Sus orígenes bañolenses, el sentido lúdico del arte, la vida como una fiesta diaria, Barcelona, Cannes, Locarno, París, Nueva York… Este brindis reaviva el discurso que Albert Serra improvisó como pregonero de las fiestas de San Martiriano: un lúcido recorrido por sus años de formación y un generoso homenaje a todas las personas que lo han ayudado a conformar su particular concepción del cine, el arte y la vida. Una portentosa exhibición de energía iconoclasta, un festín de desconciertos geniales. Albert Serra es director y productor de cine. Entre sus películas destacan Honor de cavalleria, Història de la meva mort, Liberté y Pacifiction, la última que ha estrenado. También ha realizado las piezas audiovisuales Los tres cerditos, para la Documenta de Kassel, y Singularity, para la Bienal de Venecia de Arte. Entre otros, ha ganado el Leopardo de Oro de Locarno, el premio especial del jurado Un certain regard del Festival de Cannes, el premio Jean Vigo y el premio Louis-Delluc.

Un juicio tiene algo de puesta en escena. Incluso cabría decir que la disposición de la sala recuerda a un teatro, con un estrado a modo de escenario y un espacio con filas de asientos reservado para el público, que asistirá a un combate dialéctico entre dos relatos antagónicos. Tanto es así que la teatralidad de los juicios ha sido recuperada en numerosas ocasiones en el ámbito de la representación teatral y cinematográfica. Al tiempo que fiscales y abogados se entrenan reproduciendo casos pasados o ficticios. En este singular ensayo, con la sensibilidad intelectual que le caracteriza, José A. Sánchez indaga, desde diferentes ángulos, en la función política de la representación a partir de juicios históricos y de obras de diferentes cineastas y creadores escénicos, desde la antigua Atenas hasta la actualidad. Y nos propone una reflexión acerca de la vigencia de conceptos como «mal» y «verdad»; así como la manera en que se va transformando la relación entre creadores y públicos en el contexto de la cultura del espectáculo efímero.

La historia moderna es una historia de estetizaciones, y cada estetización plantea una demanda de protección. Estetizamos y queremos proteger casi todo, incluyendo la Tierra, los océanos, la atmósfera, especies raras de animales y plantas exóticas. Los humanos no son la excepción. También se presentan como objetos de contemplación que merecen admiración y cuidado. Durante el siglo XX, artistas e intelectuales lucharon por el derecho soberano de exhibirse en sociedad a su manera: convertirse en obras de arte creadas por ellos mismos. Hoy todo el mundo tiene no solo el derecho, sino también la obligación de practicar el autodiseño. Somos responsables por el modo en que nos mostramos ante los demás, y no podemos deshacernos de esta responsabilidad estética. Sin embargo, sostiene Groys, no somos capaces de controlar nuestra imagen. La producción de nuestros cuerpos públicos es un proceso colectivo que no depende exclusivamente de la propia voluntad. Hacemos libros y obras de arte, diseñamos sitios web y cuentas de Instagram. Junto con ello, se están creando de forma permanente documentos, fotos, videos y copia

Ser es siempre ser otra cosa. Comenzar es algo que siempre se hace por el medio. El pensamiento está en contacto con lo que no puede pensar. La filosofía no es la búsqueda de la claridad sino la vivencia de la confusión, y por eso es arte. Hay un giro estético de la filosofía que no es parte de la moda de ponerle "giro" a cualquier falsa novedad en el pensamiento, sino una transformación que viene de antiguo y que la obra de Gilles Deleuze viene a hacer patente. Junto a filósofos de la mesita de luz de Deleuze (Nietzsche, Spinoza, Bergson), con películas de vanguardia (Hugo Santiago, Boris Barnet, Dziga Vertov), con escritores de colección (Chateaubriand), incluso con tecnologías hoy caducas (¿se acuerdan del CD-ROM?), François Zourabichvili despliega una experiencia estética del pensamiento ya esbozada en "El arte como juego". "Una filosofía solo es interesante por sus aspectos desconcertantes, a la vez extraños y atractivos". O: "Las palabras hacen brillar a las cosas. No existen las palabras y las cosas, sino palabras que son siempre, de entrada, palabras-cosas". Las palabras-cosas conforman la literal

* La mujer ha sido durante mucho tiempo tratada por los artistas como objeto de representación, pero su contribución como creadora de arte es poco reconocida. * Aunque las mujeres artistas ya no están obligadas a trabajar en el anonimato ni a aceptar seudónimos masculinos, hace relativamente poco, en 1989, las Guerrilla Girls salieron a las calles de Nueva York para preguntarse si las mujeres tienen que estar desnudas para entrar en el Metropolitan Museum. * En este libro, la autora explora la vida y la obra de más de cincuenta de las más destacadas artistas femeninas de todos los ámbitos desde el siglo xv hasta la actualidad, entre ellas, Artemisia Gentileschi, Georgia O'Keeffe y Louise Bourgeois. "Un excelente estudio dedicado a artistas internacionales decisivas. Estas esenciales figuras femeninas deberían formar parte de nuestra historia del arte, y este libro es parte de esa importante revisión". Jessica Morgan, directora de Dia Art Foundation En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.

Este libro presenta la singular trayectoria del artista danés Asger Jorn, en relación al arte de posguerra en especial con el expresionismo abstracto, el arte pop y la práctica social. Un artista que contribuye enormemente al arte contemporáneo ya que fue miembro fundador de movimientos de vanguardia como Cobra y la Internacional Situacionista. Un catálogo exhaustivo que incluye traducciones de textos canónicos e inéditos de Jorn, así como nuevas perspectivas sobre su práctica artística. Publicado con motivo de la exposición homónima en El Instituto Valenciano de Arte Moderno, IVAM y comisariado por el historiador del arte Ellef Prestsæter.

La cultura es parte esencial de la vida de la mayoría de las personas. Cultura es ver un programa de televisión o dejarse absorber por el mundo del videojuego. Es leer un libro o escribir un poema, ir a ver un concierto, hablar de cine con amigxs. La cultura es cantar en un coro, actuar sobre un escenario o hacer manualidades para regalárselas a la familia. Sin duda alguna, la cultura forma parte esencial de lo que significa ser humano. Pero este libro explica las razones por las que tenemos que ser cautxs con ella; demostrando que está estrechamente relacionada con la desigualdad.Quien produce cultura refleja desigualdad. La fuerza de trabajo de las profesiones e industrias culturales es altamente desigual. Para tener éxito en una profesión cultural, necesitas tener acceso a una serie de recursos económicos, sociales y culturales que no están disponibles para toda la sociedad de una forma horizontal o equitativa. Quien consume cultura refleja desigualdad. La audiencia que asiste a diferentes formas de arte, incluyendo el teatro, la música clásica, la ópera, el ballet, el jazz o las exposiciones es una minor

Históricamente el Mediterráneo ha sido un espacio de entendimiento y confrontación donde Occidente y Oriente han participado en proyectos comunes y se han enfrentado política y militarmente. Sin embargo, desde el siglo XVIII las potencias occidentales han conseguido una hegemonía económica, política y cultural que les ha permitido tener un trato de dominio colonial sobre el conjunto de países árabes o musulmanes. Escapar del punto de vista mayoritario, romper con las creencias hegemónicas e intentar construir un discurso propio que dote de personalidad e identidad a un país o a una cultura es una tarea ardua y costosa. Los países árabes han visto secuestrada su voz y su manera de ver el mundo por una concepción generalista e igualatoria que tiende a negar las diferencias, olvidar la pluralidad de voces o sentimientos, y llevarnos a una historia única e indiscutible, a la sombra de Occidente. Este libro tiene un doble objetivo: por un lado, entender cómo se ha ido construyendo un discurso cultural e ideológico colonial en el que ha primado el desinterés y el menosprecio por aquello que no se conoce o s

La historia de las mujeres artistas ha sido, hasta hace pocos años, sistemáticamente ignorada por el discurso oficial. Tirar del hilo de esa historia olvidada no supone tan sólo reparar una omisión intolerable, sino también cuestionar muchas de las categorías fundamentales (como las de "genio artístico", "calidad" o "influencia") sobre las que asienta la disciplina de la historia del arte en su conjunto. Los orígenes del movimiento feminista se remontan al menos al siglo XVIII, pero habrá que esperar a que surja el llamado Movimiento de Liberación de la Mujer, a finales de la década de 1960, para que algunas artistas e historiadoras señalen la necesidad de intervenir, desde un punto de vista feminista, en el campo de la práctica y la teoría artísticas. Este libro es la historia de esas intervenciones, con frecuencia polémicas, no sólo en el ámbito académico e institucional sino en el del propio pensamiento feminista: la situación de las mujeres artistas, la afirmación de la diferencia sexual, la representación del cuerpo femenino, la mirada como instrumento de poder o el impacto de las nuevas tecnologías en el arte hecho por mujeres son algunos de los temas de debate que han marcado la relación entre el feminismo y la historia del arte. El resultado de esa relación entre el feminismo y la historia del arte es, sin duda, una de las renovaciones más profundas que ha conocido la disciplina histórico-artística en el siglo XX. Al tiempo que se reescribe la vieja historia, se crean otras nuevas: nuevas historias de mujeres y, por supuesto, nuevas historias del arte.

¿Para qué sirve un museo? Durante años multitud de activistas y gestores culturales han experimentado, también desde lo institucional, con las respuestas posibles a esa pregunta, explorando los límites del arte, su función política en sociedad y los condicionantes que impone ese particular marco que llamamos museo. Este ensayo nos ayudará a profundizar en la reflexión tomando como sujeto de estudio la práctica desarrollada en el Museo Reina Sofía durante el mandato de Manuel Borja-Villel. Durante algo más de una década se desarrollaron allí programas, proyectos y dispositivos de relación y negociación con comunidades y movimientos sociales que partían de un cuestionamiento crítico de los marcos institucionales. Se pretendía con ellos desbordar los lazos que vinculan al museo con la sociedad en la búsqueda de una profundización de sus fundamentos democráticos.Aunque estos procesos son en buena medida una singularidad, casi una anomalía, dentro del marco del museo neoliberal que se impuso en España desde la década de los 90, sin embargo, como se narra aquí, tiene sus raíces en el rol que se otorgó al arte

"Star" is a book about art. A book about appropiation and public domain. About brand, identity and copyright. It is a book about money. Still and nevertheless —nevertheless— it is a book with a soul, where children play and run about in their sunday clothes. A book that raises to some cloudy sacred place where only the blessed dwell. In 2013 Nacho García broke the boundaries of his own domestic look into the world with Pulir, a hazardous tour de force against dull fixed parameters of art books and comics. Knowing —maybe not knowing— he had already walked the path from memes and bedroom epistemology by challenging the trivia stereotypes of the quirk and the mundane, his new book is a heartfelt statement about the politics of raw abstract truisms and platitudes of art. Everyday life, money, celebrities, internet are art forms here, just as hellfire and custom metal logos, becoming res nullius, res communes, res publicae and res universitatis while over two hundred ideas made in heaven find their way into corporeality, proving that if it can be written in Arial, then it's REAL.

Conocer el esqueleto humano no solo ayuda a comprender la mecánica del cuerpo, sino que permite trabajar los dibujos hasta la perfección en función de la osamenta bajo la piel. Después del primer volumen dedicado al écorché y un segundo volumen centrado en la esquematización, Michel Lauricella ofrece en Anatomía artística 3 todas las claves para dibujar el esqueleto humano. · Más de 500 dibujos de los huesos y las estructuras óseas de cabeza y cuello, torso, miembros superiores y miembros inferiores. · Descripción visual de salientes, aristas, crestas, surcos, torsiones y de los movimientos de rotación y flexión-extensión. · Desarrollo de la capacidad de observación y selección a través de una mirada precisa y muy dirigida sobre el cuerpo humano.

Comprender la morfología y la estructura del cuerpo humano es esencial para poder representarlo artísticamente. Este libro nos introduce de forma práctica y visual en la anatomía artística a través del écorché y otras técnicas de dibujo. Sus cerca de mil ilustraciones nos permiten captar la naturaleza del cuerpo humano en su vertiente más formal con el objetivo de que este aprendizaje se convierta en una potente fuente de creatividad. Más de mil dibujos anatómicos organizados en seis capítulos: cabeza y cuello, torso, hombros, extremidades superiores, extremidades inferiores y cuerpo entero. Principios básicos del dibujo anatómico: las claves de la composición, las proporciones y el encaje aplicadas a todos los niveles, desde el detalle anatómico hasta el cuerpo en movimiento. Morfología, tejidos y texturas: una incursión anatómica al interior del cuerpo humano desde la musculatura hasta la osamenta. Perspectivas y rincones inéditos: dibujos desde todos los ángulos posibles para aprehender una visión tridimensional del cuerpo humano rica y diversa.

Tras el éxito del primer volumen de Anatomía artística dedicado al écorché y otras técnicas de dibujo, Michel Lauricella se centra aquí en la forma de esquematizar el cuerpo humano a través del dibujo. Más de 500 dibujos con breves textos explicativos que aportan las claves técnicas y formales de la esquematización. Formas: un conjunto restringido de partes del cuerpo - cabeza y cuello, torso y extremidades - son reducidas a lo esencial, sin distinción de sexo o edad. Simplificación: un método que extrae de las formas complejas aquellas más simples y cercanas a la silueta, a modo de esquema, para añadir después variaciones de postura.

El legendario ùe incombustible a sus 97 añosù Mel Brooks resiste incólume y sigue marcando la pauta en la comedia televisiva, cinematográfica y teatral. Ahora, por primera vez, este grafómano y simpar bufón, miembro del selecto círculo de los EGOT (dícese de todo aquel militante de la farándula que se ha hecho con un Emmy, un Grammy, un Óscar y un Tony), nos comparte, de su puño y letra ùy para alivio de nuestra uretraù la desternillante crónica de sus añoranzas, alabanzas, labranzas, chanzas, venganzas, enseñanzas y, cómo no, de sus no menos azarosas andanzas. Para los amantes de la comedia norteamericana, se hace saber que lalarga espera ha terminado. He aquí una jugosa ristra de anécdotas yrecuerdos celosamente custodiados, historias jamás desveladas, pifiasgloriosas, hallazgos inesperados e incontables secretos de una mentedeliciosamente enferma. ¡Todo sobre mí! narra el meteórico ascenso de un Melvin Kaminsky (Mel Brooks para la gran mayoría de sus incondicionales) que sobrevivió a la Depresión en Brooklyn y a una guerra mundial para ùa fin de ir resumiendoù hacerse con la Medalla Nacional de las

En pocos momentos como en el actual, la cultura ha gozado de tanto crecimiento como de tan mala consideración o indiferencia. Parece que ha sido relegada a un mero acto de consumo, en vez de ser un espacio de creación de lazos y comunidad. Por este motivo, y dada la urgencia, nace este libro: para repensar la cultura y hacerla nuestra, aceptando todas sus dimensiones, incluso aquellas que hemos olvidado. Debemos resituarnos frente a ella no solo posicionándonos como consumidores, sino como agentes que la potencian en los espacios cotidianos, y así volver a interpelarnos y compartirla con aquellos que nos rodean. Cultura ingobernable parte de las nociones históricas sobre la cultura para llegar a una concepción transversal y amplia en la que trabajar todos juntos para fortalecer el tejido social. El fenómeno cultural no constituye nada extraordinario ni necesariamente privado o ligado al tiempo de ocio exclusivamente; sus diversas manifestaciones han de estar vinculadas a la cotidianidad y deben ser un proyecto colectivo; una práctica inacabada, pero también inagotable.

En "Las vanguardias artísticas del siglo XX", el escritor y crítico de arte Mario de Micheli ha trazado una crónica viva de los grandes movimientos que configuraron la transformación de las artes plásticas desde el cambio de siglo hasta 1950, buscando su línea de continuidad y su común razón de ser en aquello que propiamente constituye la esencia de la vanguardia: el ánimo de ruptura cultural. Combinando el dato histórico y la crítica, se ofrecen aquí los materiales de una visión de los "ismos" más profunda que la mera catalogación de variantes formales; una visión integral, apoyada, de una parte, en el examen de la actividad creadora de los artistas más representativos del período, y, de otra, en los manifiestos y programas que presentaron las posiciones de partida de cada grupo.

Los autores de este libro nos llevan a un viaje por las distintas formas de habitar una casa. Partiendo de ilustraciones de Pep Carrió realizadas con marcadores acrílicos, la escritora María José Ferrada recurre al lenguaje poético y al humor para proponer un conjunto de microrrelatos que invitan a los lectores a observar sus propias formas de habitar el mundo. «La casa tiene que ver con el espacio físico, pero también con el espacio interior que uno habita. Puedes estar muy tranquilo en una vivienda muy pequeña y muy agobiado en otra enorme en mitad del campo. Una misma casa de treinta metros cuadrados puede ser un hogar plácido para un individuo y una celda asfixiante para otro», dice María José Ferrada.