Reunimos en este volumen algunos de los más notables ?e inéditos? escritos de Isidoro Valcárcel Medina, muchos de ellos concebidos como intervenciones públicas. Las reflexiones que contienen arrastran un caudal de ideas ?ni manoseadas ni automáticas? que son un estímulo mayor para el pensamiento, que excede los límites del arte. Si bien Valcárcel Medina está considerado como uno de los artistas conceptuales más importantes de nuestro tiempo, quien se acerque a estos textos encontrará en ellos el fruto de un pensador que desmenuza pacientemente cada una de las cuestiones que aborda. En este libro, que ha de degustarse con pausa ?no valen aquí las prisas? se incluyen los siguientes ensayos: «Espíritu de aprendiz», «El arte económico», «Estado de sitio», «Primores de la disidencia», «La ciudad nonata», «Indicios racionales de irracionalidad» y «El seguro azar».

En el año 1895, con ocasión de la boda de su hermano Paul con una Loeb en Nueva York, Aby Warburg realizará lo que él mismo habrá de llamar «el viaje de su vida». Aburrido del ambiente neoyorquino y tras pasar por el Smithsonian Institute de Washington, centro de la etnología y la antropología de la época, Warburg se lanza hacia el oeste del continente norteamericano, a Nuevo México, con la intención de visitar a los indios hopi y asistir a sus rituales y ceremoniales. Más de veinte años después, en 1923, el material recogido entonces le servirá para pronunciar la conferencia en la clínica de Kreuzlingen dirigida por Ludwig Binswanger, «El ritual de la serpiente», que le habría de hacer célebre a pesar suyo, pues dio instrucciones precisas a su colaborador Fritz Saxl para que no se publicara nunca. A diferencia de «El ritual de la serpiente», un ensayo con un principio y un final, coherentemente construido, este libro publica las impresiones fragmentarias del historiador del arte de Hamburgo acerca de aquel desplazamiento territorial que habría de simbolizar también su constante desplazamiento disciplinar: de la historia del arte a la historia de las religiones, la antropología, la biología, etc. ¿Por qué publicar «estos materiales polvorientos» que el mismo autor no duda en definir como «la confesión de un esquizoide (incurable) registrada en los archivos de los médicos del alma»?, se pregunta Maurizio Ghelardi, el editor de Warburg en Italia, al inicio de su Introducción a este libro. El lector encontrará la respuesta en esas páginas preliminares y, sin duda, en los mismos Recuerdos de Aby Warburg.

La actriz Conchita Montes (1914-1994) rompe todas las reglas. Aunque quería ser diplomática y escritora, en el Hollywood de 1936 decide que podría dedicarse al cine y, tras un abracadabrante periplo, durante la Guerra Civil, hace realidad esta meta en la Italia de Mussolini. De vuelta a España en 1941, su relación tan apasionada como desprejuciada con Edgar Neville, su intelectualismo teñido de humor al tiempo que elabora El Damero Maldito en La Codorniz, un círculo de amistades formado por José Ortega y Gasset, Gregorio Marañón y Juan Belmonte, su pertenencia a la Academia Breve de Crítica de Arte que preside Eugenio d'Ors, la labor de adaptación de textos teatrales y su independencia a ultranza son rasgos de carácter poco frecuentes en una sociedad en el que la mayoría de las mujeres de su clase sólo aspiraban a ser «señoras de». La primera biografía de Conchita Montes reconstruye su trayectoria vital y profesional al tiempo que ofrece un retrato contra el tópico de la cultura y el humor en la España del siglo XX.

La obra de Vermeer ha originado un éxito de ventas de The New York Times, una película protagonizada por Scarlett Johansson y Colin Firth, cifras récord de visitantes en museos, desde Ámsterdam a Washington D.C., y medidas de seguridad especiales en el museo Mauritshuis, en La Haya, lugar de peregrinación al que acuden miles de personas a diario para contemplar la enigmática y encantadora Joven de la perla, también conocida como la "Mona Lisa holandesa".En vida, la fama de Johannes Vermeer (1632-1675) apenas sobrepasó las fronteras de su ciudad natal, Delft, y el reducido círculo de sus mecenas. Después de su muerte, su nombre cayó durante largo tiempo en el olvido, salvo para algunos coleccionistas y marchantes de arte holandeses. Fuera de Holanda, sus pinturas incluso se atribuyeron erróneamente a otros artistas. No fue hasta mediados del siglo XIX cuando Vermeer llamó la atención del mundo del arte internacional que, de pronto, supo admirar su precisión narrativa, la meticulosidad de los detalles de sus texturas y los planos de luz majestuosos. Habían descubierto a un genio.Esta edición en formato XL reúne el catálogo de la obra completa de Vermeer en una monografía de calidad excepcional, que presenta las escenas, sosegadas y cautivadoras al mismo tiempo, tan valoradas en galerías de toda Europa y Estados Unidos. Con nuevas fotografías de muchas de sus obras, el restringido pero profundamente evocador repertorio de situaciones domésticas de Vermeer ?alguien escribiendo una carta, tocando un instrumento o incluso preparando algo en la cocina? se despliega en un volumen de grandes dimensiones que, además, incluye tres desplegables. Numerosos detalles revelan la habilidad excepcional del artista no sólo para plasmar los usos y costumbres de la Edad de Oro holandesa, sino también para sintetizar una historia completa en un solo gesto, en una expresión o una simple mirada.

Diciembre de 1916. ?Anoche me enamoré de Amedeo Modigliani?, anota en su diario la protagonista, estudiante de pintura y modelo ocasional de los bohemios pintores de Montparnasse. Hija de familia burguesa donde impera un férreo catolicismo, es muy bella, muy dócil, muy callada; la ?niña buena? de su padre. Siente oscuros terrores: ?la muerte me ronda?. En carnaval se escapa de casa y baila desnuda para su amante. ?Me descubro bajo la mano de Amedeo Modigliani?. En su cabeza resuenan sin cesar las censuras del hermano, soldado en una guerra cruel que lo vuelve aún más ferozmente religioso. Ella miente, disimula. ?Ya no sé quién soy sin Amedeo?. Ha descubierto su cuerpo, se descubre mujer. En verano huye y se va a vivir con el artista, el bello Modi: judío, admirado y excesivo; leyenda de los montparnos, alcohólico, elegido para la gloria futura; mujeriego, arrogante y dandi. ?Éste es el hombre que amo?. Nace una hija. ?Vivo al margen de mí misma?, escribe más tarde. Y poco antes del final, en enero de 1920, afirma: ?no he tenido tiempo de ser Jeanne Hébuterne?. Una novela imprescindible, que da voz y vida a uno de los mayores iconos del arte moderno.

David Lynch realiza una original incursión en el género biográfico. Un libro magnético y particular. Espacio para soñar ofrece una mirada insólita a la vida personal y creativa del cineasta David Lynch, a través de sus propias palabras y las de sus colegas más próximos, amigos y parientes. En este libro singular, a caballo entre la biografía y las memorias, David Lynch se sincera por primera vez acerca de una vida dedicada a perseguir un imaginario único, deteniéndose en las penurias y las luchas que soportó para llevar a buen puerto sus proyectos heterodoxos. Las reflexiones de Lynch --líricas, íntimas y sin tapujos-- parten, capítulo tras capítulo, de las secciones biográficas que aporta su estrecha colaboradora Kristine McKenna, sustentadas en más de cien entrevistas inéditas con ex mujeres sorprendentemente francas, miembros de su familia, actores, agentes, músicos y colegas en todo tipo de disciplinas, cada uno con su propia versión de lo ocurrido. Espacio para soñar es un libro llamado a no perecer jamás, un pase exclusivo a las bambalinas de la vida y la mente de uno de los artistas más enigmáticos y sustancialmente originales de nuestro tiempo. La crítica ha dicho... «Si esperaban que la biografía de David Lynch fuese como cualquier otra, es que nunca han visto una de sus películas. Un libro fascinante.» The New York Times «Espacio para soñar bien podría ser el evangelio según David Lynch. Aquí hay infinidad de informaciones inéditas incluso para los más fanáticos. Y todo está contado con el formidable encanto del cineasta, una mezcla de entusiasmo juvenil y sabidurá cósmica.» The Washington Post «Las memorias de David Lynch iluminan los orígenes de su arte. El humor y las excentricidades de sus recuerdos y observaciones son uno de los innegables atractivos de este libro.» The Economist «Lynch es todo un maestro para los locos perversos e inquietantes, y también para los locos del montón.» The Sunday Times «Un libro gozosamente fuera de lo convencional. Lynch escribe como habla. Es plana y llanamente directo, alegremente profano y se entusiasma repentinamente con lo más inesperado.» The Big Issue «Descubrimos o redescubrimos aspectos singulares de su singular personalidad, todo ello desde una perspectiva honesta, algo excéntrica y también a ratos divertida y cálida. [...] A medio camino entre la biografía y las memorias, es un documento esencial para comprender mejor su a veces incomprensible universo.» Fotogramas «Para los que aman el delirio cinematográfico lynchiano. Espacio para soñar acaba por convertirse en un artefacto biográfico curioso e inevitablemente extraño.» Zenda Libros

El dolor y el sufrimiento siempre fueron acicates vitales y culturales capaces de empujar una existencia hasta lo más alto o de hundirla en el abismo más profundo, configurándose igualmente como eficientes detonantes de cualquier proceso creativo. El

Isidoro Valcárcel Medina nació en Murcia en 1937 y es sin duda uno de los artistas conceptuales españoles de mayor altura de pensamiento y visión, tierra adentro y allende los mares. La extensión de su obra tiene el valor incalculable de su intangibilidad: inmensa. El presente volumen ?compuesto por tres conversaciones que tuvieron lugar entre los años 2003 y 2017, las dos primeras en el programa La Estación de Perpiñán de la radio del Círculo de Bellas Artes de Madrid? es a la vez una introducción y un intento de ahondar en un conocimiento singularmente lógico, realista y tópico, términos que en Valcárcel Medina se acompañan de sus dobleces de sombra, humor y descoyuntamiento.

El cine es un arte y un negocio, es cultura e industria. Depositario de todo el bagaje narrativo de la literatura y del teatro, con su catálogo de temas, argumentos, formas, tópicos, motivos, convenciones, géneros, personajes y fuentes. Además de un producto de entretenimiento, es un medio de expresión e información que, como tal, puede suponer tanto una oportunidad como un riesgo, un altavoz para la propaganda o una amenaza para el statu quo imperante. Propuesta referencial, lúcida y rigurosa, torrencial y solaz, Hermosas mentiras nos enfrenta a la realidad de que, por muy banal o neutra que aspire a parecer, ninguna película es del todo inocua.

Por su extensa trayectoria nacional e internacional y por la originalidad y el carácter trasgresor de sus puestas en escena, Calixto Bieito está considerado uno de los directores de escena españoles de mayor prestigio. Para acercarnos a su poética se analizan diez de sus espectáculos: La verbena de la Paloma (1996), La profesión de la señora Warren (1996), La casa de Bernarda Alba (1998), La vida es sueño (2000), Macbeth (2002), La ópera de cuatro cuartos (2002), El rey Lear (2004), Plataforma (2006), Los persas (2007) y Don Carlos (2009). Aunque, como puede observarse, la mayoría de los montajes de Calixto Bieito parten de textos pertenecientes al canon clásico, su revisión de los temas eternos pasa siempre por el filtro de la actualidad y la contemporaneidad; habla y comparte sus postulados con el receptor contemporáneo. Esto le ha valido la acusación de que utiliza y manipula los textos al tiránico servicio de su propuesta ideológica, pero en estas páginas puede comprobarse que su dramaturgia es fiel a la obra literaria fuente. En concreto, el análisis de los espectáculos identifica los elementos que intervienen en el resultado escénico, clasifica y desarrolla las claves escénicas del director y justifica que la poética de Calixto Bieito se halle entre las propuestas más creativas e innovadoras dentro de la historia de la puesta en escena española contemporánea y del contexto europeo del Regietheater. Sus espectáculos han creado tendencia, han abierto puertas a sucesivas generaciones y han impulsado la renovación de los criterios de programación de teatros y festivales. Begoña Gómez Sánchez es doctora en Humanidades por la Universidad Carlos III de Madrid y titulada superior en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga. Docente de la Universidad Internacional de La Rioja (UNIR) del máster en Estudios avanzados de Teatro, ha sido profesora de Dramaturgia y Crítica teatral en la RESAD. Sus investigaciones, centradas en la puesta en escena española contemporánea, han sido difundidas en congresos y seminarios nacionales e internacionales y publicadas en revistas científicas literarias y teatrales.

A Max Weber le debemos la famosa frase segu?n la cual la poli?tica seri?a «un ene?rgico y lento taladrar de duras tablas con pasio?n y tino». Partiendo de ella, Kluge examina en 133 textos los instrumentos de que disponen quienes actu?an poli?ticamente en la dura lucha por el poder. Sin duda, el taladro de Max Weber resulta una imagen adecuada para la tenacidad inteligente como condicio?n del cambio poli?tico. Pero, ¿que? es un martillo en el quehacer poli?tico? ¿Que? significa «me?todo fino»? En definitiva, ¿que? es lo «poli?tico»? La poli?tica es un estado de agregacio?n especial de sentimientos cotidianos. Esta? en todas partes. Mueve tanto las trayectorias privadas como la esfera pu?blica. Y asi?, en su historia, junto a los grandes personajes se afirman tambie?n los pequen?os, desconocidos, casi ano?nimos protagonistas de la poli?tica. Alexander Kluge borda aqui? un lu?cido ana?lisis en 133 miniaturas sobre la indestructibilidad de lo poli?tico y su presencia en lo cotidiano.

Según Paul Kantner, guitarrista y fundador del grupo de San Francisco Jefferson Airplane, «si alguien recuerda algo de los años sesenta, es que no los vivió?». Afortunadamente, Kantner se equivocaba y, de entre la bruma de la resaca producida por la marihuana, el LSD y los miles de conciertos, son muchos los protagonistas de esa década mítica que han logrado recordar y transmitir retazos fundamentales de sus vivencias para componer una historia parcial de la era beat, a la que este volumen aspira a contribuir de forma decisiva. Tomando como punto de partida la asombrosa colección de discos, carteles y publicaciones de la época reunida por Zdenek Primus, el propo?sito de este libro es doble: por un lado, revisar la aportación de la psicodelia y el hippismo a nuestro universo visual a través, fundamentalmente, del análisis de las portadas de disco y los carteles de los conciertos de los grupos de música beat, cuyos exuberantes disen?os firmaron, en ocasiones, artistas como Wes Wilson, Víctor Moscoso o incluso Andy Warhol. Por otro lado, se ofrece una aproximación visceral y apasionada de los movimientos juveniles que dieron luz a esta contracultura, en dos lugares tan distintos de la California del flower power como la España franquista ?con textos de Mariano Antoli?n Rato, Patricia Godes o Juan Pablo Silvestre? o la Checoslovaquia del otro lado del Telón de Acero, con los apasionantes relatos de dos jóvenes beatniks checos en la época de la primavera de Praga (y de su posterior aplastamiento por parte del ejército soviético).

EDITORIAL: OLIFANTE EDICIONES Perdidos. Un lugar para encontrar es un proyecto del fotógrafo Demian Ortiz, donde reúne retratos fotográficos de noventa reconocidos autores del panorama literario español contemporáneo. Editado por Olifante, en su nueva

En el presente texto, pensado como un manual, Sixto J. Castro detalla sus desarrollos con respecto a cuestiones de estética y el papel que ejercen en su pensamiento el arte, la belleza y los objetos que habitualmente caen en aquel campo de estudio. En l

"Hace cuatro décadas, Peter Bürger publicó su Teoría de la vanguardia, un libro de culto, concentrado en las dos tareas más importantes que demandaba entonces el arte: romper la representación y disolver la frontera que lo separaba de la vida. Fracasar en esta doble empresa habría certificado, según Bürger, la derrota de la vanguardia y quizá algo peor: su imposibilidad. Cuarenta años después, Teoría de la retaguardia es un manifiesto irónico surgido de ese fiasco, aunque no pierde el tiempo ni lamentándolo ni maquillándolo. Sobre todo porque aquí se entiende que nuestra época no está marcada por la distancia entre el arte y la vida, sino por una tensión entre el arte y la supervivencia, que es la continuación de la vida por cualquier medio. En el malestar que brota de esa supervivencia, Teoría de la retaguardia sospecha de un arte que va dejando sus esquirlas en la política, la iconografía o la literatura, ámbitos desde los que regresa cada vez más maltrecho a su Ítaca de siempre: el museo. Desde ese viaje de ida y vuelta, este ensayo mordaz y austero -en el que se tropiezan Duchamp con La Lupe, la revolución con el museo, Paul Virilio con Joan Fontcuberta o Fukuyama con Michael Jackson- se pregunta si el Arte Contemporáneo no se acaba nunca. Porque si fuera mortal, entonces habría que escribirle un final. "