Éste no es un libro al uso sobre París. Lo que Ilya Ehrenburg nos muestra aquí (en sus textos y en sus fotografías) huye de la imagen ideal, prototípica y, por ello mismo, ficticia de esta ciudad. El visor de su Leica no busca los grandes monumentos, ni los edificios más imponentes, ni los personajes más notorios de la época. Su pluma no se detiene en el lugar común, ni se recrea en la belleza manida o en el panorama aconsejado por la típica guía de viajes. Aquí no hay decorados. Tampoco hay turistas en el París de Ehrenburg. Mi París se ocupa de lo más personal e intransferible de una ciudad: su vida.

Éste no es un libro de arquitectura. Es cierto que en sus páginas el lector encontrara profusión de enseñanzas sobre el arte de crear edificios, porque el texto nació como un ensayo sobre conceptos arquitectónicos. Pero en la obra maestra de Ruskin hay mucho más. Para el gran esteta inglés, en la arquitectura estaba “el principio de las artes”, que el resto de bellas artes, como la pintura o la escultura, debían seguir en “modo y método”. Por eso, al sentar las bases de una nueva forma de entender la arquitectura. Ruskin abrió el camino a una nueva manera de hacer arte.

Este libro es una obra esencial y detallada que documenta la historia de la fotografía a través de una serie de “ismos”, corrientes conectadas entre sí, grupos, temas y movimientos que arrancan con la invención de los primeros procesos fotográficos yllegan a la era posinternet. '…ismos. Para entender la fotografía' sigue un orden cronológico para ofrecer así una guía concisa, amena y accesible, pero con una perspectiva académica y una amplitud internacional que permite conocer los movimientos, los temas y a los fotógrafos más relevantes de los últimos 170 años. Del retrato de estudio al fotoperiodismo, de la publicidad al arte conceptual, y siempre con el apoyo de las imágenes, aquí se reúnen los estilos, géneros y momentos históricos más relevantes de este arte. En esta época, en la que la fotografía tiene una presencia y despierta un interés como nunca antes había conocido, '…ismos. Para entender la fotografía' nos permite profundizar en ella de un modo claro y abierto a todos los lectores.

Según el director de teatro Declan Donnellan, no existen actores o actrices con más o menos talento, sino intérpretes más o menos bloqueados. El desbloqueo es un paso indispensable para afrontar con éxito los retos escénicos. Desgraciadamente, en no pocas ocasiones, directores y docentes intentan enmendar la interpretación de actores, músicos y bailarines con pautas de corrección que acaban anulando la confianza de la persona que las recibe. En este libro, el lector descubrirá los principales factores de bloqueo en las artes escénicas, y el porqué de su aparición. En un tono a la vez ameno y riguroso, el autor proporciona recomendaciones prácticas, útiles ejercicios y estrategias concretas que facilitan su superación. Raimon Àvila estudió danza contemporánea en el Institut del Teatre de Barcelona, y en la escuela Mudra, de Maurice Béjart, en Bruselas. Desde 1988 imparte clases de Técnicas de Conciencia Corporal y Movimiento en la Escuela Superior de Arte Dramático del Institut del Teatre de Barcelona, así como en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC). Ha escrito, estrenado y publicado varias obras de teatro y es un galardonado poeta, además de ensayista. Entre sus trabajos más renombrados están la coreografía y dirección de parte de la ceremonia de los Juegos Olímpicos de 1992 y su labor como director del trabajo de final de grado del ESMUC El mal querer, de la cantante Rosalía.

El libro que tienes entre las manos es una auténtica crónica gráfica de una época: la del dibujante palestino comprometido con su pueblo, asesinado en Londres en 1987, Nayi al-Ali, creador de uno de los iconos mas reconocibles de la resistencia palestina: “Lleva la cabeza gacha y las manos entrelazadas a la espalda en postura de pensador peripatético pero no es un sabio sino un niño; tiene entre diez y once años, la edad que tenía su autor cuando salió de Palestina. Porque Handala, así se llama, es una viñeta creada por Nayi al-Ali o quizá por el niño que vivía en el adulto Nayi al-Ali y que siempre tuvo entre diez y once años, los que tenía cuando fue expulsado de su pueblo, su vida, los paisajes de su infancia…Y se convirtió en refugiado. Un niño de Palestina”

Fundada en la ciudad de Weimar en 1919, la Escuela de la Bauhaus produjo en sus escasos catorce años de existencia un enorme acervo en muy distintos ámbitos, desde la arquitectura al diseño, pasando por la tipografía o la fotografía. Su apuesta por la obra de arte total, superadora de las separaciones entre las artes y las técnicas, entre la naturaleza y la cultura, entre lo individual y lo colectivo, tuvo quizá su manifestación más poderosa en el mundo del teatro.

* ¡Los bailarines del Ballet Bauhaus te dan la bienvenida a su espectáculo desplegable! Abre y descubre esta celebración del color, la forma y el movimiento, inspirada en el Ballet Triádico de Oskar Schlemmer. Una danza de coloridas formas geométricas que explora de manera desenfadada la relación entre el cuerpo y el espacio y así desafían y limitan a los bailarines. El pintor, escultor y coreógrafo modernista alemán Oskar Schlemmer creó el Ballet Bauhaus en 1922. El Ballet Triádico de Schlemmer estaba a años luz de los delicados tutús y la coreografía del ballet tradicional. El espectáculo de vanguardia estaba protagonizado por tres bailarines, 12 movimientos y 18 trajes escultóricos muy llamativos. El legado de Schlemmer perdura en nuestros días. Sus diseños influyeron en creadores y artistas como David Bowie o Alexander McQueen, e inspiraron a la ilustradora Lesley Barnes para crear este libro desplegable.

Esta publicación es un dispositivo del proyecto Fiestas Raras, una contribución con la que abrir nuevas fugas en torno a lo raro, la fiesta y el espacio público. Son voces y reflexiones sobre la potencia de pensar el espacio público desde lo no normativo, o lo raro como forma de tensión de lo canónico y la fiesta como dispositivo de encuentro desde el cual tejer alianzas. Esta publicación es una verbena de textos, no hay una linealidad sino un conjunto de fugas y lecturas paralelas que se encuentran y desencuentran, que traman cruces y tránsitos entre la fiesta, lo no normativo y el espacio público

Como en cualquier relación humana, la conflictividad ha sido y es parte inherente de la dinámica laboral. El cine, reflejo, de la vida y de la historia, no ha sido ajeno a este tipo de conflicto mostrando, a menudo en forma de denuncia, los abusos y enfrentamientos entre patronal y trabajadores, el nacimiento y la evolución de la lucha obrera y la conciencia sindical, el drama del desempleo o las distintas conquistas: raciales, de género y de identidad sexual dentro del espacio laboral. Este volumen viene a suplir un hueco en el panorama bibliográfico en español, donde hasta ahora no existía un análisis tan exhaustivo de la conflictividad laboral en el cine pasado y presente, con una mirada también a la evolución de la mentalidad y las relaciones de trabajo a través de su representación en el celuloide. Dividido en cinco partes, se centra primero en las nociones básicas del movimiento sindical, para a continuación analizar el fenómeno de este tipo de filmes junto a los que muestran el enfrentamiento laboral y sus causas; el episodio cuarto expone las etapas en la historia moderna y contemporánea del movimiento obrero, y estudia sus manifestaciones cinematográficas en una pluralidad de épocas y países. Termina con un análisis pormenorizado de 212 películas, –ficha técnica, sinopsis, y estudio de los elementos formales y argumentales con relación al conflicto laboral–, que constituye un utilísimo catálogo y obra referencial que puede consultarse al margen de la lectura completa del libro.

Un exhaustivo estudio de los más de cien años de cine, desde las grandes producciones a las películas más desconocidas. Un viaje en el que la mirada sobre las mujeres ha condicionado, no solo a estas, sino también al conjunto de la sociedad Este libro está dividido en dos partes. En la primera se hace un recorrido por cómo han sido retratadas las mujeres en las películas a lo largo de la historia del cine. Desde los primeros años hasta el día de hoy, donde los personajes femeninos han ido evolucionando de meros objetos dentro de una película a ir paulatinamente adquiriendo protagonismo por sí mismas y no como parte de una trama pensada para hombres. La autora nos habla de una sociedad en la que una industria tan relevante ha mantenido un discurso en el que se ignoraba a las mujeres, sus deseos, sus pasiones, sus sentimientos, problema que generaba en gran medida poca o ninguna posibilidad de que las mujeres pudieran verse reflejadas, o identificadas, con las protagonistas de las películas que inundaban las salas de cine, y esa falta de referentes ha sido, y aún sigue siendo en algunos ámbitos, un problema que toda sociedad moderna y libre debe enfrentar y subsanar. La segunda parte del libro hace una revisión de las biografías fílmicas de mujeres históricas, la forma en las que han sido retratadas, comparando los méritos de cada una desde el punto de vista histórico y cómo han sido estas llevadas al cine. En muchos casos nos encontramos con aspectos ignorados, por lo que podríamos llamar «poco femeninos»; en otros casos se manipulan estas vidas para minimizar la importancia de estas mujeres y fortalecer a los hombres que las acompañaban. En no pocos casos los propios críticos cinematográficos, en prensa o libros, denostaban estas películas como «películas para mujeres». Analizar los grandes clásicos del cine desde la óptica de una mujer que busca referentes en historias de otras mujeres, ya sean ficticias o reales, es un trabajo que nos demuestra que hay aún mucho trabajo por hacer, pero, sobre todo, que no nos podemos conformar nunca con lo que se ha conquistado en cuanto a derechos, presencia o importancia.

Si María Gainza ya es conocida para el lector español, lo es por el reciente éxito de su fascinante 'El nervio óptico' (Anagrama, 2017), pero en Argentina llevaba ya toda una vida de escritura de textos sobre arte, con ese estilo suyo tan singular, intrigante y poco académico. En este libro se reúnen más de treinta de sus preciosas piezas sobre artistas, inéditas hasta ahora en España. "Sus puntos de partida son exhibiciones, pero éstas se transforman de inmediato en algo más amplio: en un termómetro cultural. Es una de las lecciones – ¿acaso involuntarias?– de este libro: todas las obras conviven en un mismo momento, en un mismo horizonte, formando un gran mosaico de estéticas que se potencian incluso molestándose o ignorándose. Sin notas al pie, sin un pesado cúmulo de bibliografías que vengan a sostener un aparato crítico, agradecemos que aún existan quienes posean tal maestría en la elipsis." (Del prólogo de Rafael Cippolini)

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