El crecimiento de las derechas populistas, la necesidad o dependencia de las redes sociales, la vigilancia permanente «por su seguridad» o el estado de bienestar como aspiración ?para generar riqueza, no para repartirla? son algunos de los temas de los que parte Politizaciones del malestar para vislumbrar cómo se politiza el desasosiego o la angustia. Politizaciones del malestar surge de la voluntad de profundizar en el malestar desde los procesos creativos, a través de varias experiencias artísticas que perfilan el malestar en su dimensión política, colectiva, devolviendo a la sociedad lo que ésta invisibiliza. De esta manera, se combaten las promesas inalcanzables de libertad, prosperidad y felicidad en contraste con el tratamiento de los estados de ánimo que no se aceptan socialmente: tristeza, rabia, hastío, cólera, histeria; con la medicación como única alternativa. La presente muestra propone una aproximación a diferentes proyectos y acciones de los artistas Rufino Mesa, Enmedio, Virginia G. del Pino, Ulla Blanca Lima y Nora Ancarola. Se completa con las aportaciones en forma de artículos y entrevistas de Amador Fernández-Savater, Espai en Blanc, BAR Project, Martí Peran, Alfonso Levy, Laura Mercader, Manuel Delgado, Pere Salabert, Joan M. Minguet, Elsa Plaza y Tania Alba ?que analiza once proyectos artísticos más?a fin de exponer y compartir la gestión del desasosiego, de la vulnerabilidad, siendo esencial en todos ellos el proceso, el compromiso y una dimensión colaborativa.

Murillo es uno de los pintores españoles que más atención ha suscitado en la historiografía desde el siglo XVII hasta la actualidad, con valoraciones cambiantes de su obra en función de cada época. Es un artista que ha sido instrumentalizado y utilizado por la capacidad de comunicación que ha tenido y tiene su obra, algo de lo que el propio pintor fue responsable desde el mismo momento en el que se afianzó en su Sevilla natal, gozando de un prestigio en vida que consiguió gracias a los recursos de su arte, su talento y también a la habilidad para provocar emociones y despertar las pasiones. Gracias a la cultura visual y al análisis de lo que sus imágenes han sido capaces de suscitar se puede entender mejor su pintura, como si de profecías se tratara. Lo que aparentemente resulta fácil y directo no es más que el espejo de un complicado juego empático cuya única finalidad es la persuasión y seducción de un hábil conocedor de los códigos hispalenses y de los recursos que suministra la pintura. Murillo se anticipó en muchas ocasiones a las respuestas del público, realizando obras en las que el aura se impuso, abriendo el camino de su prestigio y cautivando e ilusionando a los coleccionistas que, subyugados por su lenguaje, le rindieron culto hasta el punto de hacer de su obra una religión. Con ese espíritu sus capacidades de persuasión han permanecido vigentes a lo largo de la historia, dando prueba evidente del triunfo de su obra ante el tiempo.

Mucha gente piensa que no puede dibujar porque le falta talento para ello, cuando en realidad lo que sucede es que no le han enseñado a hacerlo. En esta práctica guía se develan, paso a paso, una serie de técnicas fáciles para dibujar cualquier objeto, por personas con distinto nivel de habilidades. Aquí aprenderá a: - Adoptar una mentalidad básica para dibujar. - Dibujar en perspectiva. - Trucos y técnicas para dibujar paso a paso. - Sombrear y crear profundidad. - Crear texturas hermosas. - Ejercicios para ir ganando soltura y experiencia.

La historia de la fotografía española ha construido en las últimas cuatro décadas su propio marco de acción conceptual y metodológico, que mezcla el modelo de las historias generales con las respuestas específicas de carácter nacional y las particularidades de signo regional o local. Tras superar las lagunas historiográficas iniciales, a la nueva historia de la fotografía le compete, sobre todo, el estudio y la revisión de las fuentes y los métodos usados, actualizando enfoques, proponiendo nuevos ámbitos de debate y abriendo otras vías de análisis histórico de la fotografía como fenómeno social y cultural. Además de su función de suma y síntesis de los aspectos más significativos de la fotografía en nuestro país, ordenados a partir de una estructura cronológica que permita visualizar mejor el rastro secuencial de determinados planteamientos e ideas, " Fotografía en España (1839-2015): historia, tendencias, estéticas " propone un recorrido por los principales argumentos y discursos estéticos que han definido el desarrollo y la evolución de la fotografía española, desde sus orígenes hasta la actualidad, intentando desvelar, profundizar e interpretar los diferentes rumbos artísticos, las grandes corrientes de opinión y las estrategias críticas que, conectadas o no con los derroteros de la fotografía internacional, se han sucedido a lo largo del tiempo.

Pintora y escritora extraordinaria, pionera del surrealismo y figura crucial del arte del último siglo, Leonora Carrington tuvo una vida siempre a contracorriente, tan surrealista como su pintura. Nació en Inglaterra en una familia acomodada, de la que se fugó con apenas veinte años, y pasó temporadas en Francia, España y Portugal antes de embarcarse, junto con gran parte de su generación artística europea, rumbo a América, donde encontró una nueva vida. Una vida que, como las de Max Ernst, Marcel Duchamp, Frida Kahlo o Peggy Guggenheim, recorre gran parte de los avatares políticos y artísticos del siglo xx. Esta es su biografía más personal, escrita por su prima Joanna Moorhead, periodista inglesa que se enteró, ya de adulta, de que la famosa Leonora Carrington era familiar suya, y la acompañó durante sus últimos años.

El arte no es sino un medio para ver, para ver lo invisible en lo visible. Y Apollinaire, Picasso, Duchamp, De Chirico o Picabia encontraron en los rayos-x y la huella de su paso a través de los cuerpos un recurso analógico con que dar a ver sus visiones. Esta incursión en el arte de comienzos del siglo XX se ocupa de las resonancias del descubrimiento de los rayos-x en el pensamiento y la práctica artística de la época, planteando que, más allá de categorizaciones «ísmicas» simplificadoras y de matices propios de toda subjetividad, todos estos artistas reclamaban un realismo más profundo y dinámico que el realismo mimético canónico. Todos querían ser más realistas, superrealistas. Y encontraron en los rayos x una analogía idónea, tanto formal como procesual, de ese modo de ver y presentar la realidad en profundidad, desplegando inagotablemente nuevos horizontes de visión y de conocimiento, en la que todos ellos se empeñaron.

Yasujiro Ozu, el más japonés de los directores japoneses, sigue siendo objeto de culto. Su arte sutil y delicadísimo es literalmente venerado por directores y cinéfilos. Los textos aquí reunidos ofrecen una perspectiva inédita sobre sus películas, la

Este libro no es solo un libro sobre urbanismo o sobre arquitectura, tampoco es un libro sobre historia o poesía, no es un libro sobre viajes o literatura?, es todo esto y mucho más. Con una prosa que vaga de una idea a otra con la libertad que Kahn se otorga, nos lleva a las calles de Pompeya, pero no a una esplendorosa ciudad antigua, nos cuenta la historia de la gente común, gente que nos ha dejado legados de una vida corriente, incluso que ha tenido tiempo de dejarnos mensajes escritos en los muros de la ciudad; después nos desplaza a Oriente para contarnos cómo son las calles de Las mil y una noches, de cómo viven entre estrechos y sinuosos recorridos, no los califas, sino la gente que recorre y suda por sus calles, que se desplazan del puerto a los zocos, o la Ámsterdam de los canales, tan parecida a Venecia y a la vez tan particular, con sus comerciantes o sus artistas, y principalmente París, con sus estatuas, puentes o plazas, pero también de sus edificios, con sus cañerías, los váteres o las lámparas que iluminan los carteles que adornan sus fachadas. Las historias que Kahn nos va relatando, de amoríos imposibles o sublimes, borrachos en fiestas interminables, célebres asesinatos o timadores en busca de imprudentes transeúntes, no son inocentes, como tampoco lo son las ciudades, ya sean antiguas o modernas, la ciudad es el marco y también el escenario de la vida y en este ensayo lo que nos está invitando a hacer el autor es aprender a vivir sus calles, dejar vagar la imaginación libremente con nuestros deseos y recuerdos, ya que cada calle es un lienzo de leyenda y de crónica.

Bansky es lo más parecido al Che Guevara que nos ofrece el siglo XXI. Excepto, por lo que sabemos, que nunca cursó medicina, participó de la Revolución Cubana, ni viajó al Congo ni a Bolivia. El lector encontrará en este libro, amorosamente reunida, la única y mejor colección de fotografías del arte callejero de Banksy que jamás se haya editado. Para gran pena de todas las escuelas de arte, es probable que se recuerde a Banksy como el mejor artista británico post-milenio-depresión. Su capacidad para llamar la atención, enviar un mensaje, a menudo con una frase contundente o de sentido ambiguo, le hubiera significado un puesto altísimo en una agencia publicitaria; la pérdida para Madison Avenue es nuestra ganancia. Cuando Banksy comenzó a pintar, el panorama político era desolador.

En ¿Qué es el arte?, el autor de Guerra y paz utiliza un brillante método expositivo en el que, abandonando las estructuras narrativas, señala con claridad las tendencias, conceptos y digresiones más relevantes del arte a lo largo de la historia de l

En este volumen se recogen comentarios filosóficos -que pueden ser de mucha utilidad pedagógica- de películas que tratan el tema de los ritos. ¿Cómo no ha de ser el cine un género privilegiado para tratar los ritos si ir al cine tiene ya en sí mismo algo

Humano, provocativo y conmovedor, este libro nos habla sobre los espacios que unen a las personas y las cosas, acerca de la sexualidad,la mortalidad y las posibilidades mágicas del arte. La ciudad solitaria es un deslumbrante trabajo de biografía, memorándum y crítica cultural y una celebración de un estado extraño y encantador, alejado del continente más grande de la experiencia humana, pero intrínseco al mismo acto de estar vivo.

Cambio de siglo, República y exilio. Arte del siglo xx en España reúne un conjunto de trabajos en los que se analiza la paradójica trayectoria del arte de nuestro país, el movimiento de los artistas de vanguardia en el interior, la importancia de los que, en el exterior, protagonizan la historia del arte contemporáneo, los cambios habidos con la IIª República y las funestas «consecuencias» de la Guerra Civil y el exilio. Brihuega traza el perfil de una época azarosa y extrema para la historia de nuestras artes visuales y, en general, para nuestra cultura. archa un conjunto de esfuerzos en pro de la incorporación del arte español al ritmo de las vanguardias internacionales. Son irrupciones de carácter efímero e intermitente, que no logran abrirse paso entre la espesa inercia establecida por la cultura hegemónica y sus instrumentos, ni cuentan con la capacidad de generar el público (y la clientela) imprescindible para asegurar su continuidad. A ello se suma el hecho de que, tarde o temprano, muchos de sus protagonistas abandonan España y fijan su actividad en escenarios más propicios. Inicialmente, este movimiento de renovación consiste en un proceso de importación y emulación de las poéticas y lenguajes de la vanguardia internacional, incorporados fragmentariamente sobre la base de los lenguajes visuales operantes en España o indiscriminadamente mezclados entre sí. Poco a poco, se generó una tensión dialéctica entre esas referencias a la vanguardia foránea y la búsqueda de aquellas raíces propias, susceptibles de ser aprovechadas en una dirección renovadora. En esta tensión, cargada de contradicciones y lecturas sesgadas, radica el peculiar interés de esta «vanguardia interior».

Libro oficial de la película de Eduardo Casanova "Pieles", en su interior encontrarás el guión original, fotografías inéditas de making of y maquillaje, dibujos del storyboard realizados por el propio director, carteles descartados y mucho más. "La fo

Este libro presenta un sistema de educación corporal aplicado a la pedagogía del movimiento en general y del actor en particular a través de la metodología creativa establecida por Marta Schinca dentro de la disciplina denominada Expresión Corporal o Técnica y Expresión del Movimiento. En sus páginas puede verse cómo el método Schinca es un amplio sistema de enseñanza y creación, pues propone un vocabulario corporal claro y preciso y establece unos procedimientos de exploración y composición abiertos, es decir, que permiten la búsqueda personal. Dichos procedimientos de trabajo nada tienen que ver con protocolos de ejercicios estándar, que en sí mismos contienen unas reglas fijas que, tarde o temprano, matan la capacidad de búsqueda necesaria para crear y evolucionar. La inteligencia y a la vez dificultad del método Schinca se caracteriza por aportar una gramática propia del lenguaje corporal y un conocimiento que, en "buenas manos", se convierte en un sistema de creación infinito, planteando diversas vías de reflexión y evolución. En "buenas manos" quiere decir que el pedagogo o el director debe saber realizar la conducción del proceso de descubrimiento del alumno, ya que no se trata de leer una receta en un libro, sino de haber adquirido los conocimientos pedagógicos para impartir una metodología creativa. Esta implica no solo el dominio de la técnica sino también la capacidad del pedagogo para saber administrar las herramientas de modo que actúen como llaves capaces de conectar al estudiante con sus procesos internos, su memoria, su imaginario, en una palabra, con su creatividad y su potencialidad comunicativa. Los resultados del método aquí descrito pueden seguirse en un segundo volumen titulado Marta Schinca, precursora del teatro de movimiento. Volumen II. Análisis de espectáculos. La profesora Helena Ferrari completa en sus páginas esta aproximación al trabajo de Marta Schinca con un estudio de los montajes de su compañía y propone un sistema de construcción y análisis de espectáculos gestuales.

Cien años han pasado desde que en 1916 el grito insurreccional del dadaísmo irrumpiera en los salones del Cabaret Voltaire en Zúrich. ¿Repercutió el dadaísmo, influyó el dadaísmo en la escena literaria española? Esta es la cuestión que el presente libro trata de elucidar. El dadaísmo no se dio en nuestro país en estado puro sino dentro de la aleación ultraísta. No obstante, escritores como Rafael Lasso de la Vega publicaron versos inspirados en el caos dadá. Se celebraron veladas tumultuosas y provocativas. Además de acoger traducciones de textos dadaístas, revistas como Cervantes, Cosmópolis, Grecia o Vltra dieron puntual información del devenir del movimiento. Guillermo de Torre, en contacto directo con sus líderes, dedicó al tema bien informados análisis. No sólo el dadaísmo prendió en las revistas minoritarias, también la prensa generalista se hizo eco de sus avatares. En general, se adoptó un tono irónico para tratar de diluir sus efectos perniciosos sobre el cuerpo literario patrio. En Poetas de la nada encontrará el lector suficiente información para crear por sí mismo una fundada opinión sobre la huella que la algarada dadaísta dejó en nuestras letras. Pablo Rojas (Toledo, 1965) imparte clases de literatura española en el IES Padre Juan de Mariana de Talavera de la Reina y en el Centro Asociado de la UNED de la mis­ma ciudad. Doctor en Filología Hispánica, su tesis doctoral, defendida en 2015, recorre la trayectoria intelectual seguida por Guillermo de Torre, uno de los principales referentes del vanguardismo español. La vanguardia, precisamente, constituye una de sus principales líneas de investigación. Ha publicado artículos y reseñas en revistas especializadas como Cuaderna, Alcalibe, Docencia e Investigación, Revista de Literatura, RILCE, Monteagudo o Iberoamericana. En 2006 publicó su primer libro, Ernesto López-Parra, el ultraísta remolón. Próximamente, también en Renacimiento, aparecerá Guillermo de Torre. Por caminos y laberintos.

Con firma o desde el anonimato, los grafitis son siempre el resultado de un apasionamiento, un furor que necesita ser dicho o mostrado a todos. Las imágenes seleccionadas provienen de GRaFiTi, www.escritosenlacalle.com, una plataforma colaborativa en la que cualquiera puede subir fotos de grafitis. Esta obra reúne algunas páginas sueltas del incesante libro colectivo que se lee en las paredes de la Argentina. Disfruten.

¿De qué manera cambian los objetos? ¿Cómo se modifican desde el momento en que son diseñados y producidos hasta el momento en que son adquiridos y utilizados? Y, más aún, ¿de qué manera cambian cuando son reinventados en su forma (customizados) o en su función (rediseñados o resignificados)? Las 3R clásicas de la sustentabilidad ambiental son: Reducir, Reutilizar y Reciclar. Y generalmente se refieren al Reciclaje mecánico, el Reciclaje químico, y a la Recuperación energética. Este libro propone además otras 3R: Rediseñar, Resignificar, Reinventar.

El arte abstracto se abrió camino en España cuando, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, el Régimen se vio obligado, para subsistir, a perder parte de su retórica fascista. Frente a las tradiciones académicas, al contrario que el arte más político, lo abstracto podía situarse más allá de cualquier ideología, asumir una condición moderna (muy apreciada en las exposiciones internacionales) y enlazar con la gran tradición pictórica española, de Velázquez a Goya. Fue esto lo que propició que, durante un tiempo, la pintura abstracta fuera el arte oficial de la España franquista. Todo esto tuvo lugar en el marco del proceso de separación radical entre cultura y política que se dio en Occidente a partir de 1945, y que favoreció el espectacular reciclaje del régimen de Franco. A partir del análisis de la política expositiva, la crítica y la historiografía del arte abstracto en la España de posguerra, este libro explora las razones por las que el informalismo se consideró un movimiento artístico principal y, además, se entendió como una síntesis de las tradiciones artísticas españolas.