El libro Salvador Dalí. Fotografía y delirio indaga en la relación del genio ampurdanés con la fotografía y cómo, gracias a ella, se convirtió en el primer influencer de la historia, el primero en ser consciente de la importancia de la fotografía para promocionar su obra y su propia persona. El volumen describe su pasión por esta disciplina, desde el momento en que descubrió en su infancia el poder de la imagen hasta su acercamiento a la gran fotografía artística en el París bohemio de los treinta, pasando por la etapa en que experimentó conceptualmente con la fotografía para incluirla en su obra pictórica. El libro reúne imágenes, testimonios de contemporáneos, jugosas anécdotas y textos del propio artista, y conforma un volumen imprescindible para conocer al personaje icónico que siempre quiso ser y aún es Dalí.

¿Qué pintan las iniciales SPQR en las tapas de las alcantarillas de Roma? ¿Y la Loba Capitolina en el escudo de un equipo de fútbol? ¿Qué mueve a la gente a ofrendar flores a Julio César en pleno siglo XXI? ¿Acaso un vino con nombre de dios sabe mejor? ¿Por qué esa obsesión de los turistas por hacerse selfies con centuriones ante el Coliseo? SPQR now es un recorrido inusual por las calles de Roma. Un tour que no tiene parada obligatoria en los grandes monumentos y museos arqueológicos, sino que se recrea en las representaciones que, desde el presente, se hacen del pasado antiguo.

Caravaggio, o para ser más exactos Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), siempre fue una figura de relevancia. El artista, considerado un rebelde de la pintura italiana, fue a la vez alabado y vapuleado. De temperamento violento y técnica precisa, fue un maestro creativo y un fugitivo de la justicia. En la actualidad se le considera una de las figuras más influyentes de toda la historia del arte.Esta edición de Bibliotheca Universalis ofrece un ordenado pero exhaustivo catalogue raisonné (catálogo exhaustivo, con todas las obras conocidas) de Caravaggio. Todas sus pinturas se reproducen a partir de fotografías recientes de gran calidad que permiten disfrutar en primera persona del genial repertorio de miradas y gestos del artista y de numerosos detalles de ese personal realismo que traspasaba límites. Los cinco capítulos que lo completan recorren toda la trayectoria de Caravaggio, desde sus primeros encargos públicos en Roma hasta el punto más alto de su celebridad. Asimismo, la detallada cronología del libro repasa su tempestuosa vida personal, en la que lo trágico tuvo el mismo protagonismo que los claroscuros en sus lienzos.Sobre la serieBibliotheca Universalis – Compañeros culturales en formato compacto para celebrar el universo ecléctico de TASCHEN.

Paula Barreiro ha estudiado la crítica de arte y el arte de vanguardia en los años 1940-1975-76 desde dos perspectivas fundamentales: analiza con minuciosidad y rigor el desarrollo de la crítica de arte en España en el marco del contexto social y político, con especial atención a la complejidad de los problemas suscitados por la naturaleza de este contexto, y lo hace situando esta crítica en el ámbito de la crítica de arte internacional, con especial atención a la italiana, evitando de esta manera una mirada de otra forma elemental.

La constitución de los valores artísticos resulta de la articulación del campo artístico y el mercado. En el campo artístico se producen y se revisan las evaluaciones estéticas; en el mercado se realizan las transacciones y se elaboran los precios. Si bien cada uno de ellos tiene su propio sistema para establecer el valor, ambos mantienen una relación de estrecha interdependencia. Frente a las transformaciones económicas y artísticas que se produjeron desde fines del s. XIX, los mercados del arte catalogado -antiguo y moderno- así como el mercado del arte contemporáneo tienen ante sí nuevos desafíos. ¿Qué efectos ejercen los nuevos soportes que suponen la multiplicación y la desmaterialización de las obras?

Cumplido un año de la muerte de Genovés en plena pandemia, esta biografía reivindica su papel trasformador y combativo tanto en el arte como en la política, con una incansable dedicación a su trabajo como “obrero de su oficio”, guiado por sus profundas convicciones democráticas y su conciencia ciudadana. Este ensayo es resultado de un trabajo de “taller” que los tres autores han desarrollado, no sin dificultad, tras la recopilación de materiales de archivo, publicaciones, declaraciones, y sobre todo de entrevistas y conversaciones con el propio pintor, su familia y su entorno. El artista en primera persona, en muchos casos, desgrana su vida, sus inquietudes, sus logros y sus frustraciones a lo largo de todo el libro, haciendo de este un híbrido entre la biografía y el relato autobiográfico.

Esta es la crónica de una mudanza. Del texto a la acción. De la página al cuerpo, de la palabra al espacio, de la frase al suceso, de la ficción a la vida escenificada. Los ensayos aquí reunidos son la constatación del deseo de tocar las palabras, gaseosas y volubles. Este sugerente libro es un ejercicio de crítica de arte que es una obra de arte que se puede leer como una novela. Al recorrer sus páginas nos encontramos ante el campo expandido de una literatura sin palabras, una literatura de acciones. Un espacio habitado por figuras amblíopes y zurdas, movilizadas por la hoja en blanco o habitando el mundo literario por el patio de atrás. Cinco o seis (si incluimos a la autora) personajes (¿escritores o artistas visuales?) en su viaje constante al exterior y al interior de sí mismos. Este es el collage de las obras y semblanzas de Vito Acconci, Ulises Carrión, Sophie Calle (fabulada por la narración del escritor Paul Auster), Marcel Broodthaers y Öyvind Fahlström. La artista mexicana que escribe, Verónica Gerber Bicecci, ha decidido responder así a las preguntas que se ha hecho en su propio tránsito creativo. Los acompaña para contar sus vidas reales e imaginarias. Para revelarlos en sus transgresoras mudanzas. Este libro nos entrega un mapa — imaginario y posible— y una genealogía —singular y múltiple— que descubre nuevas maneras de recorrer el lenguaje y sus orillas.

Entrevistas de ultratumba brinda a escritores de carne y hueso el raro privilegio de conversar con personajes históricos con los que siempre han deseado regalarse una buena charla. Si en vida (de los entrevistados) difícil fue conseguir audiencia —especialmente con los que vivieron en otros tiempos— no mucho más sencillo resulta invocarlos y que te concedan su atención desde el más allá para semejante despropósito ahora. De ahí que, tras consumarse tamañas proezas, nos hayamos propuesto consignar aquí la transcripción de tan sobrenaturales indiscreciones con toda suerte de reyertas póstumas, multitudinarios soliloquios, fuegos (y ruegos) fatuos, confidencias a plumilla (y a cuchilla), sonrojantes confesiones, autos de fe (y de fake), necrofonías paraperiodísticas, inmisericordes interrogatorios, censurables psicofonías, coloquios autolaudatorios, penitencias a capela, imposturas extracorpóreas, pláticas delirantes, entrañables necrofilias, inoportunas ficciones, inopinadas reivindicaciones, fraudes veraces, exabruptos impublicables (en vida) y sórdidos cotilleos registrados para tal fin por tan ilustre nómina de entrevistadores: Andreu Jaume entrevista a Jaime Gil de Biedma Cynthia Ozick entrevista a Henry James Geoff Dyer entrevista a Friedrich Nietzsche Joyce Carol Oates crea a Ms Fife, quien entrevista a Robert Frost Carlos Velázquez entrevista a Rodolfo Fogwill Rebecca Miller entrevista al Marqués de Sade ZZ Packer entrevista al Chevalier de Saint-George David Mitchell entrevista a Samuel Johnson y a James Boswell Toni García entrevista a Paul Newman Jordi Soler entrevista a Antonin Artaud Malcolm Otero & Santi Giménez abducen a Harpo y se las ingenian para que este entreviste a Groucho y a Chico Marx Ian Rankin entrevista a Arthur Conan Doyle Esther García Llovet entrevista a Kirk Douglas Michel Faber entrevista a Marcel Duchamp Pilar Ruiz entrevista a Jane Austen Douglas Coupland entrevista a Andy Warhol A. M. Homes crea a Tom, quien entrevista a Richard Nixon Iván de la Nuez da voz a Leandro Feal Edu Galán entrevista a George Carlin John Burnside entrevista a Rachel Carson Carme Riera entrevista a George Sand Fidel Moreno entrevista a Carlos Castaneda Rick Moody entrevista a Jimi Hendrix Rosa Vergés entrevista a Alice Guy Blaché Diego A. Manrique entrevista a John Lennon Eduardo Rabasa entrevista a un avatar de Mark Fisher Wendy Guerra entrevista a Anaïs Nin

Este libro, a partir de una extensa entrevista con el director de cine portugués Pedro Costa, es el fascinante relato de una aventura: la decisión de un cineasta de prescindir de los oropeles de la producción de cine convencional para adentrarse, durante dos años, en la habitación de Vanda ?una drogadicta de un barrio marginal de Lisboa? con el convencimiento de que en ese cuarto destartalado se podía filmar una película. El resultado es el film ?En el cuarto de Vanda? (2000), probablemente una de las mejores obras que ha dado el cine europeo del siglo XXI y la prueba de que no se necesita más que un mirlo dorado, un ramo de flores y una cuchara de plata para hacer una película.

Este libro explora, desde una perspectiva interdisciplinar y de manera colectiva, algunas de las manifestaciones artísticas y formas de expresión feministas que se han desarrollado en España desde el tardofranquismo hasta los albores del siglo xxi. Se pretende así visibilizar las continuidades, las rupturas, o los diálogos entre actrices de diferentes periodos y ámbitos. Paulatinamente, las mujeres creadoras han conquistado espacios fuertemente masculinizados, han convertido el cuarto de revelado, el taller artístico, las viñetas de tebeo o la cabina de radio en espacios de empoderamiento y han construido, a través de sus trabajos, una mirada crítica, personal y política sobre el papel de mujeres en la sociedad. ¿Qué estrategias emplearon estas figuras rompedoras para expresar su visión contra-hegemónica de la feminidad? ¿Cómo la educación y las normas de género influyeron en sus trabajos y en su mirada? ¿De qué forma abrieron el camino a las generaciones posteriores? A estas cuestiones y a otras tantas tratan de responder, en un diálogo polifónico e intergeneracional, investigadoras y protagonistas que a

"¿Cómo es posible que, a finales del siglo xx, se hubiese borrado de la historia del arte a las mujeres como artistas en tan gran medida como para que la idea de «el artista» fuese exclusivamente masculina? ¿Por qué este borrado fue más radical en el siglo xx que nunca antes? ¿Por qué todo aquello que compromete la grandeza del arte se etiqueta como «femenino»? ¿La crítica feminista de la historiografía artística ha tenido ya algún efecto real, o aún no se ha producido cambio alguno? Este libro, realmente pionero, ofrece un desafío radical a una Historia del arte en la que no abundan las mujeres. La crítica que las autoras hacen del sexismo en la disciplina conduce a nuevas lecturas ampliadas, inclusivas, del arte del pasado. A lo largo de sus páginas, ponen de manifiesto cómo las cambiantes realidades histórico-sociales de las relaciones de género, así como la transposición que de las condiciones de género hacen las mujeres artistas en sus obras proporcionan claves para comprender bajo una nueva luz por qué y cómo podemos estudiar el arte del pasado. Y van más allá, para mostrar cómo este conocimiento nos permite entender el arte de artistas contemporáneas que son mujeres, contribuyendo así a cambiar el trabajo creativo y la percepción que de sí mismos tienen hoy día los artistas."

* El testimonio visual de 26 fotógrafas y fotógrafos latinoamericanos y españoles, unidos de forma altruista en un proyecto humanitario, con el objetivo de crear una memoria documental y visual sobre una crisis sanitaria universal. * El reflejo de instantes y miradas de la mayor catástrofe que ha asolado el mundo de forma global en el siglo 21, con efectos letales que superan con creces las cifras de víctimas de cualquier conflicto con armas convencionales. * Los beneficios de este proyecto fotográfico, en el que participan profesionales de referencia a nivel internacional en el trabajo de documentar hechos y situaciones de gran impacto social, están destinados íntegramente a ayudar a familias de fotógrafas y fotógrafos que han fallecido mientras cubrían la pandemia en diferentes países del mundo, y que se hallan en riesgo de exclusión social. […] Estos instantes desvelados nos retan a mirar cara a cara, obscena y luminosamente, los rostros de lo prohibido, la enfermedad, la soledad, el vacío y la muerte, porque solo ahí podremos intuir lo que emergerá de la emergencia. Páginas que despliegan paisajes letales, ciudades espectrales, fantasmas ausentes, las ancianas grietas del abandono. Atisban el cansancio de refugiados eternamente confinados, niños perdidos en casa, adolescencias prematuramente adultas, depresiones aún más profundas. Se adentran en naves vacías disfrazadas de hospitales, unidades de cuidados desbordantes, respiraciones contenidas, sanitarios trabajando peligrosamente, voluntarios allá donde lo humano linda con el desamparo. Frente al cómputo insensible de los números, aquí se dibuja una iconografía de la tristeza escondida. Retratos silenciosos donde los ojos -asomando sobre las mascarillas- hablan un viejo idioma, la antigua gramática del dolor y el miedo. Para revelar, al final, que esa lengua también sabe conjugar la esperanza: las palabras y las imágenes siguen siendo nuestros diques de papel y luz, un legado al mañana, el escudo protector frente a la destrucción del olvido. En estas fotografías, los supervivientes y los muertos siguen mirándonos, vivos. Irene Vallejo

Estas páginas trazan una peculiar historia de la radio. Un relato que discurre paralelo a la evolución de la sociedad de masas —es decir, la nuestra—. Mediante el análisis de una serie de obras artísticas creadas expresamente para el medio radiofónico, Miguel Álvarez-Fernández plantea como hipótesis el parentesco entre esa temprana tecnología global y ciertos elementos discursivos propios del fascismo. Los mecanismos de seducción con los que la radio nos continúa atrapando, el erotismo propio de sus voces acusmáticas, el halo de nostalgia que siempre ha acompañado sus transmisiones… Todo ello configura un tipo especial de relación con el oyente que aquí se denomina intimidad radiofónica, y cuyo estudio se canaliza a través de una metáfora: la palpitante membrana del micrófono. Las vibraciones de esa elástica superficie fronteriza ponen en contacto el espacio virtual y electrónico de la radio, por un lado, con el lugar donde los cuerpos y sus voces acarician —o golpean— esa membrana, por el otro. Esa tensión alimenta este pequeño tratado sobre la radioperformance.

Una advertencia sobre cómo la economía digital amenaza la vida y el trabajo de los artistas: la música, la escritura y las artes visuales que sustentan nuestras almas y sociedades. Hay dos historias que escuchas sobre ganarse la vida como artista en la era digital. Una surge de Silicon Valley: «Nunca ha habido un mejor momento para ser artista. Si tienes una computadora portátil, tienes un estudio de grabación. Si tienes un iPhone, tienes una cámara de cine. Y si la producción es barata, la distribución es gratuita: se llama Internet. Todo el mundo es un artista; simplemente explote su creatividad y publique sus cosas». La otra proviene de los propios artistas: «Claro, puedes poner tus cosas ahí, pero ¿quién te va a pagar por ellas? No todo el mundo es un artista. Hacer arte requiere años de dedicación y eso requiere medios de apoyo. Si las cosas no cambian, mucho arte dejará de ser sostenible». Entonces, ¿qué relato es verdadero? ¿Cómo se las arreglan los artistas para ganarse la vida hoy en día? Deresiewicz, un destacado crítico de arte y de la cultura contemporánea, se propuso responder a esas preguntas. Sostiene que estamos en medio de una transformación de época. Si los artistas fueron artesanos en el Renacimiento, bohemios en el siglo XIX y profesionales en el XX, está surgiendo un nuevo paradigma en la era digital.

En esta obra presentamos Las 36 vistas del monte Fuji creadas por Utagawa Hiroshige y Katsushika Hokusai, los más reputados dibujantes, grabadores y pintores del estilo ukiyo-e. Los dos son los intérpretes más importantes de la ilustración nipona, con un control sutil del cromatismo —con el dominio del verde y del azul— y su sentido del primer plano, que sería imitado, más tarde, por la fotografía y el cine.Este libro es una gran novedad porque muestra las visiones enfrentadas y al mismo tiempo compenetradas del monte Fuji, el pico más alto de la isla de Honshu, está considerado sagrado desde la Antigüedad y les estaba prohibido a las mujeres llegar a la cima hasta la era Meiji (finales del siglo XIX)Los dos mejores autores del ukiyo-e en una obra inédita y con edición limitada de 2.000 unidades Esta edición limitada incluye una fabulosa lámina que se despliega en trípticos para su exposición y decoración en cualquier pared. Desde The Galobart Books hemos seleccionado la más espectacular para que forme parte de una colección privada y exclusiva de arte japonés