Un día de 1976, una joven aspirante a escritora, Sigrid Nunez, cruza la puerta del 340 de Riverside Drive, el apartamento en el que vive, escribe, ama y piensa Susan Sontag, uno de los grandes iconos de la intelectualidad norteamericana, una figura legendaria gracias a sus polémicos ensayos, su desbordante inteligencia y su personalísimo estilo. Este primer encuentro cambiaría la vida de Nunez, que acabaría viviendo en ese mismo apartamento con Sontag al convertirse en pareja del único hijo de ésta. Los tres formarían, durante algún tiempo, una familia tan singular como controvertida. Sontag era, según Sigrid Nunez, «una mentora natural». En estas emotivas y lúcidas memorias, nos habla con sutileza y gratitud de esos años, y describe con una agudeza extraordinaria el ambiente cotidiano y académico que rodeaba a Sontag, su vida emocional e intelectual, o el efecto y las reacciones que esta extraordinaria mujer causaba cuando publicaba un nuevo libro, impartía una conferencia o, simplemente, entraba en una habitación.

¿Irías al cine con un malvado profesor? Este libro es una invitación descarada a hacerlo de la mano de un grupo heterodoxo y heterogéneo de estudiosos con diversa formación en las ciencias sociales (politólogos, sociólogos, juristas, historiadores, comunicadores sociales…). A través de dieciocho miradas sobre diferentes películas y series (Dogville, Star Wars, La batalla de Argel, Mad Men o Espartaco, entre otras), Cuando las películas votan explora nociones cruciales de la política para entender el mundo en el que vivimos. En un momento en el que el discurso político es una forma de acción, estas reflexiones sobre el cine quieren salir de la parálisis propia de este tiempo de crisis donde el problema, cada vez más acuciante, no es que lo viejo no termine de marcharse ni que lo nuevo no termine de llegar, sino que cada vez parecen más evidentes los monstruos.

Historia social de la literatura y el arte, el libro más conocido y emblemático de Arnold Hauser, es un acercamiento del arte a la realidad social de las distintas épocas. Este segundo volumen abarca desde el rococó a la época del cine. Influido por los cánones y preceptos de la rama más teórica del marxismo, Arnold Hauser concibió su Historia social de la literatura y el arte como un ejercicio omnímodo, capaz de dar cuenta, mediante las sinergias de la historia y sus coyunturas sociales, de las producciones artísticas y culturales que han perdurado hasta nuestros días. Este segundo volumen de su obra magna recorre los dos siglos que van desde el siglo XVIII y la gestación del movimiento rococó hasta los albores y el desarrollo de la cinematografía. Son años de cambios constantes que, nos enseña Hauser, no deben disociarse en ningún caso de las expresiones artísticas que los visten: la parte no puede entenderse sin el todo. Reseña: «Un libro absolutamente indispensable.» Art News and Reviews

Historia social de la literatura y el arte, el libro más conocido y emblemático de Arnold Hauser es un acercamiento del arte a la realidad social de las distintas épocas. Este primer volumen abarca de la Prehistoria al Barroco. En la introducción a esta edición, que respeta la forma en que el libro se publicó originalmente, Valeriano Bozal nos propone fijar la atención en el magnífico intento de Hauser por comprender el presente a través de la investigación histórica. Algunas de las hipótesis propuestas pueden prender en el lector, al punto de imponerse a su juicio por la lógica y la brillantez, por la convicción, por la capacidad de sugerir y evocar más que por la verificación, por su forma de vincular grandes acontecimientos, obras y autores muy concretos en el marco socioeconómico de su tiempo, por su capacidad de generalización y por su compromiso con la exigencia de mantener la relación entre la literatura y las artes plásticas. Reseña: «Hauser intenta reconciliar lo irreconciliable, huir de la mecanicista teoría del reflejo, deslindar los campos, reservar al sociólogo un margen limitado que concede, sin embargo, la autonomía a la obra bajo su aspecto estético.» Lourdes Ortiz, El País

Un retrato íntimo y controvertido de Pablo Picasso por John Berger, ganador del Premio Booker. En su momento de mayor genialidad, Pablo Picasso era el pintor revolucionario que desafiaba a los valores de su época. En su momento de mayor fama, era como un personaje de la realeza: idolatrado, rico y en absoluto aislamiento. John Berger dirige su penetrante mirada sobre este pintor enigmático y prodigioso. En una senda que abarca historia, política y arte, vida pública y privada, Berger sigue el recorrido de Picasso desde su infancia malagueña hasta el periodo azul y el Cubismo, de la creación del Guernica a los grabados de sus últimos años, ofreciéndonos la dimensión exacta de sus triunfos y el coste implacable de su fama. Cuando fue publicado por primera vez, la crítica tildó este libro de «insolente, insensible, doctrinario y perverso. Esta edición revisada y con un nuevo ensayo, demuestra el poder y la vigencia de «el libro más importante sobre Picasso escrito hasta hoy... Una biografía profunda, seria, crítica, tan demoledora como llena de comprensión» (John Canaday, New Republic). Reseñas: «Leyendo el estupendo Fama y soledad de Picasso, de John Berger, uno se convence de esa ambivalencia del éxito... Un libro extraordinario... Recomendable tanto para los admiradores de Picasso como para cualquiera que quiera adentrarse en los misterios y riesgos que conlleva el genio.» Álvaro Quintana, blog Correspondencia «John Berger analiza de manera brillante ese sesgo algo tramposo que la palabra "genio" adquiere cuando se trata de entender o explicar a Picasso y su descomunal obra artística.» El País Cultural (Uruguay) «Berger es una de las mayores voces en la crítica de arte contemporánea... Probablemente, el ensayista más perceptivo.» Philadelphia Inquirer «Sus contemporáneos más cercanos en términos de audacia estética podrían ser Umberto Eco o el tardío W. G. Sebald, pero resulta difícil compararlo a cualquier autor inglés del último medio siglo. Berger, simplemente, rompió todos los moldes.» The Guardian «Los libros de Berger poseen la peculiar cualidad de parecer libros sólo por azar. Construidos con palabras, las portan sin embargo con indulgencia, casi a regañadientes, como si igual pudieran haber estado hechos de lienzo y pintura o, aún mejor, de polvo y paja, barro y hueso.» Herald Tribune «Las obras de John Berger viven entre los géneros y en un grado de contemporaneidad absoluto. Mezclando la poesía, el ensayo y hasta el periodismo más personal, sus obras son un intento de reflexión trascendente sin perder la historia inmediata pero tampoco la metafísica o cualquier atisbo de pensamiento lírico.» Luis Antonio de Villena, El Cultural de El Mundo «Fue la voz de los frágiles, residuos del mundo moderno a los que su obra otorgó dignidad de reyes... Poeta, novelista, ensayista y crítico de arte, toda su obra literaria es el testimonio de alguien que contempla un universo que se desvanece ante sus ojos.» Javier Rodríguez Marcos, El País «Un autor esencial. [...] La mirada de Berger era tan profunda como diversa. Una mirada humanista, rebelde y serena al mismo tiempo, la de un renacentista. En pocos autores se ha producido la fusión que él logró entre imagen y escritura.» Pedro Antonio Curto, El Comercio «Fue el Leonard Cohen de otra clase de rotunda melancolía: la de la tristeza (social, íntima) que provoca el auténtico saber en mitad de la sociedad capitalista de fauces abiertas y hambre incansable. [...] Era un activista, su literatura viene de ahí, del compromiso a la manera de Albert Camus, de la protesta, de la obsesión con el poder y sus lepras.» Diego Medrano, El Comercio «Uno de los autores más irreverentes del siglo XX.» Elena Hevia, El Periódico de Aragón

Un recorrido agil y visual y lleno de referencias por las artes plásticas en España en los últimos 20 años. Cordinado por Rafa Doctor.

El censo estadounidense de 2010 destaca sorprendentemente que la población hispana de los Estados Unidos ha llegado a superar los 50 millones, convirtiéndose por primera vez en la minoría más grande del país. El libro LATINO/US COTIDIANO responde al trabajo de investigación sobre la realidad de la comunidad latina en Estados Unidos llevado a cabo por el programa cultural oficial español Spain Arts & Culture. Para el proyecto, Claudi Carreras, el más destacado experto en fotografía latinoamericana contemporánea, reunió el trabajo de 12 fotógrafos hispanos cuyas diferentes miradas artísticas conforman una visión poliédrica, la cual no pretende identificar, marcar o contener, sino tratar de construir un mapa imaginario de narrativas visuales que tienen como referente creativo e identitario el universo de "lo latino" en los Estados Unidos. Fotógrafos de la talla de Dulce Pinzón, Ricardo Cases, Stefan Ruiz o Calé aportan con su trabajo, miradas plurales a ese complejo entramado. El libro de original y cuidado diseño, publicado por RM en una versión bilingüe (inglés y español), es fruto de la colaboración con la Embajada de España en Washington y la Spain / USA Foundation.

En septiembre de 1939, poco después de que estalle la segunda Guerra Mundial, Ígor Stravinski se embarca rumbo a América, donde ocupará la cátedra de Poética de la Universidad de Harvard y dará las seis conferencias que recoge este volumen. En la Poética musical, que es una de las mejores introducciones a la estética de la música que se han escrito jamás, hallará el lector las ideas de Stravinski sobre la creación (la propia y la ajena), la composición, la tipología y la ejecución musicales en un lenguaje preciso e incisivo, que hace de la lectura de este libro un auténtico placer. Asimismo, a medida que avanza en su análisis de los conceptos musicales, Stravinski no puede evitar trazar la imagen de lo que fueron su vida y su carrera como artista. En palabras de Iorgos Seferis, autor de la presentación, lo que distingue a un hombre de la envergadura de Stravinski es «una palabra o una sílaba o un solo sonido. Esa meta a la que uno intenta llegar y no llega. Sin embargo, el camino que hay en medio, ese largo camino ciego que con dificultad encontramos, es lo que nos conmueve en la vida de un creador».

"Trabajo como una mosca" es la forma en la que Giacometti se define a si mismo y a su forma de enfrentarse a su arte. O, mejor dicho y sin hablar de arte, a su lucha por representar simplemente lo que tiene ante sí. Hacia finales de los años cincuenta Alberto Giacometti atravesó un periodo crítico, que se ha dado en llamar "la crisis Yanaihara", crisis en la que llegó a cuestionarse el sentido de seguir haciendo arte, dada la imposibilidad de hacer lo que quería hacer: pintar a Yanaihara, el profesor de filosofía japonés que por aquel entonces, posaba para él, tal y como era. De 1956 a 1961, Isaku Yanaihara (1918-1989), posó un total de doscientos veintiocho días para Giacometti y relató, con gran minuciosidad, aquellas sesiones de posado, así como las horas pasadas al lado del artista. El trabajo de Sachiko Natsube-Dubé explica en que consistió esa crisis, y lo hace en la palabras del propio Giacometti dando a conocer un material hasta ahora inaccesible para los lectores de habla no japonesa

Una historia personal del fotoperiodismo a través de la mirada de John Morris, quizá el más experimentado editori gráfico aún vivo. Amigo de grandes fotógrafos como Robert Capa, Cartier Bresson, Chim o W. Eugene Smith. Corresponsal de Life durante la segunda guerra mundial y editor gráfico de Magnum, Washington Post y New York Times. EN sus memorias John Morris destila curiosidad, atención y la humildad de un niño que sigue asombrándose de estar vivo y del mundo qeu le rodea.

Federico García Lorca y Salvador Dalí se conocieron en la Residencia de Estudiantes en enero de 1923 y mucho se ha especulado sobre el carácter de esa amistad. El epistolario entre los dos artistas, uno de los más vibrantes del siglo XX, es la mejor herramienta para profundizar en aquella relación, aunque en algunas ocasiones nos obligue a leer entre líneas. Hasta la fecha, nunca se había reunido la totalidad de las cartas conservadas de Lorca y Dalí, a las que se suman en este libro las que el poeta cruzó con la hermana y el padre del pintor, así como con Lídia de Cadaqués, uno de los personajes míticos del universo daliniano. En estas cartas, Lorca nos muestra lo mejor de sí mismo y de su poesía, tratado de seducir con la palabra a un Dalí que quiere estar a la altura intelectual del poeta y que, para ello, despliega todo su ingenio y sentido del humor. En ellas vemos cómo Dalí absorbe la poesía de Lorca y la incorpora a su propio genio y cómo Lorca se impregna de la locura surrealista de Dalí para enriquecer su forma de captar la realidad. Se trata, en definitiva, de un juego intelectual entre dos estéticas fraternalmente confrontadas pero bien avenidas, que tendrán su apogeo en la crítica constructiva que Dalí hará del lorquiano Romancero gitano.

El arte de las primeras vanguardias se suele analizar bajo dos grandes «paradigmas»: el de la obra única, cuyo carácter de singularidad deriva de la ruptura formal y del efecto shock, y el de la multiplicidad, dominado por la discontinuidad del espacio-soporte. Pero hay un «tercer paradigma» generalmente olvidado, el del archivo. A su estudio se ha dedicado este libro, en el que se analizan sus fuentes, sus precedentes, su desarrollo y sus principales ejemplos a lo largo del siglo XX y los del XXI, ocupándose del trabajo de los artistas visuales que registran, coleccionan, almacenan o crean imágenes que, «archivadas», han devenido inventarios, tesauros, atlas o álbumes. Artistas que se valen del archivo como un nexo entre la memoria y la escritura, como un territorio fértil para todo escrutinio teórico e histórico, o como un lugar para reconstruir visiones utópicas.

¿Y si el perro, además de ser cancerbero del reino de los muertos, imagen del terror nocturno, símbolo profético del tiempo, fuese también, un retrato, una metáfora de un retrato humano, una reflexión sobre nuestra propia condición?