El escritor y artista alemán Hugo Ball, conocido especialmente por su papel como promotor del dadaísmo, intentó doctorarse entre 1909 y 1910 con una tesis sobre Friedrich Nietzsche. El manuscrito mecanografiado que se conserva, con el título «Nietzsche en Basilea. Un escrito polémico», constituye un documento de especial relevancia para apreciar la recepción y asimilación de las ideas del filósofo alemán por parte de los artistas e intelectuales que formarían más tarde en el expresionismo y en el resto de vanguardias históricas. El pensamiento de Nietzsche causó furor en esta agitada época, hasta constituirse en un ubicuo entorno de culto del modernismo, pero pocos se aproximaron a él con tal sistematicidad y, como demuestra este volumen, quizás fue Ball uno de sus más atentos lectores. Pero más allá de este sintomático texto —por primera vez aquí en nuestro idioma—, nadie como Hugo Ball podría encarnar mejor la ambigua manera de asumir a Nietzsche que había tenido su tiempo. En este sentido, a este escrito añadimos como apéndice, y casi como un posible cierre, la traducción de la significativa conferencia «Kandinsky», que Ball ofreció en 1917 en la Galería Dadá como declaración programática sobre arte, justo cuando estaba a punto de abandonar el movimiento dadaísta. Sin duda, el conjunto constituye un sensible testimonio de la decantación vanguardista del nietzscheanismo y un vívido ejemplo tanto de las controversias intelectuales como del desencanto por los movimientos artísticos del momento. A todo ello dedica Manuel Barrios Casares, editor y traductor del volumen, un amplio y brillante análisis, que contextualiza y revaloriza la trayectoria de Hugo Ball en el entorno del pensamiento filosófico y estético de su crucial época.

Prohibidas y perseguidas, las películas de temática LGTB han estado apartadas de la historia del cine durante décadas. Las referencias veladas en los guiones, las miradas que cambiaban el significado de la escena y los escándalos de los actores que airea

Vasto recorrido histórico por las narrativas de la 'performance', desde las vanguardias hasta las formulaciones más contemporáneas. La presente obra constituye el primer esfuerzo riguroso y omniabarcador por desarrollar un relato histórico de la performance desde las experiencias que salpicaron las vanguardias hasta las formulaciones más contemporáneas. En primer lugar, se ofrece un amplio análisis sobre la presencia que las estrategias performativas tuvieron en las vanguardias históricas. Identifica después aquellas rupturas que se produjeron en el seno de la modernidad tras la Segunda Guerra Mundial y que condujeron a la eclosión de movimientos tan decisivos como el happening y el Fluxus. Aborda a continuación el surgimiento y desarrollo de la performance posmoderna, fruto del descentramiento del sujeto, y, finalmente, analiza la reformulación de los lenguajes performativos en el actual contexto de la globalización. En estas páginas, el autor analiza con maestría el zigzagueante itinerario trazado por las llamadas artes vivas, también desde un punto de vista poscolonial; traza un amplio arco que desborda

Itziar Okariz (Donostia-San Sebastián, 1965) es una artista cuyo trabajo (performances, acciones, vídeos, instalaciones, piezas de texto) despliega una forma de disidencia estética que pone en cuestión la normatividad del lenguaje y la producción de los signos que nos definen. Su obra, arriesgada y transgresora, se ha podido ver en numerosas muestras nacionales e internacionales, entre ellas en la Bienal de Shangai de 2020 y en el Pabellón de España de la Bienal de Venecia de 2019. A Itziar Okariz le interesa de soñar que sea una acción compartida e inevitable, física, como respirar y como mear [una de sus acciones más recordadas es Mear en espacios públicos o privados, en la que orinaba de pie como suelen hacerlo los hombres, provocando un cortocircuito en la costumbre establecida]. Todos soñamos y, además, todos nos reconocemos en las escenas que describe, porque los sueños son también una construcción cultural y social. Comenzó a anotar sus sueños para usarlos en performances. Cuando sueña -y sueña poco, asegura-, escribe al despertar el recuerdo de esas imágenes, y ahí encuentra su material de tra

Stories recoge y completa el proyecto expositivo del mismo nombre de la artista visual Almudena Lobera. Planteada como una exposición dentro de una exposición, Stories permite otra manera de visitar una muestra de arte al modificar la ubicación -y por tanto la relación- más común entre de la obra, el espacio y el espectador. Dentro de la estructura expositiva, las esculturas de Lobera se desplazan en una cinta móvil ante los visitantes que, detenidos, pueden ir observando y grabando lo que pasa ante sus ojos sin moverse de su posición. Las piezas, propuestas para una lectura lineal, son obras autónomas que conectan géneros y técnicas tradicionales con tratamientos digitales de la imagen, al mismo tiempo que dialogan con el display en el que están expuestas. Escenificación crítica e irónica de los mecanismos de consumo y comunicación imperantes en nuestros días. Almudena Lobera investiga sobre la capacidad de la percepción humana y su relación con la construcción de estructuras biopolíticas, económicas y socioculturales, a través del estudio de tres coordenadas: espacio, tiempo y sujeto/cuerpo. Sus

Este libro de entrevistas, realizadas entre enero y junio de 2021, permite reconstruir la situación de las mujeres en las industrias culturales en España. En él se da la palabra a veintinueve mujeres protagonistas de la cultura española actual para ofrecerles la posibilidad de presentar su experiencia profesional en relación con su género/sexo, de mostrar su visión de la historia de la cultura reciente a través de la exposición de sus propias vivencias, de reflexionar sobre las condiciones materiales y simbólicas en las que desarrollan su trabajo y dar a conocer su opinión acerca de las controversias feministas más recientes. Frente a un discurso neutro, se ha querido privilegiar aquí una perspectiva individual, una experiencia subjetiva. La historia de cada una de ellas se convierte en parte de la historia aún no contada de las mujeres de la cultura. Aunque todavía es pronto para saber si sus historias de vida pueden conformar una historia colectiva, sus palabras arrojan luz sobre nuestra literatura, nuestro cine, nuestro teatro, nuestros museos o nuestra música y muestran un campo de la cultura más diverso y participativo que el que retratan los suplementos culturales y las páginas de cultura de los medios.

Este no es un libro sobre tipografía y diseño. A Eric Gill no le interesa el aspecto estético de la tipografía, sino las letras en sí y su efecto en nuestras vidas. Porque las letras están hechas para ser leídas. Por tanto, digámoslo alto y claro: si Un ensayo sobre tipografía fuera apenas un mero manual sobre cursivas, serifas e interlineados, hoy, en estos tiempos en que lo digital se impone, su relevancia sería la de un reloj de sol. Pero conserva toda la vigencia del mundo, porque supone una atinada descripción de los peligros del trabajo deshumanizado y una defensa a ultranza del individuo creador, siempre enfrentado a los dos ritmos –el de la máquina y el del ser humano– que chocan una y otra vez en su día a día. Tan polémico como imprescindible, este ensayo de Gill sigue actuando como una metáfora inmejorable, porque su autor sabe que la tipografía encierra una historia paralela a aquella que ayuda a fijar sobre un soporte, y nos la brinda con una claridad arrolladora.

De una incomparable familiaridad con el legado clásico y moderno del cine, del estudio exhaustivo de sus películas y de los rasgos de estilo de sus cineastas, nace el Paulino Viota teórico, ese sabio que ha plantado en artículos, libros, conferencias y cursos la fructífera semilla de su apasionamiento, marcando a varias generaciones de cinéfilos mediante la finura del análisis, la argumentación audaz y la iluminación arrebatadora. Fue, como bien se ha dicho, la opción elegida para seguir siendo creativo, para hacer cine de otra manera, cuando su carrera de cineasta se vio desgraciadamente truncada. En "Simetrías. Los cinco actos en las películas de John Ford", catorce títulos del director de Fort Apache o The Searchers son desmenuzados para hacer comparecer a su cineasta-constructor, demiurgo tras las apariencias que apuntala la narración y gestiona su memoria —esa guía afectiva del espectador atento— a partir de cinco actos, unidades de sentido de raigambre mítica relacionadas entre sí por simetrías y correspondencias que explican la pregnancia del cine fordiano. Así, Paulino Viota, con una clarividencia que se impone a la hybris, nos faculta a comprender y sentir la parte sumergida que sustenta la punta visible de ese imponente iceberg llamado John Ford; y mientras, el lector, en justa proporción, celebra el trabajo minucioso y callado, la tramoya de diagramas y esquemas que el analista ha ido desarrollando durante años para poder arribar a sus emocionantes conclusiones, aquí donadas con la generosidad que todos conocemos y admiramos en él.

Con este volumen, Per monstra ad sphaeram, los lectores tienen por primera vez a su disposición una selección temática y cronológicamente coherente de textos inéditos de Aby Warburg, en una edición filológicamente fidedigna preparada en colaboración con el Instituto Warburg. Son los frutos del trabajo desarrollado por el autor durante su recuperación en la clínica psiquiátrica de Ludwig Binswanger en Kreuzlingen, y son también el testimonio de su cura. Con este libro se demuestra que Warburg nunca dejó, ni siquiera durante el periodo más crítico de su vida, de reflexionar sobre los problemas que le interesaban, y que la famosa conferencia El ritual de la serpiente no fue un fenómeno aislado, un rayo en el cielo sereno de la noche de Kreuzlingen. Los textos posteriores a esta conferencia que se recogen en Per monstra ad sphaeram pueden considerarse el núcleo originario del Atlas Mnemosyne, su obra capital. Aby Warburg ofrece aquí, por única vez, lo más parecido a una síntesis de su trabajo, y guía al lector a través del laberinto de su pensamiento: la pervivencia de las imágenes, como un inconsciente psíquico que atraviesa las eras; la eterna dinámica entre lo apolíneo y lo dionisíaco, entre la forma y las fuerzas oscuras que rigen nuestra existencia; el gran baile cosmológico en el que las fuerzas caóticas y desintegradoras son contenidas, contrarrestadas por un orden que aporta equilibrio… La iluminadora lectura de estos textos nos permite vivir, junto con el autor, la experiencia de una personal y verdadera catarsis. «Durante décadas Warburg ha sido una entrada casi vacía en el universo de las referencias teóricas y, por encima de cualquier otra cosa, el nombre de una biblioteca y un instituto míticos. Las cosas, sin embargo, están cambiando, y ha llegado el redescubrimiento de la extraordinaria importancia de Aby Warburg y su carácter en tantos sentidos visionario». Xavier Antich, La Vanguardia «No se comprende muy bien por qué Warburg no es desde siempre tan conocido como Nietzsche o como Freud, o como Max Weber, dado que fue un estimulante de la cultura tanto o más que cualquiera de ellos». Isidoro Reguera El País