"No es únicamente un libro sobre dibujo. Es un libro sobre cómo vivir. Esta valiosa aportación a la enseñanza del dibujo no puede considerarse un simple manual... nos ayuda a ser libres." --Los Angeles Times Aprender a dibujar con el lado derecho del cerebro es una de esas obras que por su originalidad e inspiración marcan un antes y un después y se constituyen en obligado punto de referencia. Traducida a trece idiomas, ha enseñado a dibujar a millones de lectores y ha servido de guía para miles de profesionales del arte. Esta nueva edición de un auténtico clásico de la enseñanza del dibujo ha sido totalmente revisada y actualizada. Casi una década después de su aparición en castellano, esta edición puesta al día incorpora los últimos descubrimientos en el campo de la investigación de los procesos cerebrales y aporta nuevas sugerencias para aplicar las técnicas de aprendizaje artístico en el ámbito empresarial y en la resolución creativa de problemas. El nuevo material, que constituye más de la mitad del contenido del libro, incluye: * Los últimos hallazgos sobre los procesos cognitivos del cerebro humano y las diferencias entre los dos hemisferios cerebrales * Nuevas sugerencias sobre cómo utilizar las técnicas de dibujo en el campo de la educación y en el mundo de la empresa * La utilización del dibujo como instrumento terapéutico de expresión personal * Indicaciones para pasar del dibujo en blanco y negro al color * Instrucciones detalladas para aplicar las 5 habilidades básicas del dibujo a la resolución creativa de problemas Basado en la premisa de que todos podemos ser creativos y de que lo importante no es la habilidad manual sino la forma de mirar, este libro resulta de gran ayuda tanto para las personas que desean aprender a dibujar pero creen no tener talento como para aquellos profesionales del arte que buscan mejorar su técnica.

El catálogo incluye obras de James Ensor, Henri Cartier-Bresson, Le Corbusier, Aldo van Eyck y Palle Nielsen, entre otros. La exposición usa el término playground para proponer una aproximación histórico-artística al espacio de juego y a su potencial socializador, transgresor y político desde los inicios de la modernidad hasta nuestros días. La idea de «área de juego en descampado» ;propuesta por el arquitecto danés Carl Theodor Sørensen en 1935; y la de «parque infantil de aventuras» ;impulsada por la arquitecta paisajista Lady Allen of Hurtwood en Londres, y difundida a varias ciudades europeas después de la Segunda Guerra Mundial; sirven para recuperar y significar terrenos residuales o zonas bombardeadas como espacios de juego destinados a la autonomía infantil. En los años sesenta, el niño es reivindicado como sujeto político autónomo, en un contexto dominado por el reclamo del derecho a la ciudad y coincidiendo con el momento álgido de la revuelta del homo ludens ;retomando el ensayo homónimo de Johan Huizinga; en torno a Mayo del 68. Los movimientos de 2011 diseminados por plazas, calles y barrios devolvieron a esos espacios su dimensión pública y democrática. Esta ocupación temporal, articulada por redes virtuales de comunicación, implicaba una reapropiación de lo político y la experimentación de otras formas de organización y vida en común.

Este workbook forma parte de una serie de escritos que funcionan como nota al pie de El autor como productor, de Walter Benjamin. Una herramienta de trabajo para abrir debates en torno a la noción de producción en el arte contemporáneo...

El formato estrella de presentación de arte contemporáneo sigue siendo la exposición. Una exposición que sufre modificaciones constantes, que necesita adaptarse a las propuestas de los artistas, repensarse desde su uso, analizarse según sus posibles funciones y que, en definitiva, nos pide a gritos una reformulación. Salir de la exposición (si es que alguna vez habíamos entrado) es un acercamiento a las posibilidades de la exposición, un deseo, una mirada para compartir con la voluntad de repensar el modo como el arte se conecta con la sociedad.

Este libro se interroga sobre la manera en que se representa a los pueblos: cuestión indisolublemente estética y política. Hoy los pueblos parecen más expuestos que nunca. Están, en realidad, subexpuestos en la sombra de sus puestas bajo la censura o -con un resultado de invisibilidad equivalente- sobreexpuestos en la luz artificial de sus puestas en espectáculo. En una palabra, están, como ocurre con demasiada frecuencia, expuestos a desaparecer. Sobre la base de las exigencias planteadas por Walter Benjamin (una historia solo vale si da voz a los “sin nombre”) o Hannah Arendt (una política solo vale si hace surgir aunque sea una “parcela de humanidad”), se examinan aquí las condiciones de una posible representación de los pueblos. Examen que pasa menos por la historia del retrato de grupo holandés y los “retratos de tropas” totalitarios que por la atención específica prestada a los “pueblos humildes” por los poetas (Villon, Hugo, Baudelaire, por ejemplo); los pintores (Rembrandt, Goya o Gustave Courbet); los fotógrafos (Walker Evans, August Sander o, un ejemplo contemporáneo, Philippe Bazin). El cine, por su parte, llama figurantes a los “pueblos humildes” frente a los cuales obran y se agitan los “actores protagónicos”, las stars, como suele decirse. De allí que los figurantes encarnen un objetivo crucial, histórico y político del cine mismo desde su nacimiento -La salida de los obreros de la fábrica Lumière- hasta sus elaboraciones modernas en Eisenstein o Rossellini, e incluso mucho más allá. Un extenso análisis se dedica aquí al trabajo de Pier Paolo Pasolini y su manera de recuperar a los “pueblos perdidos” en sus “gestos sobrevivientes”, conforme a un proceso que permite esclarecer los análisis de Erich Auerbach (para las formas poéticas), Aby Warburg (para las formas visuales) y Ernesto de Martino (para las formas sociales). Sin olvidar algunos ejemplos más contemporáneos, como el filme del realizador chino Wang Bing titulado, precisamente, El hombre sin nombre.

Cicely Berry nos relata y trasmite las investigaciones que ha realizado en torno a la voz durante los últimos 50 años con actores, directores y dramaturgos. Una generosa labor que ofrece al lector la ocasión de sentirse partícipe de una experiencia única. Pocos libros trazan una reflexión tan compleja como asequible sobre las relaciones entre el lenguaje, el pensamiento y el mundo. Sobre la influencia de la lengua en la percepción y el pensamiento. Si algo caracteriza los libros de esta autora no es tanto su carga teórica sino su praxis, los ejercicios que comparte minuciosamente con lectores y alumnos. Quien nos interpela en este libro es la voz obstinadamente joven de una mujer de 80 años que nos habla del juego y de la vida, empecinada además en romper con las convenciones del idioma y batallar así contra los tópicos que abundan en el mundo del teatro. Para Cicely Berry un nimio detalle, un gesto, una sola palabra puede revelar la verdad de un personaje hasta el punto de ofrecer la clave de todo un espectáculo teatral. CICELY BERRY (1926-) ha sido directora vocal de la Royal Shakespeare Company (RSC) y asesora de todas sus producciones teatrales. Estudió Arte Dramático en la Central School of Speech and Drama. Ha trabajado con actores de renombre internacional como Peter Finch, Sean Connery, Ann Bancroft, Richard Chamberlain, Derek Jacobi y Jeremy Irons y directores como Peter Brook, Trevor Nunn, Bernardo Bertolucci, Augusto Boal o Sam Mendes. También está muy involucrada en la educación internacional, ha impartido clases particulares a profesores de enseñanzas medias y políticos, y ha enseñado en prisiones. Es profesora honoraria de la Universidad de Monfort de Leicester y Doctora Honoris Causa por la Academia Nacional de las Artes de Cinematografía y Teatro de Bulgaria y de Literatura por la Universidad de Birmingham de Inglaterra. VICENTE FUENTES es Doctor por la Universidad de Alcalá y Catedrático de la RESAD. En 1975 es becado por la Fundación Juan March para ampliar sus estudios teatrales Inglaterra. En Londres investiga con el profesor Roy Hart y redacta su trabajo La Voz Humana u Objetiva. Completa su formación en Stratford con Cicely Berry. Es asesor de Verso de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Director del Laboratorio del la CNTC para la formación de jóvenes actores y miembro fundador del Roy Hart International

Este libro pretende comprender el conjunto de las artes y ciencias del espectáculo, trascendiendo lo que pudiera ser específicamente teatral desde un criterio restrictivo, para abarcar también ámbitos como el circo y la danza. Sus referencias biográficas y terminológicas totalizan más de 20.000 palabras o locuciones, agrupadas en torno a numerosos conceptos y en particular a los siguientes: actor, argot teatral, autor, baile, comedia, director, drama, escenario, espectáculo, iluminación, interpretación, movimientos espirituales, música, personaje, público, puesta en escena, teatro, texto, tragedia y vestuario. Caracterizada por el rigor en su elaboración, la obra centra su análisis en el conjunto de la escena mundial a lo largo de la historia, si bien se presta especial atención al teatro español, y particularmente a nuestros autores, actores y directores contemporáneos.

Blake Snyder, uno de los guionistas de más éxito de Hollywood, ofrece una pintura ágil, divertida y franca de la trastienda de la industria cinematográfica. ¡Salva al gato! hace referencia a una de sus infalibles teorías para lograr que las ideas resulten más atractivas y cualquier guión más satisfactorio y, sobre todo, susceptible de venderse. Pero, sobre todo, ¡Salva al gato! muestra las herramientas que todo guionista está obligado a dominar si acaso quiere vender su trabajo.

Octavio Uzanne (1851-1931) fue un escritor francés que dedicó gran parte de su vida a investigar y a escribir sobre el mundo de los libros. Sin contar sus muchas colaboraciones en prensa, le debemos al menos nueve estudios serios sobre bibliofilia y encu

A los que no tienen salvación, que no son otros sino quienes no necesitan ni salvadores, ni ser salvados: insistentes, irrecuperables, resistentes, refractarios, relapsos, rebeldes, video-vigilados, desahuciados, integrantes de las listas negras, calumbi

Cubierta posterior: Vivimos en la actualidad, en las sociedades occidentales, una inmensa expansión de la producción y el consumo del arte, pero también de su instrumentalización y mercantilización. Proliferan los conciertos, las exposiciones, los espectáculos operísticos, los premios literarios, las ferias de arte? Vivimos en estos tiempos de incertidumbre una verdadera eclosión de las bellas artes, así como señales de agotamiento propias del final de una época. Ésta es una obra de sociología histórica formada por cinco trabajos relacionados directa o indirectamente con el mundo de arte. Y aunque no se aborda el análisis del complejo mundo artístico contemporáneo, los autores intentan proporcionar instrumentos para contribuir a la tarea colectiva de pensar el presente, sirviéndose de indagaciones realizadas a partir de la historia. El recurso a la historia no sólo ayuda a conocer de dónde venimos, y a plantear un diagnóstico de la situación presente, sino que también abre la pregunta sobre el papel que deberían jugar las artes en el mundo que queremos construir.

Galerista y marchante de arte, Ambroise Vollard fue descubridor y amigo de muchos de los grandes artistas de finales del siglo XIX y principios de XX: Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Renoir, Degas, Picasso...

La pregunta que nos ocupa aquí ¿cuánto margen deja la cultura al juego? sino ¿cuánto tiene de juego la cultura?

Compendio de normas a seguir en el dibujo de las dinstintas formas humanas, este texto nos presenta una faceta poco conocida, pero no por ello menos relevante, del gran Rubens: la de teórico de la pintura.