Si hay alguna característica de estilo que distingue el trabajo de Milton Glaser, estas son la honradez y el sentido de la justicia combinadas con una libertadora actitud lúdica e imaginativa. Mantener la integridad ética frente a las seducciones del mercado y hacerlo con sentido del humor se plantea como un auténtico reto para todo diseñador. Este libro reúne cuatro charlas que el célebre artista norteamericano dirigió a estudiantes de diseño. En ellas nos da algunas pistas sobre la respuesta del propio Glaser a este desafío, así como sobre su forma de entender y abordar los procesos creativos. Glaser analiza cómo el marketing y la publicidad han ido modificando nuestra cultura en las últimas décadas y reflexiona sobre el papel fundamental de los diseñadores en esta evolución. Defiende que el arte es, actualmente, la forma más benigna y esencial de crear comunidad, y que todas las personas vinculadas con el ejercicio de la creatividad tienen, por tanto, una función importante que desempeñar en esa transformación de la sociedad. Es así como Glaser llega a proponer en estas páginas una nueva denominación para el diseñador: «He cambiado de opinión sobre mi autodesignación: diseñador/ciudadano me parece una descripción más satisfactoria. Nunca existió mejor momento para asumir esta función.»

Este libro aborda la relación de los colores con nuestros sentimientos y demuestra cómo ambos no se combinan de manera accidental, pues sus asociaciones no son meras cuestiones de gusto, sino experiencias universales que están profundamente enraizadas en nuestro lenguaje y en nuestro pensamiento. Proporciona una gran cantidad y variedad de información sobre los colores, como dichos y saberes populares, su utilización en el diseño de productos, los diferentes tests que se basan en colores, la curación por medio de ellos, la manipulación de las personas, los nombres y apellidos relacionados con colores, etc. Esta diversidad lo se convierte en una herramienta fundamental para todas aquellas personas que trabajan con colores: artistas, terapeutas, diseñadores gráficos e industriales, interioristas, arquitectos, diseñadores de moda, publicistas, entre otros.

"Todos estábamos convencidos de que el mundo iba a convertirse en el imperio de lo visual, un lugar lleno de imágenes; pero si miramos a nuestro alrededor, lo único que vemos es gente que no para de escribir, leer y textear: vivimos inmersos en el lenguaje de un modo que jamás nadie se había atrevido a soñar", polemiza Kenneth Goldsmith. Una de las tesis centrales de este libro es que el surgimiento del lenguaje digital, y de Internet específicamente ("el poema más grande jamás escrito"), representa nuevos desafíos para los escritores actuales, así como en el siglo xx el surgimiento de la fotografía obligó a que los pintores replantearan su tarea. Confrontados por primera vez con un entorno digital que pone a nuestra disposición una cantidad de texto sin precedentes, junto con una serie de técnicas novedosas que nos permiten intervenirlo y manipularlo, nos vemos obligados a repensar las nociones tradicionales de "originalidad", "escritura" y "autoría". En los ensayos reunidos en este volumen, Goldsmith traza un mapa de aquellas prácticas y textualidades que asumieron esa tarea, dando forma a aquello que el autor define como escritura no-creativa. Una tradición que toma muchas de sus estrategias del arte de vanguardia (período que Goldsmith se ha encargado de documentar y difundir como fundador de la más vasta biblioteca online de arte exprimental, Ubuweb), y que encuentra en el nuevo paisaje digital el contexto ideal para desplegar todas sus potencialidades. Prácticas novedosas como el uso de la programación o de los resultados de las búsquedas en Google para crear poesía, la composición de collages textuales a partir del cut and paste o de la navegación ociosa en Internet, continúan e intensifican los experimentos radicales de Georges Perec, los ready-made de Duchamp, los cut-ups y fold-ins de William S. Burroughs, la deriva en trance de Benjamin, el détournement situacionista o las estrategias plagiarias de Jeff Koons y Andy Warhol, ofreciendo nuevos modelos de producción estética acordes al desarrollo de la cultura digital.

La difusión del revolucionario «sistema» con que Stanislavski enriqueció el teatro del siglo xx, ha sufrido una serie de oscurecimientos que han dificultado su recta apreciación. Solo pudo supervisar en vida la primera parte de su libro. El trabajo del actor sobre sí mismo. La visión de su trabajo es incompleta si no se la considera conjuntamente con El trabajo del actor sobre su papel. La aproximación norteamericana tiene su fuente en un encuentro de pocas semanas entre el mismo Stanislavski y Stella Adler en un momento en que las investigaciones del director ruso no habían alcanzado el contraste al que las sometió más tarde. La mayor parte del conocimiento que tenemos de Stanislavski llega a España y Latinoamérica a través de la versión estadounidense que soslaya la enorme importancia del habla escénica, reduciéndola a la mera interioridad. La prueba a que fue sometido el sistema por E. Vajtángov, V. Meyerhold y M. Chéjov hizo revisar al gran maestro sus aproximaciones; y así surge al final de su vida el sistema de las acciones físicas donde la aceleración del proceso de construcción del personaje se halla en la elucidación física de la acción, mucho más potente que la elucidación psíquica a la que hasta entonces se había dado preeminencia. María Ósipovna Knébel fue discípula directa de Stanislavski, compañera y amiga de E. Vajtángov y M. Chéjov, de quien editó su legado fundamental, El arte del actor. El último Stanislavski, el análisis activo es una extraordinaria herramienta empleada por muchos directores de todo el mundo, que ya da sus frutos en los trabajos del Teatro de la Abadía (Madrid) y que en la práctica se convierte en una guía esencial para el actor, un mapa para orientarse en el océano de palabras que es el texto teatral.

Un extraordinario manual editado en Ñaque editora, de la mano de Isabel Pintor Maya y Manuel Pintor García. Queremos que este libro sea un estímulo y una herramienta para aprender a conocerse a uno mismo, una tarea que puede parecer sencilla, e incluso que está de moda últimamente, pero que muy pocos consiguen de verdad. A esto pueden, quizá, contribuir los hallazgos y la fecunda fusión de horizontes -por inicial que sea- que hemos provocado en este trabajo. Esta contribución multidisciplinar la hemos podido conseguir a partir de la comprensión de la actuación teatral desde la psicología cognitiva, incorporando dentro de ésta la aportación inestimable de la psicología positiva. Vamos a integrar también, de cuando en cuando, otra vieja disciplina, la filosofía, el saber que se busca acerca del hombre y del universo. Añadiremos su pregunta por el sentido de la existencia a nuestra visión fronteriza o interdisciplinar del teatro, la psicología y la vida cotidiana.

Robert H. Hethmon nos ofrece en este libro lo que se puede considerar una pieza maestra de la literatura teatral. Asistiendo a las sesiones del Actors Studio ha recogido en la cinta magnetofónica las lecciones de Lee Strasberg; posteriormente ha ordenado este material según las directrices del Método. De este modo ha conseguido exponer toda la formación, tanto práctica como teórica, que recibe un actor en el Studio y, al mismo tiempo, desvelar la utilización que ha hecho Strasberg del famoso Método de Stanislavski, descubriendo sus aportaciones personales. En la introducción, Hethmon expone la trayectoria y sentido del Actors Studio dentro de la vida teatral norteamericana y la influencia que ha recibido desde que se incorporó a él Lee Strasberg. Algunos actores que siguieron el Método fueron Marlon Brando, Eva Marie Saint, Paul Newman, Marilyn Monroe, James Dean y Montgomery Clift. Robert H. Hethmon ha enseñado y producido obras en las Universidades de Wisconsin, Colorado y California. Profesor emérito de Teatro en la UCLA, de 1960 a 1962 fue director del Centro de Investigación Teatral de Wisconsin.

Cuerpos en escena se adentra en distintas formas de expresión que se materializan a través del lenguaje del cuerpo. La intención de todo artista es trascender, más allá de la forma plástica o de una técnica u otra, trasmitiendo aquello que mueve, conmueve y estimula el imaginario del espectador. Desde ahí se configura una temática común, que se refiere al estudio del lenguaje escénico cuyo soporte es el cuerpo. Para poder dar forma visible a sus vivencias, el actor se vale de ciertas herramientas que le permiten afrontar el lenguaje corporal a partir de su propia identidad. Cuerpos en escena no trata el cuerpo como instrumento, sino que analiza las herramientas con las que el actor corporal puede dar forma y contenido a sus movimientos. La Interpretación en el Teatro del Gesto; la Expresión Corporal; el Mimo y la Pantomima; la Comedia del Arte; la Danza; la Esgrima; la Acrobacia y el Clown son algunos de los ámbitos abordados en este trabajo. El camino es delicado para no caer en lo excesivamente técnico, ni en lo excesivamente espontáneo y superficial. Encontrar el justo equilibrio entre la práctica y la teoría, conocer distintos aspectos creativos desde donde surge el lenguaje corporal y a los que puede conducir marcan los objetivos de este volumen. SOL GARRE ha trabajado como actriz y directora de teatro. Actualmente es profesora titular de Interpretación Gestual en la RESAD de Madrid. Especializada en el teatro físico contemporáneo, el entrenamiento psicofísico del actor y las técnicas de imaginación de Michael Chéjov, imparte cursos y talleres sobre esta metodología en España y el Reino Unido. ITZIAR PASCUAL es dramaturga, pedagoga y periodista. Ha publicado los estudios ¿Un escenario de mujeres invisibles? El caso de las Marías Guerreras, Premio Victoria Kent de la Universidad de Málaga y Suzanne Lebeau. Las huellas de la esperanza. Ha realizado la edición de Teatro español para la infancia y la juventud (1800-1936).

Le fueron concedidos treinta años de vida activa, los treinta años del cine moderno que trazan el arco desde Roma, ciudad abierta hasta el asesinato de Pasolini. Se sumergió en la imagen y miró, con todas sus fuerzas miró su forma. Porque la forma es deseo, el fondo no es más que la tela cuando ya no estamos allí

En este segundo y último volumen de sus Ensayos sobre la aparición, el autor traza las líneas hacia una teoría críticad e la imagen, desde las pinturas rupestres a las instalaciones contemporáneas

Esta conversación sigue cronológicamente el trayecto profesional de Manuel Borja-Villel, el responsable museográfico español que goza actualmente de mayor prestigio internacional. Los tres capítulos que la componen corresponden a sus periodos sucesivos al frente de la Fundació Antoni Tàpies, el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la institución que actualmente dirige. Se trata de la primera biografía intelectual y profesional de Borja-Villel, a través de la cual se comentan también las sucesivas coyunturas de la relación entre el arte, las políticas públicas de cultura y la situación de la democracia en nuestro país desde 1990. El libro plantea en su conjunto una serie de reflexiones que nos han parecido útiles a la hora de pensar cómo la ciudadanía puede inducir cambios institucionales, y viceversa, cómo se pueden gobernar las instituciones poniéndolas al servicio de la gente. Está claro que la cultura y sus instituciones no pueden quedar al margen de los grandes retos políticos de nuestra época. Justamente ahora se dan las condiciones para que cobren forma nuevos tipos de instituciones. - Manuel Borja-Villel

Huyendo, como es habitual en el autor, de propuestas que se acaben en la mera especulación de ideas, Rico ha elaborado un manual práctico sobre museografía, con tres peculiaridades: cada tema se acompaña de una serie de problemas prácticos a resolver; la integración de la museografía dentro de las técnicas expositivas; y los programas docentes de todo este nuevo entramado de conceptos, materias y profesionales. El libro se presenta en cuatro partes dedicadas las tres primeras a las seis "técnicas expositivas" de manera monográfica y una cuarta final pensada para la interrelación de todas ellas y a su enseñanza. La primera parte: "Cultura y razón los primeros siglos", trata fundamentalmente de la exposición cultural, la científica y la técnica, lo que hemos llamado tradicionalmente como museología y museografía. La segunda parte: "De la industria al consumo, el fin del monopolio cultural", se centra en el interesante tema de la exposición industrial y la comercial, trabajando las características expositivas desde los primeros mercados a las actuales grandes superficies. La tercera parte: "Límites y lenguajes, los nuevos caminos" desarrolla los proyectos de exposición en el paisaje (ciudad y naturaleza) y en el lenguaje virtual, algo que no hemos valorado todavía con la importancia que tiene. La cuarta parte: "Las técnicas expositivas", resume en conceptos y diagramas, la relación entre las seis "técnicas expositivas", lo que deberíamos conocer de las otras, lo que podríamos aprovechar en la nuestra, como hemos de trabajar, etc. Todo ello acompañado de una revisión final de los nuevos programas docentes especializados en el tema, en el que se incluye este nuevo concepto global.

Susan Sontag escribió que, para Bresson, «el arte consiste en descubrir lo necesario, en eso y nada más». Por ello este libro no debe considerarse tanto un documento como un objeto trabajado, pensado por su autor. A lo largo de sus páginas Bresson alude a un libro que está escribiendo y que resultará no ser otro que las 'No tas sobre el cinematógrafo', de 1975. Gran parte de las notas fueron modeladas a partir de estas entrevistas; de hecho, muchas de ellas consisten en citas literales de respuestas que Bresson dio por primera vez a periodistas. Este libro franquea la entrada al taller donde un gran artista elabora su pensamiento y su obra a lo lago de los años.

Fue uno de los grandes cineastas de Hollywood y para muchos el mejor guionista que jamás pisó la Meca del Cine. Billy Wilder supo crear un universo mágico a través de sus películas. Un universo en el que cabía la risa, pero también la amargura; el cinismo pero también la ternura. Ese particular mundo de apartamentos prestad os e indemnizaciones dobles, de travestidos y prostitutas dulces, de Coca-cola, diosas en declive y Berlín en ruinas, es también el mundo en el que la hija del chófer se convierte en Cenicienta y una comunista descubre París. Magia en definitiva. Veintidós prestigiosos críticos analizan en "El universo de Billy Wilder" sus films como director, sus films como guionista, sus comienzos en el cine alemán, sus colaboradores, sus actores, sus obsesiones, sus filias, sus fobias

«Arte en España (1939-2015), ideas, prácticas, políticas» ofrece una síntesis actualizada de la historia del arte en España desde el final de la Guerra Civil, sumándose al impulso de renovación historiográfica que desde el campo de la investigación viene desarrollándose en la última década. El libro presenta, así, algunas novedades con respecto a los manuales disponibles. En primer lugar, aborda la esfera del arte en sentido amplio: junto a las prácticas de los creadores, en sus páginas se discuten las principales teorías y debates historiográficos, así como la historia de las instituciones y las políticas artísticas. En segundo lugar, «Arte en España (1939-2015)» intenta contrarrestar algunos de los olvidos del canon tradicional, prestando especial atención a la obra de las mujeres artistas y los discursos feministas, a las expresiones contraculturales y populares, a las prácticas no objetuales y experimentales, a los dispositivos artísticos concebidos como vehículos de activismo social y político y, en general, a las manifestaciones habitualmente consideradas periféricas o contrahegemónicas. Por último, el libro revisa también las continuidades y fisuras entre pasado y presente, cuestionando algunos de los relatos de consenso construidos desde la transición. No se trata, sin embargo, de sustituir un canon por otro, sino de plantear nuevas preguntas e instrumentos que contribuyan a fomentar una interpretación más plural y dinámica de la historia del arte en España.

Una lectura compuesta por materiales distintos de una sola naturaleza poética: poemas, textos teatrales, fragmentos de su diario y autorretratos fotográficos.

Antes de convertirse en el dictador más famoso del mundo, Kim Jong-Il dirigía el Ministerio de Propaganda y los estudios de cine de Corea del Norte. Era el cerebro tras cada película, el productor y el guionista. Pero él solo no era suficiente, por lo que ordenó el secuestro de la actriz más famosa de Corea del Sur, y su exmarido, director de cine. · Ella vivió en una jaula dorada, de la que solo se le permitía salir para los saraos oficiales. Él tuvo que pasar por la "reeducación" en campos de concentración hasta que cedió. Los dos acabaron participando en siete películas, a las órdenes del Querido Líder. · Un thriller de no ficción lleno de tensión, pasiones y política, que nos permite adentrarnos en los secretos de este país herméticamente sellado, que nos fascina.

Escritos de juventud muestra la huella de una primera «visión interior» que el director soviético habría experimentado de su propio cine. Sirviéndose de la escritura, intentó fijar esa primera llamada, esa primera impresión... antes, incluso, de haberla podido fijar en imágenes cinematográficas.