El 18 de julio de 1936, tras conocer la noticia del alzamiento, la bailarina y bailaora española apodada la Argentina, admirada en todo el mundo, sufre un síncope y muere. Tiene 46 años y un don para hacer suya no solo la historia de la danza, sino la propia historia. Ese día se quiebra la Segunda República y se quiebra la artista. Isabel de Naverán persigue, a partir de la investigación y de las fotografías, el eco de esa convulsión individual que contiene, de forma representativa y simbólica, el dolor colectivo que se avecinaba y que ha resonado, en distintos momentos y de distintas maneras, a través artistas muy dispares de las siguientes generaciones: los japoneses Kazuo Ohno, que recuperó su danza cincuenta años después de haberla visto bailar, y Takao Kawaguchi, la bailaora Rocío Molina o la escritora Gertrude Stein, entre otros.

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Hollywood era un misterio para el gran público cuando, en 1950, Lillian Ross se empotró en el rodaje de la película "Medalla roja al valor", dirigida por John HustonEl agudo instinto de observación de la periodista estrella de The New Yorker encontró en las tripas de la industria del cine un drama fascinante de personajes, egos y conflictos. «Era como una novela desplegándose ante mí», recordaría entusiasmada Ross en sus memorias.A las complicaciones tradicionales de un rodaje (evocadas con un desesperado sentido del humor por Álex de la Iglesia en el prólogo de este libro) se sumaron el desafío logístico que implicaban las escenas bélicas con cientos de figurantes y las interferencias del director del estudio, Louis B. Mayer, que nunca vio con buenos ojos la sutileza de cine de autor con la que Huston abordaba una gran producción de género bélico.Picture es la novela de un fracaso anunciado, un manual práctico sobre el verdadero proceso de rodaje de una película, un tratado sobre el inevitable conflicto entre arte y negocio. Todo ello construido con esas técnicas narrativas prodigiosas que tanto admiraba Hemingway de Ross, la gran pionera del periodismo literario: escritura ligera, elegante y lúcida, habilidad para la descripción de personajes y el talento, apoyado por una memoria sobrenatural, para reproducir los diálogos cazados al vuelo.En este libro disfrutón y jugoso, lleno de chismes y personajes fascinantes, descubrimos un poso de amargura. Ross es testigo de la vida en la selva […]. En esta jungla de celuloide, donde Ross se pasea armada con su máquina de escribir, las fieras rugen, pero no la asustan. Ella será la que, con el paso de los años, los diseccione fríamente en su sala de autopsias y nos los entregue cumplidamente disecados en este extraordinario libro (del prólogo de Álex de la Iglesia).

Este libro alberga muchos deseos y esperanzas: aborda la necesidad de visualizar mundos, de ejercer contrapoder y empoderar a la ciudadaní­a, de utilizar toda nuestra creatividad artí­stica y educativa para procurar el cambio y el desarrollo social. Se trata, en resumidas cuentas, de comprometernos con la transformación de la sociedad y de visualizar que existen prácticas educativas que llenan de esperanza, a través de las artes y la imagen, por y para el desarrollo. Si no visualizamos contextos educativos que están orientados a la transformación social, no lo lograremos. Lo que no se ve no existe.

La colección IMPRENTA DINÁMICA, puesta en circulación por DAMA (Derechos de Autor y Medios Audiovisuales) y ECAM (Escuela de Cine y Audiovisuales de la Comunidad de Madrid), en colaboración con la revista Caimán CdC, ofrece con este volumen un recorrido –tan pedagógico como incisivo– por la historia del lenguaje cinematográfico siguiendo el camino que alumbran los grandes maestros: Edwin S. Porter, David W. Griffith, Fritz Lang, Jean Renoir, King Vidor, Jacques Tati, Robert Bresson, Stanley Kubrick y Paul Thomas Anderson. El itinerario pone al descubierto las principales herramientas de la puesta en escena cinematográfica y ofrece deslumbrantes ejemplos de la libertad creativa con la que se puede utilizar mediante un estudio en profundidad de las siguientes películas: Blacksmith Scene (William K. Dickson), The Gay Shoe Clerk (Edwin S. Porter), The Country Doctor y Lirios rotos (David W. Griffith), Los nibelungos y M (Fritz Lang), El último (Friedrich W. Murnau), Una partida de campo (Jean Renoir), Duelo al sol (King Vidor), Mi tío (Jacques Tati), Mouchette (Robert Bresson), La chaqueta metálica (Stanley Kubrick) y Embriagado de amor (Paul Thomas Anderson).

Lo bello está siempre enfrente, en todas partes, a todas horas. Se extiende sobre los cuerpos, el ocio y las pantallas hasta saturar nuestro campo de visión. Lo buscamos con avidez y lo encontramos como una segunda piel que define nuestra forma de relacionarnos con lo real. Contra el exceso cegador de un mundo completamente estetizado, Pablo Caldera reivindica una mirada que atienda a sus sombras, sus vacíos y sus lapsus. Una mirada antiestética. El fracaso de lo bello da cuenta de la lenta muerte de una crítica carcomida por la precariedad y sin margen para desligarse del ritmo que impone la industria y su incesante producción de novedades. La alternativa que propone este libro es un tipo de crítica ágil, capaz de evidenciar los puntos ciegos de la estética e identificar los síntomas de la cultura contemporánea. Audaz como para ver la ideología que esconde un osito de peluche o detectar en el nuevo cine cruel un tipo de espectador que percibe la violencia sin implicarse en ella. Con una prosa imaginativa, híbrida entre la teoría, la sátira y la fabulación, Pablo Caldera da forma a un ensayo fundacional que revitaliza la manera de pensar y escribir sobre el arte y el cine. «Ahora, cuando el Ártico se deshiela y el panorama de contemplación que nos rodea se transforma en un limbo entre lo analógico y lo digital –entre lo político y lo pospolítico–, se hace tanto más necesaria una inflexión como la que se presenta en este libro, que muestra los vacíos de la disciplina y “los espacios en blanco del gusto común”». _Eloy Fernández Porta

Existe un malestar de los museos, creciente y variado: existe el malestar físico, el de las interminables colas, el de la muchedumbre agitada que se agolpa ante cuadros cuya historia, significado y trascendencia ignora, el de los empujones, los ruidos y las cámaras de fotos; y existe otro malestar de los museos, más profundo y grave, que lo acompaña: el de su función desvirtuada por la deriva mercantil y consumista de la que el museo se ha convertido en estandarte, el de la vacuidad de sus fastuosas arquitecturas, el de la pérdida del valor pedagógico de sus colecciones ?o del arte en último término?, el de la perversa negligencia del Estado respecto a sus obligaciones hacia el patrimonio cultural, compartido y universal. Jean Clair, antiguo conservador del Museo Picasso de París, y con una larga trayectoria del más alto nivel en la museística internacional, desvela en esta obra las razones de ese malestar físico e ideológico, desde el imperio Guggenheim y su modelo expansionista de «museos emporio» hasta el desamparo en que se encuentran gran número de museos de enorme valor que han sido abandonados por las administraciones públicas, para culminar con el malestar absoluto, museístico, cultural, político y también físico, del proyecto de construcción de un Museo del Louvre en Abu Dabi, con la cesión de colecciones públicas y acompañado de resorts y playas artificiales, cuyo alcance es de tal envergadura que pone en cuestión la esencia misma de los museos como baluartes del patrimonio cultural de nuestras sociedades. Un malestar, en fin, sobre el que hoy resulta alarmante que no se medite, pero que, de forma incomprensible, no ocupa ni a los medios, ni a los especialistas, ni, en particular, a las propias administraciones públicas, y al que esta obra, escrita con la pasión y la erudición de quien ha entregado fervorosamente su vida al museo, desnuda y da voz, no para buscar conmiseración, sino para encontrar soluciones.

La visión fotográfica´ es un curso para jóvenes fotógrafos, entendidos éstos como grandes aficionados que desean comenzar o adentrarse en el apasionante mundo de la fotografía como medio de expresión y de creación.

El artista holandés Constant Nieuwenhuys (1920-2005), conocido simplemente como Constant, concibió entre 1956 y 1974 una de las utopías más audaces del siglo XX. Su proyecto "New-Babylon" esbozaba el sueño de un hábitat artificial para una humanidad nómada, completamente libre para vivir donde quisiera y como quisiera. En esa sociedad liberada de la necesidad de trabajar gracias a las máquinas, los neobabilonios podrían dedicar todo su tiempo al juego y al desarrollo pleno de su creatividad. Con este nuevo diseño se superarían los problemas derivados de la concepción de las ciudades y de los dos sistemas económicos enfrentados del capitalismo y el "socialismo real". Esta original utopía, que desafiaba todas las convenciones del urbanismo y de la arquitectura de su época, creció en el clima idealista de los años sesenta y tuvo mucho que ver con los intelectuales que inspiraron la revuelta estudiantil de Mayo del 68. Constant plasmó su idea en una extensa obra artística; pero también en un manuscrito que había permanecido inédito hasta ahora y que se publica por primera vez, en castellano, con un estudio introductorio que lo sitúa en las coordenadas de su tiempo. Sin duda, muchas de las ideas que plantea siguen siendo válidas en nuestros días.

Este texto, que Radovan Ivsic quiso póstumo, evoca el último mes de la vida de André Breton. Más allá del testimonio lleno de rigor, es la ocasión para Ivsic de interrogarse sobre su propia trayectoria, recorriendo de nuevo los imprevisibles caminos que se hallan en el origen del encuentro de ambos, diez años antes, en el París libertario de la década de los 50.

Es esta, y no otra, proclámese con toda la pompa, la autobiografía autorizada por sus autores –y desautorizada por sus protagonistas y delatores–: la oficial, la jibarizada, la más asequible y, sin duda, “completamente diferente” a cualquier edición anterior de la misma. Un feliz arrebato de impudicia testamentaria que da noticia, a menudo con versiones de lo más contradictorias y dispares, de cuanto brotó de las muy enfermas mentes de tan mal avenido, irrepetible y añorado sexteto. Cuenta la leyenda que en 1969 d. B. (después de Brian), seis ingleses (bueno, uno era galés… y se coló en el cenáculo también un polizonte estadounidense) se dieron cita en el restaurante Light of Kashmir de Hampstead, en Londres, para acometer la redacción a doce manos del guion de una comedia televisiva por encargo de la BBC. Para tan noble fin decidieron escudarse tras la figura de un imaginario agente teatral sin escrúpulos, poco fiable y no menos fanfarrón que atendería al nombre de Monty Python. Y «se armó la gorda». Monty Python's Flying Circus, desopilante serie zurcida a base de ingeniosas recreaciones, bullas inconexas, delirantes barbaridades y toda suerte de inanidades y animaciones preinfográficas, deformó, trituró y reescribió las reglas de la comedia televisiva británica, ahí es nada; y aún hoy en día, cuatrocientos años más tarde (bueno, poco menos de cincuenta, en realidad), sigue hablándose de semejante disturbio cómico en el universo mundo. A los célebres duelos futbolísticos entre las selecciones de meditabundos filósofos (griegos y alemanes), las recreaciones de grandes batallas interpretadas por aguerridas y muy respetables ancianas, y a la venta fraudulenta de animales domésticos difuntos, seguirían sus no menos célebres incursiones en el mundo del celuloide con Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores, La Vida de Brian o El sentido de la vida. He aquí, en sus propias palabras, y con furtivos extractos de sus diarios, la historia completa de tan infame y genial compañía teatral.