En este libro se defiende la idea de que las transformaciones artísticas de la modernidad nos ayudan a comprender en qué consistió el sistema que se ponía en cuestión, y a la inversa, pues es en el marco de la tradición donde adquieren sentido las revoluciones creativas de los últimos cien años. El (des)orden del arte moderno se evidencia así en unos pocos asuntos nucleares: emergencia y expansión del modo «panóptico» de visión; aparición del movimiento real superando al movimiento congelado o ilusorio; atención a los distintos primitivismos como alternativas al prestigio paralizante del canon occidental; autonomía creciente del objeto real frente al ficticio, con la irrupción, más reciente, de los entes virtuales; apropiación del suelo como territorio horizontal de la creación; y finalmente, reevaluación de la noción benjaminiana del aura, que no se perdió en las sociedades actuales sino que se habría extendido a cada reproducción o a cada gesto creativo. Juan Antonio Ramírez sostiene que si la modernidad ha producido algo comparable al orden visual renacentista, vigente durante varios siglos, no parece lógico aceptar su clausura a las pocas décadas de su nacimiento. El objeto y el aura es un libro insólito por su voluntad de plantear los grandes problemas del arte contemporáneo en la perspectiva histórica de «la larga duración», superando al «tiempo corto» de los acontecimientos privilegiado por la crítica de arte habitual.

Desde su primera publicación, el presente libro ha sido saludado como la Historia del arte más completa y puesta al día publicada en un solo volumen. A lo largo de sus capítulos, dicha historia se presenta como parte esencial de la evolución humana, ofreciendo una información que abarca desde las estatuillas talladas en Europa central hace 30.000 años hasta el arte digital del cambio de milenio. El volumen se centra en los ámbitos de la pintura, el mosaico, el dibujo, el grabado, la arquitectura y la fotografía, pero sin olvidarse de los tejidos, las monedas, la cerámica, los esmaltes o la orfebrería. Y ofrece un enfoque global que abarca no sólo las artes de Europa y América, sino también las de Asia y Oceanía. La profundidad, la elegancia y la fluidez de la que hacen gala los autores se ve complementada con más de 1.400 ilustraciones -entre las que se incluyen mapas y planos-, seleccionadas con el fin de representar los principales estilos de expresión artística.

A lo largo de 1944 y principios de 1945, el escritor Paul Guth recogió sus impresiones del rodaje de uno de los films fundamentales del cine francés: «Las damas del Bois de Boulogne», dirigido por Robert Bresson, con diálogos de Jean Cocteau, a partir de «Jacques el fatalista» de Denis Diderot. Espectador de excepción, siempre presente durante el rodaje pero sin llamar la atención, Guth no solo retrata a las grandes figuras con papel activo en la concepción de la película -el director Robert Bresson con su precisión y obstinación obsesivas, el guionista, el productor, los actores, el director de fotografía y el ingeniero de sonido- sino que, subvirtiendo la jerarquía, también da voz al numeroso equipo de producción -desde el fiel séquito de ayudantes hasta los figurantes más secundarios-. En forma de diario, Guth concibe un fresco vívido y memorable de lo que supuso la gestación de un film rodado en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial que, bajo la amenaza de las bombas alemanas, padeció penurias y cortes de electricidad que obligaron a interrumpir el rodaje en varias ocasiones, dejándolo al borde del cese definitivo. «Sombras de un sueño» compone un relato fascinante con frases breves, precisas e intensas, cargadas de un humor e ironía magistrales, atento a las sutiles oscilaciones del trabajo de creación, a las tensiones latentes o manifiestas entre los miembros del equipo, dando lugar a un testimonio inigualable de una época del cine y de los mecanismos de su trabajo colectivo.

e cumplen cien a?os de la invenci?n del "collage", de su difusi?n en el espacio art?stico internacional en calidad de una h?bil y sorprendente estrategia figurativa enfrentada a la vieja tradici?n ilusionista: el canon constructivo de la repres

La gran exposición para el año 2012 en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía de Madrid. Una ambiciosa retrospectiva de las principales corrientes artísticas de los años 30 del siglo xx: de man Ray a Miró pasando por Brassai o Picasso

Una filosofía del arte como la que aquí se expone pretende lo siguiente: al hilo de ejemplos escogidos, debe exponerse cómo la filosofía ha ido reaccionando en el curso del tiempo al fenómeno del arte moderno, con qué conceptos, categorías y nociones sistemáticas se ha enfrentado a este fenómeno. Así pues, lo que aguarda a las lectoras y los lectores es el intento de exponer y poner en relación mutua posiciones filosóficas respecto del arte seleccionadas, tal como parecen interesantes o relevantes sobre todo en relación con el desarrollo de una modernidad estética. Un criterio ha sido tratar sobre todo los fundamentos del discurso estético de la modernidad tal como se crearon en el siglo XIX; otro, no dejarse influenciar demasiado por coyunturas a la moda, pero sin perder de vista los problemas del presente. En lo esencial, los apartados particulares están ordenados históricamente, con lo que el fenómeno del arte moderno y su relación con la religión, la sociedad, la naturaleza y la técnica es iluminado desde diversas perspectivas, bajo distintos presupuestos y con valoraciones a menudo opuestas.

Los impresionantes retratos del fotógrafo Francés afincado en España en un libro de gran formato coincidente con su gran retrospectiva.

LAS MONTAÑAS MÁGICAS · Teatro con personas mayores' es un cuaderno de viajes y aventuras, de corte descriptivo y emocional, donde se van presentando diversas experiencias con personas mayores, llevadas a cabo en el territorio que habitan, y que conforma

Andy Warhol, uno de los artistas que conmocionaron el arte contemporáneo a principios de los años sesenta y cuyos cuadros se encuentran hoy entre los más cotizados, vivió sumergido en su tiempo, una época que observó con la misma mirada indagadora y crítica con la que plasmó irónicamente sus mitos en telas y objetos. Con la ayuda de la A (Andy, se supone) y de B, que «es cualquiera que me ayude a matar el tiempo»  y a quien A puede llamar por teléfono durante horas para chismorrear y hablarle del amor, el éxito, el dinero, la belleza, la muerte, la vejez, el trabajo, las fiestas, la gente famosa, la ciudad y de cómo quitarse el estrés con una aspiradora, Warhol le va revelando al lector, con la seriedad de quien sabe que lo más verdadero linda a veces con lo más risible, una visión personal, irreverente y ferozmente sincera del mundo actual, canallesco, desorbitado, y con frecuencia grotesco.

El poeta Paul Éluard describió " Expresiones de la locura " como " el libro de imágenes más bello que ha existido " . Su autor, Hans Prinzhorn, fue poeta amateur, músico, dibujante aficionado, historiador del arte, filósofo y psiquiatra. Su personalidad entusiasta se ve reflejada en el texto, que tiene su correlato en la configuración de una gran colección de obras que vienen de manicomios de todo el mundo. Desde su publicación en 1922, el volumen fascina a artistas como Paul Klee, Max Ernst, Pablo Picasso o Salvador Dalí: algunos lo han considerado uno de los manantiales secretos de donde beben las vanguardias. Se trata, además, de uno de los primeros textos en realizar un análisis artístico de piezas realizadas por " locos " , y resulta fundamental para la posterior configuración de categorías como el " art brut " o el " outsider art " . Entre sus páginas aparecen relatos de personas que pintan sobre papel higiénico o esculpen con miga de pan. El libro es también la historia de la irrefrenable necesidad creadora del ser humano, a pesar de todo, y en las circunstancias más adversas.

Las imágenes inéditas de Robert Capa, Gerda Taro y David Seymour encontradas en una maleta en México en 2007, por primera vez mostradas al público en dos volúmenes acompañados de ensayos de destacados especialistas mundiales.

Estambul es un vívido documento fotográfico de la vida cotidiana en la Capital Cultural de Turquía, entre 1940 y 1980. A través de la certera lente del fotógrafo Ara Güler, el «Ojo de Estambul», estas páginas reflejan la estética melancolía de la ciudad, a caballo entre tradición y modernidad. Las impactantes fotografías en blanco y negro de Estambul están prologadas por una evocadora introducción de Orhan Pamuk, el primer escritor turco galardonado con el Premio Nobel de Literatura. En su juventud, tanto escritor como fotógrafo ambicionaban dedicarse a la pintura. Ambos maestros pintan sendos y personales cuadros de su ciudad natal capturando, mediante la imagen y la palabra, el alma de Estambul.