossellini, abordó la versión castellana, que es la que presentamos aquí, añadiendo cinco anexos estrechamente relacionados con el tema. Sea como fuere, el libro se estaba convirtiendo ya en un clásico indiscutible, precisamente por su capacidad visionaria respecto a la evolución del mundo contemporáneo. Roberto Rossellini, tras una fulgurante carrera como cineasta, había decidido poner por escrito sus reflexiones, producto de una práctica profesional de más de treinta años, y acabó creando un método educativo completamente nuevo, que combina la filosofía científica y las técnicas audiovisuales en un sistema integrado. El resultado es una obra mayor que va más allá del ámbito de la imagen pero, a la vez, lo considera una herramienta imprescindible para una regeneración moral cada vez más necesaria.

Se trata de un trabajo fruto de la investigación personal llevada a cabo por Alfonso Jiménez Martín, maestro mayor de la catedral hispalense, a lo largo de 25 años de trabajo en la misma. Como el propio autor destaca en la presentación, aunque el edificio es, indudablemente, una obra de arte llena de obras de arte, la investigación realizada lo ha tratado como un objeto material, con independencia de sus valores patrimoniales y artísticos. El método empleado ha sido el de la Arqueología de la Arquitectura, pues se trata de un examen de sus formas arquitectónicas y de sus relaciones espaciales para obtener procesos y cronologías relativas que, con la aportación de numerosos documentos del Archivo de la Catedral, han determinado algo que no estaba hecho: la datación de la mayoría de sus formas y espacios góticos.

Libro ilustrado Las historias y dibujos de este libro nacieron en un proceso de investigación sobre las violaciones de derechos humanos en el Sáhara Occidental y forman parte de los testimonios recogidos en «El Oasis de la Memoria». Desde el éxodo al desierto, a los bombardeos de la población civil de 1976. Del pillaje de los camellos y las jaimas, a las desapariciones forzadas y los centros clandestinos de detención. De la tortura y las detenciones arbitrarias, al tiempo que pasa resistiendo al olvido. Al lado de todas estas violaciones de derechos humanos hay historias escondidas que tienen nombre, rostro y latido. En estas páginas, las mujeres y hombres saharauis dan lecciones de sabiduría y de coraje. Historias del refugio y de la paciencia, tejidas con dibujos que las abrazan, las acarician o las gritan. Algunos dibujos fueron realizados mientras se tomaban los testimonios; otros nacieron del diálogo con las voces y reflexiones de la gente. Ese diálogo es también una invitación a las personas que lo comparten ahora. A usted. A ti. La actividad del Instituto Hegoa se desarrolla en el ámbito de la docencia y la investigación, la educación para el desarrollo, la asesoría técnica y la consultoría. Dispone, así mismo, de un centro de documentación especializado en dicha temática accesible a través de las nuevas tecnologías de la información y la comunicación.

El presente volumen incluye veintiséis estudios de otros tantos especialistas que abordan la historia de este movimiento, sus orígenes, continuidades y el rastro de su presencia en nuestra época. Tratando de dar respuesta a sus rastros plurales, los trabajos reunidos aquí abordan expresiones y proyectos surrealistas en el campo de las revistas literarias y artísticas, en literatura, antropología, pintura, arquitectura, cine y fotografía. De la lectura de estos textos se desprende una conclusión rotunda: el surrealismo dibujó con nitidez y exploró en profundidad los territorios del deseo humano, enriqueciendo el imaginario de esa subjetividad deseante con visiones cuya fuerza aún perdura. Por ello, aunque nunca tendrá lugar, siempre vuelve.

•Original, interesante y amena visión del arte que surgió durante y después de la Revolución Mexicana. •Por un lado, presenta el trabajo de artistas mexicanos, como los pintores Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros así como el de los fotógrafos Agustín Jiménez y Manuel Álvarez Bravo y, por otro, el trabajo de artistas internacionales que visitaron México en busca de inspiración o por afinidad política como Tina Modotti, Josef y Anni Albers y Edward Burra. •El ensayo curatorial explora los cambios profundos que trajo la revolución al arte, el papel del gobierno al emplear a artistas para promover sus reformas y el impulso fundamental que ejecieron artistas e intelectuales europeos y americanos en el renacimiento cultural de México. •Acompaña la exposición que se desarrollará en la Royal Academy de Londres entre julio y septiembre de 2013.

Muñoz Seca hace de la risa el eje fundamental de su arte y también de su actitud vital. Su obra es el fundamento de un nuevo concepto de humor, el astracán, agradable y bienhechor, que va a distinguir a los hombres humildes, serenos, reposados e inteligentes de los necios y orgullosos que, por lo regular, ríen poco para no comprometer su dignidad personal. Se mantiene generalmente que el astracán es un teatro sin alma, envuelto en una carcajada forzada. Pero tal concepto es únicamente el producto de un análisis supercial. Bajo esta risa sencilla se distingue un esquema de ideas al que en filosofía se ha llamado «la teoría del optimismo». Esta teoría, que nos incita a observar preferentemente el lado positivo de las cosas y que postula que el mundo en que vivimos es el mejor de los mundos posibles para nosotros, ha sido preconizada por filósofos de la altura de Demócrito, Platón, Descartes y Leibniz, optimistas declarados. Esta es la postura de Muñoz Seca, aplicada a la literatura, por lo que cuando toca temas candentes de su época estos se transforman en mecanismos de hilaridad. Esta elección no carece de dicultades, pues lo cómico no goza en general del aprecio de la crítica respetable. Para muchos, reír no es elegante y se niega que en una obra cómica pueda haber profundidad alguna. Solo se permite el humor desde una posición cínica y amargada, en la visión satírica y mordaz de la realidad. Enrique Gallud Jardiel (Valencia 1958) es doctor en Filología Hispánica y se ha especializado en el teatro de humor. Ha enseñado Literatura en diversas universidades de España y del extranjero y ha publicado más de una veintena de libros. Entre ellos pueden destacarse Studies on Spanish eatre, India in the Literature of Spain, Libro de libros, Mil curiosidades sobre el más fascinante de los mundos, la biografía Enrique Jardiel Poncela: La ajetreada vida de un maestro del humor, y el ensayo El teatro de Jardiel Poncela. El humor inverosímil, en esta misma colección.

Los estudios semióticos del teatro tuvieron su origen en el seno del Círculo Lingüístico de Praga (1926-1948). El Círculo no empezó de cero, y sus reflexiones continuaron aun después de su forzada disolución: así, en los meandros históricos entre el teatro y la teatralidad, se formó la llamada teoría teatral de la Escuela de Praga. El objetivo de esta antología es ofrecer al lector hispano lo que no tiene ningún otro: el acceso a una selección de los trabajos teatrológicos praguenses más representativos, cuidadosamente contextualizados y traducidos de los originales checos con miras a la coherencia conceptual del conjunto. Del periodo preparatorio, o fenomenológico temprano, se destaca la obra que, sin estar directamente relacionada con la labor del Círculo, establece las bases y los parámetros iniciales del estudio del teatro: la Estética del arte dramático (1931) de Otakar Zich. Del periodo «clásico», o semiótico sensu stricto (1931-1942) se presenta un ensamblaje de los estudios de Jan Muka?ovský, Petr Bogatyrev, Jind?ich Honzl, Karel Brušák y Ji?í Veltruský. De la posguerra y varias décadas siguientes, periodo que desemboca en una semiótica performativa, se han escogido ensayos de Jind?ich Honzl (su polémica con Stanislavski), y los trabajos de Ji?í Veltruský y de Ivo Osolsob? (la semiótica de la «ostensión» y la polémica con Umberto Eco). Jarmila Jandová ha sido profesora asociada de la Universidad Nacional de Colombia en el área de Literatura inglesa y de Teoría literaria, especialmente versología hispánica. Sus investigaciones incluyen la semiótica del arte de la Escuela de Praga. Emil Volek es profesor titular de Literatura hispanoamericana y Teoría literaria en Arizona State University, Tempe. Sus trabajos recientes han versado sobre la Escuela de Praga, la literatura hispanoamericana posmoderna y algunos temas especializados (la Celestina, la poesía náhuatl, Sor Juana Inés de la Cruz y Gertrudis Gómez de Avellaneda). Jandová y Volek son autores de la antología crítica Signo, función y valor: Estética y semiótica del arte de Jan Muka?ovský (Bogotá, 2000).