En 1923, tras una estancia de dos años en la clínica Bellevue de Kreuzlingen, en la que ingresó a causa de una crisis nerviosa, Aby Warburg escribió un «discurso de despedida»dirigido a los médicos y a los propios internos de la institución, con el propósito de demostrar que ya estaba completamente restablecido. Así nació El ritual de la serpiente, como catarsis, testamento y «criatura monstruosa» de Warburg en cuyas páginas relata su revelador encuentro en 1895 con los indios pueblo. Maravillado por estos hombres, que sitúa «entre el mundo de la lógica y el de la magia», Warburg describe su danza con serpientes vivas, ceremonia mágica que busca producir un efecto real: la lluvia. Pero el ritual de la serpiente, forma extrema del culto animista de los indios, no es para el historiador alemán sino el punto de partida de una reflexión sobre el poder de la imagen y los símbolos, necesariamente ligada a su concepción del arte. Con esta nueva edición revisada, Sexto Piso vuelve a poner a disposición del lector en lengua española un clásico fascinante e imprescindible, un libro de culto de un autor que en los últimos años ha sido reivindicado no solo como uno de los grandes teóricos de la iconografía, sino por su capital importancia en la fundación de los estudios culturales contemporáneos. «Durante décadas Warburg ha sido una entrada casi vacía en el universo de las referencias teóricas y, por encima de cualquier otra cosa, el nombre de una biblioteca y un instituto míticos. Las cosas, sin embargo, están cambiando, y ha llegado el redescubrimiento de la extraordinaria importancia de Aby Warburg y su carácter en tantos sentidos visionario». Xavier Antich, La Vanguardia

Este libro es un ensayo sobre la fotografía hecho con más de 100 fotografías que proceden del archivo de la revista mexicana «Alerta». Joan Fontcuberta desgrana una serie de consideraciones sobre la condición crepuscular de la fotografía que, so pretexto de refutar el pensamiento canónico de Roland Barthes, intenta llevarlo más allá y desenredar algunas de las circunstancias de un presente desquiciado. Para Barthes toda fotografía indica que «esto ha sido» (‘ça-a-été’), un mensaje genérico y esencial que, sin embargo, hoy no nos basta porque necesitamos resolver la enojosa indeterminación del «esto». Si toda fotografía, además, no es sino resultado de diferentes operaciones de «pose», es decir, de teatralidad, cabe preguntarnos si la cámara puede vérselas con una realidad real o si su cometido se limita solo a hablar del decorado y del disfraz. Valentín Roma –director de La Virreina, Centro de la imagen– escribe un posfacio en el que sitúa la posición intelectual de Joan Fontcuberta frente a la lectura fotográfica.

El estudio académico de la historia de las exposiciones y del comisariado es un fenómeno relativamente reciente. Aunque en su inicio se entrelazó con la historia del arte y con los estudios de museología, en los últimos años ha ido adquiriendo una progresiva autonomía. Las exposiciones se pueden estudiar como generadoras de esfera pública, como ámbitos discursivos y de representación, como dispositivos productores de experiencias psicológicas y sociales y como formatos de producción susceptibles de determinar la producción artística. El comisariado es una práctica de mediación discursiva que toma fuerza en la segunda mitad del siglo XX y cuyo "hacer" se distingue por la combinación de aspectos prácticos e intelectuales que dan sentido al conjunto heterogéneo de las obras de arte contemporáneas. Este libro entrelaza ambas genealogías y propone una historia unificada de su convergencia. Para ello despliega seis relatos que atraviesan este entrecruzamiento y propone líneas de interpretación de naturaleza más temática que cronológica.

Alice Guy ha sido durante demasiado tiempo un espectro, un pilar invisible de la historia de la cinematografía. Hoy sabemos que, en realidad, compitió por ser la primera persona en crear narración audiovisual, que fue una pionera de renombre en la industria primitiva del cine y, sobre todo, que su producción esconde irreverencias y hallazgos hasta ahora desconocidos. De entre las pocas piezas que conservamos, y a la espera de que sigan apareciendo nuevas obras en trasteros y desguaces (ese es un cajón aún sin cerrar de la historia), emanan con claridad algunas obsesiones: la sensibilidad por el papel de la mujer en el mundo, el cuestionamiento de la autoridad, el travestismo o la crítica a la tradición son algunas de ellas. Alice Guy, la cineasta rebelde, tuvo una vida complicada y una carrera prodigiosa enterrada en el olvido durante más de cien años. Recuperar su memoria, ese lugar del que no hay exilio posible, es hacer una suerte de reparación. Además, su legado nos enriquece y, sometido a las ambigüedades propias de cualquier gran creador, nos obliga a cuestionarnos. El presente vertiginoso de las redes sociales, la realidad líquida que nos rodea y nuestro ánimo necesitan parar y volver la vista atrás. Qué mejor modo de hacerlo que con esta directora universal de los albores del cine.

Conocí a Michel Delahaye en 1997, en el rodaje de Victor Schoelcher, l'abolition, donde interpretaba a un político de 1848. Me había invitado al plató el director de la película, Paul Vecchiali, para ver el rodaje. Por entonces, no sabía que Delahaye fue en su día redactor de Cahiers du cinéma, revista que abandonara dolorosamente dos años después de Mayo del 68. Michel parecía muy contento de que yo ignorara todo aquel pasado: hablaba mucho, pero no le gustaba que le hablaran. En 2006 quise realizar un retrato filmado de Delahaye. Aceptó, pero propuso la idea de centrarlo en pequeñas conferencias sobre el cine y la crítica bajo la idea de transmitir solo aquello que mereciera la pena. Yo, en cambio, tenía otra, hacerle cambiar de parecer sobre sus años de crítico y ayudarle a superar aquel aspecto «no-reconciliado» de su pasado. Emmanuel Levaufre se ocuparía de proteger aquella naciente intimidad. Michel Delahaye amaba los barcos tanto como los aviones, e igualmente hablar de la «fortuna cuadrada», esa vela de barco con forma de cruz, provisional, que los veleros portan para huir de un peligro, para escapar a una tempestad. Era un apóstol de la improvisación, de salir del paso con los medios al alcance. Así, de rebote, Michel, Emmanuel y yo encontramos el título del film: El cuadrado de la fortuna. Y la alegoría de la fortuna se sostenía: en vista de las tribulaciones y vejaciones sufridas por Delahaye, le cuadramos el retrato. Y como Delahaye repetía en la película que, incluso durante las afrentas, no dejó de tener suerte, pensamos que tuvo «suerte al cuadrado». Este libro es el resultado de la adaptación a la escritura, por parte de Emmanuel y mía, de la banda de audio de aquella película, Le carré de la fortune. Sus imágenes han servido para ilustrarlo. (Pascale Bodet)

Anna Turbau. Galicia 1975-1979 recolle algúns posibles ollares ao traballo fotográfico de Anna Turbau (Barcelona, 1949) nuns anos vizosos nun terreo aparentemente vougo pola inercia silente dos tempos represivos. O Consello da Cultura Galega atende co presente volume á preservación, estudo e difusión deste legado de máis de 10 000 negativos que, alén dunha estética tan precisa como intensa, documenta a situación política, social e económica deses anos.

Desplazada del centro de atención por la actual avalancha de estímulos audiovisuales, la imagen cinematográfica puede erigirse todavía como espacio fronterizo privilegiado, una grieta, más que una ventana, cesura fértil a través de la que vislumbrar el misterio fundacional de la imagen en movimiento: su carácter fantasmagórico. Pues el cine se nutre de nuestra sombra y captura como ningún otro arte nuestra condición de mortales. Ni mentira analgésica ni retrato fidedigno de una supuesto mundo exterior, el cine que nos interesa y del que trata este ensayo se acerca más a un sueño lúcido, aquel lo suficientemente autoconsciente como para no desactivar nuestro espíritu crítico, pero también lo bastante evocador como para seguir fascinándonos. El cine (el buen cine) solo persistirá si se mantiene más fiel que nunca a esta esencia.

Un texto inédito de Hubert Damisch sobre Goya y la manera de entender las artes visuales. Un texto inédito de Hubert Damisch de principios de los años sesenta encontrado entre sus papeles póstumos. Un texto breve pero muy sustancioso que tiene como protagonista a Goya y su relación con Francia. Un texto fundacional en el que el autor ya ha creado el universo conceptual que va a caracterizar sus trabajos posteriores y que dio un cambio radical a como estudiar las artes visuales: un modo en el que se plasma una concepción diferente de la Historia; en el que la cronología no tiene un papel dominante; en el que hay un intercambio recíproco entre culturas y países distintos; en el que no existe una idea ni lineal ni literal de lo que se sigue llamando representación, con una concepción distinta de la relación entre imágenes y realidad histórica. Una edición bilingüe español/francés sobre uno de los artistas más icónicos de la historia del arte de la mano de uno de los más reputados teóricos del arte de las últimas décadas. El libro incluye un prefacio de Mieke Bal en el que hace hincapié en el carácter revolucio

El 18 de julio de 1936, tras conocer la noticia del alzamiento, la bailarina y bailaora española apodada la Argentina, admirada en todo el mundo, sufre un síncope y muere. Tiene 46 años y un don para hacer suya no solo la historia de la danza, sino la propia historia. Ese día se quiebra la Segunda República y se quiebra la artista. Isabel de Naverán persigue, a partir de la investigación y de las fotografías, el eco de esa convulsión individual que contiene, de forma representativa y simbólica, el dolor colectivo que se avecinaba y que ha resonado, en distintos momentos y de distintas maneras, a través artistas muy dispares de las siguientes generaciones: los japoneses Kazuo Ohno, que recuperó su danza cincuenta años después de haberla visto bailar, y Takao Kawaguchi, la bailaora Rocío Molina o la escritora Gertrude Stein, entre otros.

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Hollywood era un misterio para el gran público cuando, en 1950, Lillian Ross se empotró en el rodaje de la película "Medalla roja al valor", dirigida por John HustonEl agudo instinto de observación de la periodista estrella de The New Yorker encontró en las tripas de la industria del cine un drama fascinante de personajes, egos y conflictos. «Era como una novela desplegándose ante mí», recordaría entusiasmada Ross en sus memorias.A las complicaciones tradicionales de un rodaje (evocadas con un desesperado sentido del humor por Álex de la Iglesia en el prólogo de este libro) se sumaron el desafío logístico que implicaban las escenas bélicas con cientos de figurantes y las interferencias del director del estudio, Louis B. Mayer, que nunca vio con buenos ojos la sutileza de cine de autor con la que Huston abordaba una gran producción de género bélico.Picture es la novela de un fracaso anunciado, un manual práctico sobre el verdadero proceso de rodaje de una película, un tratado sobre el inevitable conflicto entre arte y negocio. Todo ello construido con esas técnicas narrativas prodigiosas que tanto admiraba Hemingway de Ross, la gran pionera del periodismo literario: escritura ligera, elegante y lúcida, habilidad para la descripción de personajes y el talento, apoyado por una memoria sobrenatural, para reproducir los diálogos cazados al vuelo.En este libro disfrutón y jugoso, lleno de chismes y personajes fascinantes, descubrimos un poso de amargura. Ross es testigo de la vida en la selva […]. En esta jungla de celuloide, donde Ross se pasea armada con su máquina de escribir, las fieras rugen, pero no la asustan. Ella será la que, con el paso de los años, los diseccione fríamente en su sala de autopsias y nos los entregue cumplidamente disecados en este extraordinario libro (del prólogo de Álex de la Iglesia).

Este libro alberga muchos deseos y esperanzas: aborda la necesidad de visualizar mundos, de ejercer contrapoder y empoderar a la ciudadaní­a, de utilizar toda nuestra creatividad artí­stica y educativa para procurar el cambio y el desarrollo social. Se trata, en resumidas cuentas, de comprometernos con la transformación de la sociedad y de visualizar que existen prácticas educativas que llenan de esperanza, a través de las artes y la imagen, por y para el desarrollo. Si no visualizamos contextos educativos que están orientados a la transformación social, no lo lograremos. Lo que no se ve no existe.

La colección IMPRENTA DINÁMICA, puesta en circulación por DAMA (Derechos de Autor y Medios Audiovisuales) y ECAM (Escuela de Cine y Audiovisuales de la Comunidad de Madrid), en colaboración con la revista Caimán CdC, ofrece con este volumen un recorrido –tan pedagógico como incisivo– por la historia del lenguaje cinematográfico siguiendo el camino que alumbran los grandes maestros: Edwin S. Porter, David W. Griffith, Fritz Lang, Jean Renoir, King Vidor, Jacques Tati, Robert Bresson, Stanley Kubrick y Paul Thomas Anderson. El itinerario pone al descubierto las principales herramientas de la puesta en escena cinematográfica y ofrece deslumbrantes ejemplos de la libertad creativa con la que se puede utilizar mediante un estudio en profundidad de las siguientes películas: Blacksmith Scene (William K. Dickson), The Gay Shoe Clerk (Edwin S. Porter), The Country Doctor y Lirios rotos (David W. Griffith), Los nibelungos y M (Fritz Lang), El último (Friedrich W. Murnau), Una partida de campo (Jean Renoir), Duelo al sol (King Vidor), Mi tío (Jacques Tati), Mouchette (Robert Bresson), La chaqueta metálica (Stanley Kubrick) y Embriagado de amor (Paul Thomas Anderson).

Lo bello está siempre enfrente, en todas partes, a todas horas. Se extiende sobre los cuerpos, el ocio y las pantallas hasta saturar nuestro campo de visión. Lo buscamos con avidez y lo encontramos como una segunda piel que define nuestra forma de relacionarnos con lo real. Contra el exceso cegador de un mundo completamente estetizado, Pablo Caldera reivindica una mirada que atienda a sus sombras, sus vacíos y sus lapsus. Una mirada antiestética. El fracaso de lo bello da cuenta de la lenta muerte de una crítica carcomida por la precariedad y sin margen para desligarse del ritmo que impone la industria y su incesante producción de novedades. La alternativa que propone este libro es un tipo de crítica ágil, capaz de evidenciar los puntos ciegos de la estética e identificar los síntomas de la cultura contemporánea. Audaz como para ver la ideología que esconde un osito de peluche o detectar en el nuevo cine cruel un tipo de espectador que percibe la violencia sin implicarse en ella. Con una prosa imaginativa, híbrida entre la teoría, la sátira y la fabulación, Pablo Caldera da forma a un ensayo fundacional que revitaliza la manera de pensar y escribir sobre el arte y el cine. «Ahora, cuando el Ártico se deshiela y el panorama de contemplación que nos rodea se transforma en un limbo entre lo analógico y lo digital –entre lo político y lo pospolítico–, se hace tanto más necesaria una inflexión como la que se presenta en este libro, que muestra los vacíos de la disciplina y “los espacios en blanco del gusto común”». _Eloy Fernández Porta

Existe un malestar de los museos, creciente y variado: existe el malestar físico, el de las interminables colas, el de la muchedumbre agitada que se agolpa ante cuadros cuya historia, significado y trascendencia ignora, el de los empujones, los ruidos y las cámaras de fotos; y existe otro malestar de los museos, más profundo y grave, que lo acompaña: el de su función desvirtuada por la deriva mercantil y consumista de la que el museo se ha convertido en estandarte, el de la vacuidad de sus fastuosas arquitecturas, el de la pérdida del valor pedagógico de sus colecciones ?o del arte en último término?, el de la perversa negligencia del Estado respecto a sus obligaciones hacia el patrimonio cultural, compartido y universal. Jean Clair, antiguo conservador del Museo Picasso de París, y con una larga trayectoria del más alto nivel en la museística internacional, desvela en esta obra las razones de ese malestar físico e ideológico, desde el imperio Guggenheim y su modelo expansionista de «museos emporio» hasta el desamparo en que se encuentran gran número de museos de enorme valor que han sido abandonados por las administraciones públicas, para culminar con el malestar absoluto, museístico, cultural, político y también físico, del proyecto de construcción de un Museo del Louvre en Abu Dabi, con la cesión de colecciones públicas y acompañado de resorts y playas artificiales, cuyo alcance es de tal envergadura que pone en cuestión la esencia misma de los museos como baluartes del patrimonio cultural de nuestras sociedades. Un malestar, en fin, sobre el que hoy resulta alarmante que no se medite, pero que, de forma incomprensible, no ocupa ni a los medios, ni a los especialistas, ni, en particular, a las propias administraciones públicas, y al que esta obra, escrita con la pasión y la erudición de quien ha entregado fervorosamente su vida al museo, desnuda y da voz, no para buscar conmiseración, sino para encontrar soluciones.