En este libro hablaremos a través de diálogos entre fotógrafas y escritoras sobre la sexualidad, los cuidados, la violencia, el lenguaje, el juego, la vejez o los cánones de belleza. Participan: Aida González Rossi y Paula Yubero, Belén López Peiró y Lucía Antebi, Nerea Pérez de las Heras y Malu Reigal, Aitana Cordero y Laura C.Vela, Ángelo Néstore y Ókaro, Cristina Fallarás y Nagore Legarreta, Weldon Penderton y Laura San Segundo. Relatos de ficción, ensayos y series fotográficas inéditas que abordan el culo desde distintos enfoques que buscan experimentar junto a otras artistas y reconciliarnos con nuestros cuerpos y sus implicaciones emocionales, sociales y políticas.

Primera edición ilustrada del célebre texto de Sontag en torno a la estética Camp, acompañado de un estudio preliminar de Victor Mora, autor de ¿Quién teme a lo queer?Primera edición ilustrada del célebre texto de Sontag en torno a la estética Camp, acompañado de un estudio preliminar de Victor Mora, autor de ¿Quién teme a lo queer?

Escrito de manera vertiginosa, con la conciencia de su propia muerte acechando después de un diagnóstico de leucemia, "No binarix" es el tipo de memoria que podríamos esperar de alguien que asumió la técnica burroughsiana del "cut-up" como misión vital. Cortocircuitar el control implicó para Genesis P-Orridge una práctica expendida, que no solo debía aplicar a su medio privilegiado, el lenguaje, sino también a las formas de vida establecidas y a su propia identidad. Esta memoria, por lo tanto, será todo menos convencional. Fluida. Fragmentaria. Mutante. No binaria porque el sujeto y el objeto, la figura y el fondo se fusionan y entrelazan. El yo está constantemente intervenido por su relación con otras personas como el mismo William Burroughs, Ian Curtis, Timothy Leary y Lady Jaye, con quien decidió terminar con el paradigma masculino/femenino y dar conocimiento a un nuevo ser unificado, con dos mitades de una nueva totalidad pandrógina. "No binarix" es también el testimonio vibrante de una época revolucionaria, que teje en su narrativa experiencias contraculturales y estéticas pioneras como lo fueron el g

América, años 60. Los guetos estallan en llamas. Los jóvenes cantan “haz el amor y no la guerra”. Una nueva camada de directores, valientes e inconformistas, irrumpe con fuerza en Hollywood. Espejo de ese escurridizo crisol de tendencias hoy conocido como “contracultura”, su cine se propone destruir la tradición, cuestionar la historia oficial made in USA. Con placentera vocación desmitificadora, no tardarán en dirigir el punto de mira hacia el universo cinematográfico que mejor encarna los valores fundacionales de la nación: el western. El sistemático atentado que este, desde 1960 a 1980, sufrirá a manos de Sam Peckinpah, Robert Altman o Monte Hellman es uno de los más hermosos himnos antipatrióticos jamás entonados por el cine americano. Nos habla de rebeldes arrinconados, de soñadores a la búsqueda de la inocencia perdida, de gente que lucha (y pierde) contra el sistema. Son películas apasionadas y escépticas, mugrientas y líricas, intimistas y extravagantes, cuya voz se alzará como una de las más lúcidas del momento; una voz que se apagaría enseguida, pero cuyos ecos continúan aún hoy “Blowin' In The Wind”… De eso tratan estos veinte pequeños ensayos cinéfilos. Del cambio de los tiempos. De derrotas que son triunfos y victorias que quedan en nada. De la vida misma. Sed bienvenidos a este violento y nostálgico viaje por la época más irreverente de un género infinito en la historia del séptimo arte.

El libro celebra el 50 aniversario del mítico film El golpe. La obra aborda los diferentes aspectos del film con un gran despliegue gráfico.En el 50 aniversario del film El golpe, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: los actores y sus personajes, el rodaje, el guión, la música... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.

Catorce años. En ese breve período entre dos guerras mundiales, la escuela de arte y diseño alemana Bauhaus sentó las bases de la modernidad. A partir de una visión utópica del futuro, la escuela desarrolló una práctica vanguardista que fusionaba las bellas artes, la artesanía y la tecnología con el objetivo de aplicarla en otros medios y actividades artísticas: del cine al teatro, de la escultura a la cerámica.Esta obra de referencia es posible gracias a la colaboración del Bauhaus-Archiv/ Museum für Gestaltung de Berlín, que alberga la colección más importante hoy sobre esta famosa escuela artística. Con documentos, estudios, más de 250 nuevas fotografías, bocetos, planos y maquetas sobre las obras realizadas, nos acerca a los principios rectores y las personalidades de esta comunidad creativa idealista a través de sus tres sedes sucesivas en Weimar, Dessau y Berlín. Desde retratos informales de gimnasia en grupo hasta los dibujos de una clase impartida por Paul Klee; desde extensos planos arquitectónicos hasta un cenicero infinitamente elegante de Marianne Brandt, la colección late con los colores, los materiales y las geometrías que conforman la visión Bauhaus de la obra de arte total.Cerca ya de la celebración del centenario de la Bauhaus, este libro es la prueba definitiva de su energía y su rigor; no sólo como un movimiento creativo pionero, sino también como paradigma de la educación artística. Allí donde la expresión y las ideas vanguardistas produjeron obras al mismo tiempo funcionales y hermosas. Este práctico volumen presenta a artistas destacados como Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe y Lilly Reich.Sobre la serieBibliotheca Universalis – Compañeros culturales en formato compacto para celebrar el universo ecléctico de TASCHEN.

Ya sea para honrar a los dioses o a los muertos, destacar el prestigio, celebrar un nacimiento, una unión, seducir, dibujar, pintar o escribir, el color siempre acude a la cita. Para conseguir los tonos con los que soñaban, los hombres han sabido descubrir pigmentos y tintes a menudo escondidos en vegetales, minerales, moluscos, hongos o insectos; y han llegado a imaginar técnicas complicadas o peligrosas para acceder a rojos intensos, amarillos luminosos, o a los más bellos azules. Este libro cuenta la historia de los colores, desde el descubrimiento de los pigmentos y tintes hasta su modo de aplicación, pero también las costumbres y los gestos que, desde los papúes a los inuit, de la China de Confucio a la Europa medieval, acompañan a esos materiales en rituales y ceremonias. Los múltiples caminos trazados por los hombres y las mujeres en su búsqueda del color ofrecen numerosas sorpresas y, a menudo, nos dejan maravillados.

Ya nada es evidente en relación al arte, como señaló Theodor Adorno. Antes todo parecía más intuitivo, pero tras las distintas revoluciones artísticas herederas de las vanguardias nada parece serlo. ¿Por qué esta sensación de extrañeza? ¿Por qué esta distancia entre nosotros y las obras de arte? La revolución digital ha aumentado este abismo: ¿qué sentido tiene ir al museo cuando podemos ver los cuadros por el ordenador? ¿Podrá una inteligencia artificial crear arte? ¿Cómo afecta nuestra continua exposición a pantallas y estímulos a nuestra experiencia estética actual? Este libro es una respuesta coral a estas preguntas que abarca diferentes formatos, desde el ensayo hasta la ilustración, pasando por el poema o el relato. No hace únicamente un análisis sobre el estado actual del arte, sino que crea también un espacio en el que los distintos formatos dialoguen entre sí. Con las voces de Paula Ducay, Myriam Rodríguez del Real, Javier Correa Román, Javier Calderón, Paula Melchor, Marta Martínez, Alba Mezcua, Marcin Bartosiak, Julia Isasti, Mara Sancho, Pepe Tesoro y Pablo Caldera.

Alberto Rodríguez, director de cine presenta una panorámica cronológica de la obra fílmica de este creador sevillano, autor de películas tan relevantes como 7 vírgenes, La isla mínima y Modelo 77 y series como La peste. En el libro la voz principal es la del propio Alberto, con añadidos de las personas que le han acompañado en este viaje de más de tres décadas. El texto muestra los entresijos de la historia de cada película, ofrece una visión de la personalidad del artista y de la experiencia subjetiva de cada producción, amén de recoger del director cualquier revelación técnica, práctica o de otro tipo útil tanto para los que desean hacer cine como para el lector interesado en este medio de expresión artística. Pero además, el relato apunta unas líneas de fuga sobre los oficios del cine, en especial respecto al director y el guionista dado el recorrido del propio Alberto.

En 2017 Homo Velamine emprendió una tarea titánica: barrer el mapa de Madrid desde una estación de Metro distinta cada semana. Este libro recoge sus experiencias por la línea 1, la mayoría narradas por Ainhoa Rebolledo —Brenda— con verborrea socarrona e ironía seca. De su mano atravesamos semana a semana las capas de cebolla de Madrid (barrios de Toldo Verde, cinturones industriales. PAU...) en un trayecto literario que da cuenta de las fuerzas grandes y pequeñas, veladas y ocultas, entrañables y grotescas, que moldean la ciudad. Prólogo por Sergio Fanjul.

Aguas Mayores presenta un discreto compendio de creaciones digitales de derechas. En total 168 piezas genuinas, rescatadas de las profundidades de internet, que explotan en una miríada de colores, formas e iconografías, efectivamente diseñadas para captar la atención en la tupida jungla de símbolos que es internet. Sea cual sea tu ideario político, sin duda te cautivarán.

La obra maestra de Hokusai, el artista japonés más universal. ¡Descubre la colosal obra que supone la semilla de lo que hoy conocemos como manga!Por primera vez en edición completa y comentada, presentamos en dos grandes tomos los quince volúmenes de esta obra excepcional con más de 4000 imágenes: gran variedad de personajes, figuras en movimiento, animales, peces, árboles, plantas, flores, objetos de la vida cotidiana, arquitectura, paisajes, escenas humorísticas, el mundo sobrenatural y criaturas fabulosas. El Hokusai Manga es una enciclopedia visual del Japón de su tiempo imprescindible para conocer la cultura nipona. A lo largo de esta espectacular obra del artista japonés más célebre de todos los tiempos se representa todo tipo de personajes, seres vivos, objetos e incluso fantasmas y monstruos. No hay nada que no esté aquí dibujado. El Hokusai Manga gozó de gran popularidad en Japón y su éxito se extendió también a Europa, donde causó un gran impacto en artistas como Monet, Degas, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, entre otros, y su influencia aún se deja sentir en la actualidad.

Entre el ensayo cultural, la chismografía, la historia de las ideas, el periodismo literario y hasta la crítica cinematográfica En “Mi única intención a la hora de escribir esta historia informal del ocultismo en Hollywood ha sido la de divertirme y divertir al lector aficionado a inmiscuirse en las vidas ajenas. Las vidas, desde luego, de los ricos y famosos, de los únicos dioses y semidioses que le quedan al hombre del siglo XX en su despoblado Olimpo contemporáneo: las estrellas de cine”, confiesa Jesús Palacios en la introducción a este volumen. En un recorrido cronológico que abarca desde el cine mudo hasta el Hollywood de las multinacionales y los efectos especiales, desde Greta Garbo y Jean Harlow hasta Richard Gere y Tom Cruise, pasando por los luciferinos años 60, Palacios logra conformar una crónica negra de la historia del cine en su acepción más amplia, aquella que incluye no solo las películas, sino también los actores, productores, directores, tanto en su vida pública como privada, así como los gurús, brujos, santones orientales y médiums, teóricos de lo imposible y sectas y sociedades esotéricas de lo más variopintas relacionadas con ellos. Quienes estén interesados en las oscuras relaciones que unen al arte cinematográfico con las artes mágicas encontrarán ideas que quizá les sean de utilidad. La presente edición, que incluye abundantes fotografías y un completo índice de películas y personajes, supone una actualización de la que se publicó en 1997, con aspectos inéditos del Hollywood del siglo XXI que ocupan un nuevo y largo capítulo.

En este precioso volumen Paolo Cognetti reconstruye de manera magistral la vida de Antonia Pozzi a través de cartas, poemas y fotografías, y nos permite conocer la trágica y maravillosa historia de la Antonia.

La primera entrega de las memorias del oscarizado director y guionista —en ambas lides— y no menos controvertido polemista, en cuya nómina de entrevistados figuran también personajes como Fidel Castro, Hugo Chávez o Vladimir Putin, fue trenzada en plena pandemia. Un largo trienio de espera hubo que aguardar para, por fin, tener cumplida noticia de tan azarosas andanzas de su propio puño y letra. Antes de mudarse a Los Ángeles, y saborear las mieles del éxito internacional con Platoon en 1986, Oliver Stone, a fin de poner coto a sus turbulencias tardoadolescentes, trató de enderezar su vida alistándose en la infantería yanqui con la vana esperanza encontrarse a sí mismo en el infierno de Vietnam, siendo herido en diversas ocasiones —y condecorado por sus heroicas acciones—, y padeció los sinsabores de rigor que aguardan a todo ambicioso guionista que se precie coleccionando innumerables guiones rechazados durante largos años de infausto recuerdo, mientras apenas le alcanzaba para consolarse con algún que otro intrascendente encargo en Nueva York. Stone, que sobrepasó ya los setenta y cinco años, pasa revista a esos iniciáticos años con un pormenorizado relato no exento de altibajos: el divorcio de sus padres cuando apenas contaba dieciséis años; la guerra de Vietnam; el trabajo con Al Pacino para dar cuenta de sus primeros guiones; el angustiante infierno de la adicción a la cocaína; el estruendoso fracaso de su primera película; su arriesgada investigación sobre el terreno de los cárteles de la droga de Miami para El precio del poder; y las innumerables vicisitudes por las que pasó para sacar adelante Salvador, Platoon, Wall Street y muchas otras de las obras que irían configurando su ya extensa filmografía —entre las que se cuentan Nacido el 4 de julio, JFK, Asesinos por naturaleza, The Doors, Alejandro Magno, etc.—.

La construcción de Frida por Frida, la mujer que se parió a sí misma como mujer y como artista.La Gran Ocultadora, así firmaba Frida Kahlo algunas cartas. Frida construyó a Frida bajo el estigma de vivir ocupando inmerecidamente el lugar de su hermano muerto. Y Frida pintora construyó su obra bajo una peculiar (y tal vez fingida) modalidad del síndrome del impostor.Marie Córdoba, que vivió tres años en México y es traductora al francés de Elena Poniatowska, desvela claves esenciales de una mujer que ha alcanzado la categoría de mito sin que muchos lleguen a conocerla.Ilustradas con luminosa creatividad por Juan D’Atri, las 42 obras de Frida Kahlo reproducidas en este libro actualizan el universo cromático de la gran artista, revitalizando su valentía y su lirismo original.

Una reflexión sobre aquellas obras de arte que han sufrido deterioro a lo largo del tiempoEl arte deteriorado acumula las señales que la experiencia histórica ha añadido sobre la obra original. Son grietas, signos de barbarie o huellas que la naturaleza ha dejado marcadas en la obra del ser humano. El paso de las estaciones, una tras otra, poco a poco, ha ido señalando las horas del derribo físico.  Lejos de toda consideración negativa, entendemos las señales del tiempo como un valor estético añadido. Se trata de una carga comunicativa que enriquece la acción creativa inicial. 

Pepe Espaliú es una de las figuras claves del panorama artístico de finales del siglo XX, así como un pionero en la lucha por la visibilidad de las personas con VIH.En una época en la que el silencio social e institucional con respecto a la pandemia del sida era sinónimo de muerte, este artista cordobés se convirtió en la primera persona pública en verbalizar en España su enfermedad a través de un medio de comunicación. El artículo que publicó en El País el 1 de diciembre de 1992 fue acompañado de su famosa intervención artística Carrying, una acción que evidenció la necesidad de las personas con VIH de sentirse apoyadas tanto por su entorno como por los organismos públicos, que en aquellos momentos miraban hacia otro lado. Pero este libro no solo celebra al gran artista que fue Pepe Espaliú. También es un lugar para testimonios personales, algunos de ellos alejados del eurocentrismo reinante, además de para enunciar otras formas de representación cultural del VIH con artistas como Alberto Cardín, las Yeguas del Apocalipsis, Wojnarowicz o La Radical Gai, entre otros.Pepe Espaliú. Visibilidad, experiencias y construcciones culturales en torno al VIH es una obra que pretende reivindicar el papel del arte en la lucha contra el silencio y darle su lugar dentro de la memoria histórica de las minorías. No en vano, estas expresiones artísticas fueron la semilla, en colaboración con otras disciplinas, para que muchas personas, incluso hoy, hayan conseguido plantarle cara al estigma que acompaña al VIH.

Ante la complejidad de la vida: afinidad de inquietudes y actitudes del artista y el filósofo¿Qué tienen en común Francisco de Goya, considerado “el más filósofo de los pintores”, con el llamado “filósofo de los artistas”, Arthur Schopenhauer? ¿Pueden existir entre dos autores profundas afinidades que, prescindiendo de las coincidencias en el espacio y en el tiempo, remitan a una comunidad de inquietudes y actitudes?Goya fue un pintor muy poco académico, que se adentró con sus creaciones en las honduras del alma humana. Y lo mismo puede afirmarse de Schopenhauer en su condición de filósofo: un pensador atípico que se movió mejor entre imágenes que entre conceptos, prefiriendo comprender a explicar.Ambos arrojaron la sonda en las profundidades abismales de la existencia, no encontrando otro fondo que el de una extraña y oscura voluntad.