Historia de las series es un libro sin precedentes en nuestro país, que traza la evolución de las series en toda su complejidad. Un recorrido panorámico extraordinario sobre el desarrollo de la ficción televisiva tanto en Estados Unidos y Reino Unido como en países europeos y de todo el mundo. Desde las ficciones experimentales en los años 20 y 30 a las producciones en directo de los 40; el auge de la comedia en la década de los 80 como respuesta al tatcherismo; Twin Peaks y los primeros fenómenos de culto; la revolución de la HBO y la reivindicación de la autoría del creador de las series, con Los Soprano, The Wire o Breaking Bad; la revolución europea de las series nórdicas, hasta los nuevos rumbos que toman las series con nuevas formas y canales como Netflix . >

La continuación del gran éxito internacional El ojo del fotógrafo. Analiza cómo los fotógrafos de primera línea toman excelentes imágenes en todo momento. Muestra cómo evitar clichés visuales y manejar lo inesperado. Ayuda a entender los diferentes estilos fotográficos al tiempo que explora las pautas para desarrollar un enfoque propio.El origen de cualquier fotografía no está en la cámara, ni siquiera en la escena que se vea través del visor, sino que se encuentra en la mente del fotógrafo: ahí es donde la imagen se crea antes de grabarse en una tarjeta de memoria o un fotograma de película. Más que ninguna otra forma de arte, la fotografía exige que el espectador se vea constantemente interrogado y sorprendido por nuevas imágenes y diferentes interpretaciones. El propósito de este libro es explicar qué hace excelente una fotografía, a la vez que explora los recursos que utilizan los mejores fotógrafos para conseguir su propósito una y otra vez. A medida que vaya profundizando en este campo, esta obra le enseñará a evitar los estereotipos, así como a entender conceptos tales como la cíclica naturaleza de la moda, el estilo y el manierismo, además de a comprender y aprovechar la luz, e incluso a manejar lo inesperado.

A comienzos del siglo xx, el arte y sus instituciones fueron sometidos a la crítica de un nuevo espíritu democrático e igualitario. El suprematismo de Malévich, el futurismo de Marinetti y el trabajo de los artistas de la Bauhaus desacreditaron tanto la noción de la obra de arte como objeto sagrado, como la función preservativa de los museos y las promesas de eternidad materialista que estos auguraban. En términos de Boris Groys, esto sentó las bases para el desarrollo de un "realismo directo": un arte sin producto, que no produce objetos sino prácticas destinadas a no sobrevivir, como las performances, las instalaciones y el arte relacional. Con ello, se cumple uno de los objetivos más radicales de las vanguardias: el arte abandona su distinción y sus privilegios, y se entrega a la corriente del tiempo, a la disolución que pesa sobre el flujo de todas las fuerzas materiales. En continuidad con las líneas de reflexión abiertas en Volverse público, Groys examina en estos ensayos con sutileza la intensificación de estos procesos en el contexto de la migración masiva de las prácticas y las instituciones culturales a Internet, donde el impulso inicial de las vanguardias históricas pareciera encontrar su culminación. En el ámbito de la Web, podría decirse que no hay arte sino información sobre arte, que opera en el mismo espacio que la estrategia militar, el negocio turístico y los flujos de capital, como una más entre todas las cosas de este mundo, como una entre tantas señales evanescentes de un presente transitorio.

Escrito con la misma agilidad y gracia que ¡Salva al gato!, en ¡Salva al gato! Va al cine el autor insiste en su teoría de que los verdaderos «géneros cinematográficos» no son los clásicos (acción, amor, oeste, policíaco...) sino una serie de diez situaciones que se repiten en las mejores películas y en la importancia de la estructura que todo buen guión debe tener. Y lo hace de una manera muy práctica analizando, uno a uno, más de cincuenta guiones de películas de éxito para justificar su propuesta. Se trata pues de una ilustración práctica, a través de guiones y películas concretas, de las ideas que todo guionista profesional, según el autor, debe manejar.

¡Más misteriosa que el triángulo de las Bermudas! ¡Más reveladora que la piedra de Rosetta! ¡Más castiza que el hombre de Atapuerca! Los codornizólogos Santiago Aguilar (Madrid, 1959), director, guionista y documentalista, ganador de un premio Goya a la dirección novel por Justino, un asesino de la tercera edad (1994), y Felipe Cabrerizo (San Sebastián, 1973), historiador cinematográfico, programador del Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes de Madrid y responsable del programa radiofónico Psycho Beat!, se unen en este proyecto único. Un ensayo que rastrea la génesis de Un bigote para dos, la película perdida que Tono y Mihura estrenaron en los años cuarenta, un experimento desopilante en plena posguerra española, resultado de la deconstrucción de una opereta austriaca para, mediante el doblaje, dotarla de un sentido completamente nuevo y profundamente transgresor. Aguilar y Cabrerizo nos revelan el origen del canibalismo cinematográfico que enfrentó a Tono y Mihura con Jardiel Poncela, y que supuso un hito con h para la comedia española, cuya herencia posterior la encontramos, durante la Transición, en Gila, Tip y Coll, Buero Vallejo, Jesús Franco o Luis Berlanga, entre otros, y ya en la actualidad en las piezas televisivas de "Retrospecter" y "Mundo viejuno", concebidas por Joaquín Reyes para La hora chanante y Muchachada nui. "Un trabajo de arqueología y de recomposición casi museística. Una investigación que nos acerca un poco más al conocimiento de una experiencia en la que el humor codornicesco, revulsivo y cosmopolita de dos creadores irrepetibles irrumpe con desparpajo iconoclasta y desternillante". Carlos F. Heredero. Caimán Cuadernos de cine

David Bestué recupera en este libro un formato totalmente desacreditado en la actualidad, el de las "Historias Nacionales de Arquitectura". Su texto imita el tono didáctico de esta literatura, con sus etapas bien definidas y su desarrollo lineal. Sin embargo, usa este lenguaje de forma irónica al subvertir los lugares comunes de la historiografía, creando un recorrido poco ortodoxo, recuperando ideas olvidadas y revisando algunos tópicos que se repiten incansablemente en los manuales. Es un trabajo que busca entender como se ha dibujado el paisaje que nos rodea. Una lectura fresca y muy personal de nuestra historia reciente, puntuada con fotografías, collages, y artilugios creados para explicar las razones de la forma.

ZÚRICH, 5 DE FEBRERO DE 1916. LA FECHA DEL NACIMIENTO DE DADÁ, UNO DE LOS MOVIMIENTOS LITERARIOS MÁS INSPIRADORES EN EL SIGLO 20. DADA ZÚRICH REÚNE LAS MÁS IMPORTANTES POESÍAS-DADÁ DE HANS ARP, HUGO BALL, EMMY HENNINGS, RICHARD HUELSENBECK, TRISTAN TZARA Y OTROS, ELEGIDAS POR LOS FUNDADORES DE DADÁ MISMOS, UNA CRONOLOGÍA DE LOS ACONTECIMIENTOS-DADÁ Y UN PLANO DE LA CIUDAD CON TODOS LOS LUGARES-DADÁ. UN BREVIARIO IMPRESCINDIBLE.

Pobre niña rica, coleccionista de maridos y de cuadros, fundadora de la galería y de la colección que dieron entidad al arte del siglo xx, viajera, amante de la noche y de la vida social, gran lectora, divertida, manipuladora, complicada... el perfil humano y profesional de Peggy Guggenheim se desvela por fin en esta biografía breve pero completa, basada en el propio relato de su protagonista y el de quienes la conocieron. Y de fondo, todo el mundo cultural europeo y estadounidense del último siglo.

De la antigüedad grecorromana o el Imperio bizantino a nuestros días, desde París, capital por excelencia de las artes en la Vieja Europa, a Nueva York, capital de las imágenes contemporáneas, viaje en el tiempo y en el espacio, este libro es, en realidad, una suma de tres: en el primero se habla del papel fundamental de la noción clásica del otium en la cultura como liberador de las energías del corazón; en el segundo se habla del arte contemporáneo y sus extravíos, y en el tercero del arte cristiano. Panfleto erudito, inteligentísimo y certero contra el entertainment y el sustituto frívolo que tantas veces han propiciado las «políticas culturales», defensor a ultranza de la belleza y de la más noble y rica tradición civilizadora europea, este libro es fino azote del desierto globalizado al que nos querrían conducir la banalización y la industria de la imagen.

Erik Satie (Honfleur, 1866-París, 1925) es sin duda uno de los compositores más representativos del pasado siglo. Tras estudiar en el Conservatorio de París, trabajó como pianista en diversos locales de la bohemia parisina, donde, entre otros, trabaría re

Esta Historia del cine de Román Gubern, aparecida en 1969, ha sido traducida y repetidamente editada, en versiones sucesivamente revisadas, convirtiéndose en un clásico, utilizado como texto docente en muchas universidades, como obra de consulta o como relato ameno de la historia del nacimiento de un nuevo arte y medio de comunicación que se ha convertido en un lenguaje artístico novedoso, un imaginario colectivo, un moldeador de costumbres sociales, un medio de propaganda ideológica y una forma de entretenimiento masivo. En ella se describe la historia de un espectáculo popular que nació como una derivación de la instantánea fotográfica, creció en barracas de feria o espectáculos de music hall y llegó a convertirse en fábrica de sueños en templos de mármol y suntuosos cortinajes, para recluirse luego en minisalas, pantallas de televisión o soportes informáticos. El libro describe tanto su evolución estética como su evolución técnica y sus implicaciones socioeconómicas e ideológicas. Agente activo de propaganda política, supo entablar un fructífero diálogo con los movimientos de vanguardia del siglo XX e inscribirse en las revoluciones estéticas e intelectuales desarrolladas a lo largo de más de un siglo. Pero de su cantera imaginativa surgieron también historias de aventuras en parajes exóticos, dramas amorosos, sátiras del poder político o económico, gestas heroicas y tenebrosas intrigas criminales. Por no mencionar sus arquetipos de atractivo erótico y sus modelos de seducción, que influirían en los gustos de las masas.

El programa televisivo Ways of seeing, dirigido en 1972 por un jovencísimo John Berger, se propuso analizar cómo nuestros modos de ver afectan a la forma de interpretar. La serie recibió diversos premios, revolucionó la teoría del arte y fue adaptada al presente libro, convirtiéndose desde entonces en un título indispensable de la teoría del arte y de la comunicación visual. En estas páginas, Berger analiza cuatro aspectos de la interpretación de la pintura al óleo: su origen relacionado con el sentido de la propiedad, el uso continuado de la mujer como objeto pictórico, la relación entre la herencia visual de la pintura y la publicidad y, finalmente, la transformación del significado de la obra original en el marco de sus múltiples reproducciones. En esta nueva edición, minuciosamente revisada, se ha recuperado el diseño original de Richard Hollis.