¿Por qué respondemos de forma tan poderosa ante las imágenes con las que convivimos en la vida cotidiana? ¿Por qué nos comportamos como si éstas estuviesen vivas, como si tuviesen el poder de influir en nosotros, de exigirnos ciertas cosas, de persuadirnos, de seducirnos o incluso de llevarnos por el mal camino? Según W. J. T. Mitchell, no debemos considerar las imágenes sólo como objetos inertes que transmiten significado, sino como entes animados con deseos, necesidades, anhelos, exigencias e instintos propios. En este volumen, el autor explora este sorprendente planteamiento, poniendo de relieve su innovadora e influyente trayectoria en el ámbito de la teoría de la imagen.

Un estupefacto Andy Warhol no logra evitar que una joven artista catalana le arranque la peluca. Ya antes había acabado sin ella, en la unidad de urgencias, después de que Valerie Solanas, otra mujer artista, disparase contra él. Warhol, Basquiat, Blondie, estos gestos, la peluca, todos definen una época de la cultura occidental que, con ciertas licencias cronológicas, denominamos los años ochenta. David G. Torres los instala a todos en el centro de un verdadero remolino estético y conceptual. Desde Wendy O. Williams hasta Cicciolina, desde Marina Abramovic hasta Linda Benglis, desde William Burroughs hasta Keith Haring... La aparición del sida es un golpe a la libertad sexual y al mismo tiempo el final de una época signada por la imposibilidad de disociar vida y obra. "Cielo" es un trabajo rizomático sobre el compromiso como forma de integridad, un libro erudito escrito con el cuerpo. El agradecimiento sincero de un fan hacia aquellos artistas que le cambiaron la vida para siempre.

La acción de las mujeres como promotoras de arquitectura y su repercusión en las ciudades y comunidades de las sociedades antiguas y modernas constituye el tema central de este libro. Templos, capillas, monasterios, pórticos, palacios, mercados, teatros, termas, arcos, jardines, acueductos, fuentes, etc. fueron promovidos por ellas con su dinero y, a veces, en suelo de su propiedad. Las mujeres irrumpieron así en los espacios públicos, construyeron redes sociales, religiosas, políticas y culturales, manejaron ciertos engranajes de poder y formaron parte de la memoria e identidad de sus ciudades. Los estudios aquí recogidos buscan reflexionar sobre este interesante fenómeno de matronazgo, del que hay abundantes testimonios desde la Antigüedad hasta la Edad Moderna, aplicando la perspectiva de género tanto sobre el diseño y funcionamiento de las ciudades como sobre las formas de poder de las mujeres y la construcción de la memoria cívica.

El presente libro examina la evolución del arte y la crítica en Europa occidental y Norteamérica a lo largo de los últimos veinticinco años, explorando su relación dinámica con la condición general de emergencia insuflada por el neoliberalismo y la guerra contra el terrorismo. Considerando la obra de artistas como Thomas Hirschhorn, Tacita Dean e Isa Genzken, y los escritos de pensadores como Jacques Rancière, Bruno Latour y Giorgio Agamben, Hal Foster pone de manifiesto los modos en que el arte ha anticipado esta condición, en ocasiones resistiendo al colapso del contrato social o apuntando a su reparación; en otras, parodiándolo. Contra la pretensión de que el arte ha alcanzado tal grado de heterogeneidad que desafía su análisis histórico, Foster sostiene que el crítico aún tiene que escribir un relato claramente articulado de lo contemporáneo en toda su complejidad. Con este fin, ofrece diversos paradigmas del arte de estos últimos años, a los que bautiza con términos como «abyecto», «archivo», «mimético» o «precario».

En las fotografías de Madoz los objetos se alteran, se mezclan sin violencia y parecen flotar o pertenecer a lugares fuera del tiempo y la realidad. La fotografía se convierte en una forma de crear lenguaje, poesía a partir de imágenes frágiles, familiares y sorprendentes. Imágenes evocadoras que alteran nuestra percepción y se abren a los múltiples significados que encuentra el que las mira.

Walter Benjamin y Roland Barthes son, sin lugar a dudas, dos de las presencias intelectuales más relevantes del siglo XX, pero a pesar de que sus ideas han sido cruciales para entender la importancia cultural y artística de la fotografía -tanto como medio, negocio o arte-, raramente se ha planteado un estudio en el que se analizaran ambas figuras de manera comparativa y bajo una misma luz. En este ensayo, Kathrin Yacavone toma como punto de partida esa vinculación de Barthes y Benjamin con la fotografía y, a partir de la interpretación de material conocido y de nuevos documentos recientemente puestos a disposición de la comunidad intelectual, traza unas líneas de estudio que le ayudan a acercar posiciones entre ambos. A lo largo de su vida, Benjamin y Barthes mantuvieron preocupaciones similares: la paradoja que representa una fotografía -la captura de una realidad, convertida en una ficción-, y las relaciones dinámicas que presenta con cuestiones como el tiempo, la subjetividad, la memoria y la sensación de pérdida. Al trazar las líneas de conexión entre la fotografía en sí y sus interpretaciones históricas y teóricas, este libro se transforma de inmediato en una herramienta útil no sólo para quien desea abordar la fotografía como una cuestión crítica, sino para cualquier persona preocupada por saber cuáles son nuestras motivaciones para conservar, de manera artificial, nuestros más íntimos fragmentos de vida.

La fotografía analógica no está muerta, tan solo huele raro: en los últimos años ha conseguido simultanear su anunciada muerte con una inesperada resurrección. Todo sirve para hacer fotos pero, para algunos, si es con película, aunque esté caducada, mejo

Los intérpretes, las tomas, el montaje, la música de las películas, son sujetos de la filosofía del cinematógrafo formulada magistralmente en estas Notas por el realizador Robert Bresson entre los años 1950 y 1974. «Realizador o director. No se trata de dirigir a alguien, sino de dirigirse a uno mismo», dice uno de sus primeros aforismos. Las Notas compendian principios cuyas consecuencias son, como en los tratados de ética, el trabajo efectivo del autor. Este amante riguroso de la verdad ha dado lecciones de doma del lenguaje cinematográfico en su libro, compañero de viaje de catorce películas extraordinarias.

La tragedia y la polémica han marcado la vida de Roman Polanski. A principios de los 80, Polanski escribió unas memorias prematuras que ahora, treinta años después, ha decidido completar y matizar desde una perspectiva mucho más madura. Un libro nuevo en el que Polanski nos habla de la vida y de su vida, de los hechos que la han marcado y de las polémicas que lo han acorralado. Un libro único de uno de los últimos genios vivos.

A través de ocho ensayos, ilustrados con más de cuarenta fotografías, esta obra ofrece una síntesis histórica de lo acaecido en el arte durante el último medio siglo, en el cual las artes han experimentado más cambios de los sufridos en el resto de su larga historia, de modo que las antiguas categorías se han visto superadas por las vanguardias durante la modernidad, siendo claramente desbordadas y rebasadas por una serie de prácticas, técnicas y tendencias que han dado sentido al término postmodernidad.