La escucha no parece estar siendo escuchada con demasiada atención. Por este motivo, "La escucha actual" defiende el acto de escucha como práctica creativa y crítica, poética y política. Este libro nace de un empeño aproximativo, a veces pausado, a veces desesperado, por reivindicar la dimensión activa y participativa de la escucha en la comunicación audiovisual y, por supuesto, en la experiencia musical. La noción de "oído social" contribuiría a distinguir los principales esquemas de escucha en la cultura contemporánea, muy especialmente la escucha masiva, la escucha clásica y las condiciones de saturación que marcan el rumbo sin rumbo de la (no) escucha ambiental. Es razonable destacar que lo que está aquí en juego resulta crucial para la vida en común.

Con ayuda del cine se pueden tratar las cuestiones más complejas del presente a un nivel que durante siglos ha sido propio de la literatura, la música o la pintura. Pero una y otra vez hay que buscar de nuevo el camino por el que tiene que ir el cine como arte. Estoy convencido de que el trabajo práctico en el cine será para cada uno de nosotros algo infructuoso y desesperanzado, si no comprendemos con toda exactitud y claridad la especificidad de este arte, si no encontramos nosotros mismos la llave que tenemos para abrirla.La crítica ha dicho: «El texto del cineasta ruso -escrito en colaboración con Olga Surkova-, es una obra capital de la estética que, además de diversos criterios filosóficos puramente expuestos, incluye una retrospectiva de los a veces dramáticos avatares durante la filmación de sus películas, todo orientado a tratar de definir sus ideas sobre el arte en general y el cine en especial.» Horacio Ramirez, Cine y Lietratura. «Tarkovski expone su visión del arte y del cine en términos tanto personales como teóricos, haciendo un recorrido por todas sus películas y deteniéndose también en el uso de los elementos del lenguaje cinematográfico (por ejemplo, el sonido o el uso de la cámara). Es un abordaje bastante concreto, ya que el análisis es sobre la experiencia, partiendo de la base de que las soluciones no son dogmáticas, sino específicas para los problemas reales.» Lucida Podesta, Proyecto IDIS. «Es el ensayo más importante, y en muchos aspectos, el más hermoso y emocionante, que he leído sobre el cine entendido como arte supremo.» Adrián Massanet, Espinof.

Lucas Condró propone en este ensayo una serie de procedimientos para el cuerpo sobre lo uno, el sí mismo y la relación con los otros. Nos llama a pensar y producir expresión, a producir efectos, dado que, según sus propias palabras: «Toda puesta en relación crea un juego continuo de cercanía y distancia donde emerge la posibilidad de lo singular, o sea, de algo que se desprende de mi propia naturaleza pero que a la vez me permite alejarme de ella.» Lo singular se presenta así como la continuación práctica de las Notas sobre pedagogía y movimiento que inauguraron Asymmetrical-Motion, un proyecto de investigación sobre el movimiento dentro del campo de la danza contemporánea. Sobre el autor Lucas Condró (Buenos Aires, 1977), bailarín, coreógrafo y docente. Desde hace 10 años desarrolla su investigación sobre el movimiento dentro del campo de la danza contemporánea.

Un texto fundamental para cualquier persona que esté interesada en la naturaleza de la sociedad y la cultura contemporáneas, y en el decisivo papel que los medios de comunicación desempeñan en su configuración.

De una palabra puede emerger un cuerpo y, de ahí, muchos más. Si esa palabra es «bailar», su significado parece inmediato. Pero visto más de cerca, se oscurece. Es necesario un gesto de precisión para experimentar qué implica «bailar». En Asymmetrical-Motion/Clases, de Lucas Condró, asistimos a ese gesto, delicado y riguroso. El libro recoge una vida de investigación y enseñanza donde se concibe el espacio-tiempo llamado «clase» como una obra de arte en sí. Para esto, se puntualizan aspectos pedagógicos a través de cuatro o cinco nociones: «bailar-experimentar», «observar», «nombrar», «incorporar». Una caja de herramientas abierta, una ingeniería poética del movimiento. Ahora, bailar puede ser sinónimo de leer; y la sensación de un pie, un pensamiento.

Tras los paradigmas del arte-como-texto de los años setenta y el arte-como-simulacro de los ochenta, Hal Foster sostiene que somos testigos de un «retorno de lo real», un retorno del arte y la teoría que buscan asentarse en los cuerpos reales y en los sitios sociales. A lo largo de sus páginas se presenta una lectura original del arte y de la teoría de las últimas décadas, con especial atención a las polémicas conexiones entre ambos, al tiempo que reflexiona sobre la relación entre las vanguardias históricas y las neovanguardias. El resultado es una genealogía acreditada del arte y la teoría desde el minimalismo y el pop hasta el presente. Como señala Miguel Ángel Cajigal en el prólogo que ha preparado para esta edición conmemorativa, este libro clave de la historiografía artística contemporánea «se afirma como una lectura comprometida del arte, sus tensiones y conflictos, que se consolida como testimonio fundamental en la historia del arte de aquel tiempo en el que quisimos ser modernos».

La imagen fotográfica es ante todo múltiple y cambiante, producto de la mirada de quien fotografía, pero también de una reacción físico-química independiente de su voluntad, que deja una huella aparentemente imparcial del objeto representado como analogía de la perspectiva visual humana.Para comprender los rasgos específicos de este arte peligroso, profano y mudo que no ofrece más que lo que revela, es necesario comprender los procedimientos técnicos implícitos en el funcionamiento del acto de fotografiar. A partir de este supuesto inicial, Jean-Marie Schaeffer ofrece en este ensayo ineludible, una descripción precisa y minuciosa de la revolución conceptual provocada por la existencia del dispositivo fotográfico. Desde un enfoque semiológico, aborda los modos en que este signo -ícono e índice a la vez- transformó el vínculo de las sociedades con sus representaciones, La imagen precaria es un libro de referencia para repensar el lugar de la fotografía en la vida cotidiana, su utilización en las ciencias y el periodismo como garante de objetividad, y su estatus dentro del campo de las artes. valido el prestigi

Memoría es la autobiografía de Juan Sebastián Bollaín. Un recorrido sincero de su vida y obra a raíz de que le diagnosticaran la enfermedad de Parkinson, de su infancia, sus relaciones familiares y de pareja complejas, su trabajo como arquitecto, el humor, la utopía y su amor incondicional por el cine. Una edición muy especial que incluye imágenes, fotogramas y un fanzine como contenido extra donde se podrán descubrir, por primera vez, sus cómics y dibujos más underground. En definitiva, un libro tratado con el mayor cuidado y cariño posible para que se convierta en un objeto de colección para amantes de este director de cine.

Casi las mismas décadas de insumisión y rebeldía que ha protagonizado Godard con su vida y obra lleva Paulino Viota estudiando ambas, desde el apasionamiento cinéfilo y la devoción inteligente que siente por "el cineasta con mayor riqueza estructural de la historial del cine". Dividido en dos grandes bloques, este ensayo magistral --y ya definitivo tras la reciente desaparición del cineasta-- pone en perspectiva todas las etapas de su mítica carrera, que arranca con la irreverente modernidad de los años 60, atraviesa la militancia política y el utópico deseo de fusión en lo colectivo, y desemboca, rayando el nuevo milenio y como colofón a una duradera y profunda reflexión sobre la mediación tecnológica, en ese estilo inimitable donde lo poético acontece como posibilidad de una simultaneidad inédita entre imágenes y sonidos, materiales ya convertidos en "formas que piensan" la historia del cine y la del siglo XX, como ejemplifica a la perfección una de sus cimas, "Histoire(s) du cinéma". Sin obviar los títulos más emblemáticos del cineasta francés, Viota ha decidido aquí desentrañar especialmente el "milagro laico" del último Godard, el de algunas de las películas (Notre musique, Film socialisme, Adieu au langage y Le Livre d'image, es decir, las que apenas se estrenaban y comentaban entre nosotros) que más han cuestionado el rutinario estatuto del espectador audiovisual, atendiendo a cómo lo en principio ininteligible no se encuentra reñido con la reflexión y la emoción, sino que, más bien, el desmantelamiento crítico y la puesta en cuestión de los lugares comunes de la representación pueden añadir un potencial suplementario de afecto y misterio a las realizaciones del arte. El libro se cierra (para en cierta medida volverse a abrir) con un antológico artículo largo, «Godard infiel», sobre la trascendencia que la sexualidad —a partir de sus relaciones con Karina, Wiazemsky, Miéville, Roussel...— ha podido tener en su filmografía, un sugerente colofón que no es sino otra manera de repasar vida y obra —inmediatez y artificio, continuidad y variación—, factores inextricablemente relacionados en uno de los artistas más importantes de nuestro tiempo.

¿Qué tienen en común las máscaras africanas, los cuadros dieciochescos, las imágenes medievales y ciertas fotografías contemporáneas? Sencillamente su capacidad para despertar emociones intensas y suscitar respuestas vehementes. Mediante el análisis de una amplia gama de imágenes y de tratados de estética, el autor establece la recurrencia de las respuestas humanas ante las imágenes a lo largo del tiempo

El trabajo de Paulo Tavares explora el potencial de la arqueología de la imagen y el trabajo de campo junto a comunidades para revelar y reconstruir procesos históricos de violencia contra poblaciones (humanas y no humanas) y el medioambiente. En un recorrido que va desde las expropiaciones de comunidades indígenas en los bosques amazónicos hasta los vertidos de petróleo en el Golfo de México, este conjunto de ensayos desvela la capacidad de los nuevos (y viejos) medios para responder a los discursos oficiales de la colonización y la violencia política y nos invita a construir nuevos marcos conceptuales y jurídicos con los que proteger los ecosistemas y otras entidades no humanas frente a la aceleración y la extracción masiva de recursos propias del mundo contemporáneo. mejor que sus certezas, su humildad científica antes que un conocimiento autosuficiente, una actitud más que un cuerpo de doctrina: «Con la 'hybris' del intelecto no se llega a ninguna parte. Tienen que aceptar que lo inconsciente aporta algo, y de ustedes depende que entiendan su lenguaje, el de lo inconsciente. No es el lenguaje que usan us

Puede que seas un experto destrozador y que hayas devorado uno o varios ejemplares de Destroza este diario. O tal vez esta sea tu primera vez (pst, puede que esta experiencia te cambie la vida). Sea como sea, no busques más, has encontrado el libro perfecto para destrozar. Te presentamos el nuevo Destroza este diario, ¡ahora en una impresionante edición a todo color! Dentro encontrarás retos para pintar, romper, transformar y dar rienda suelta a tu creatividad; una mezcla de tus retos favoritos y otros completamente nuevos. Destroza este diario. Ahora a todo color te invita a destrozar en colores: mezcla pinturas para crear barro, deja que la suerte elija el tono, recorta tiras de papel de brillantes colores, y mucho más. ¿Qué colores usarás para destrozar tu diario?

Este monográfico reúne 50 xilografías de Gerd Arntz, un tercio de su producción entre las dos guerras mundiales. El constructivismo "objetivo" o "figurativo" que caracteriza la obra de este diseñador gráfico debe considerarse como el resultado del debate sobre la política cultural revolucionaria que tuvo lugar entre 1918 y 1933, principalmente en Alemania. Su concepción del arte gráfico partía del rechazo, tanto del costumbrismo realista como de los excesos expresionistas. A través de sus isotipos y pictogramas, Gerd Anrzt apostó por un lenguaje sencillo y directo, elaborado en base a símbolos de comprensión universal. La idea que lo guiaba la resumió perfectamente su amigo y camarada, el pintor Franz Wilhelm Seiwert, en pocas líneas: "no queremos hacer cuadros que el burgués cuelgue encima del sofá para hacer más agradable su siesta. No queremos pintar cuadros que hagan que los hambrientos olviden su hambre. Tampoco queremos pintar cuadros en los que el mundo es hermoso y todo es bueno. Porque el mundo no es bello, y no todo es bueno". ESPARTAQUISMO · ANTIFASCISMO CONSTRUCTIVISMO · VANGUARDIAS

A mediados de los años sesenta, dos jóvenes haitianos fueron fusilados a las afueras del cementerio nacional de Puerto Príncipe frente a una multitud convocada por la dictadura de François «Papa Doc» Duvalier. La escritora haitiano-estadounidense Edwidge Danticat no recuerda cuándo escuchó por primera vez sobre esta ejecución convertida en espectáculo, pero sí que siempre la ha perseguido y obsesionado. Crear en peligro enlaza esta y otras historias que transcurren entre su país natal y Estados Unidos, su país adoptivo. Es un conjunto de ensayos literarios que exploran las vidas de artistas migrantes en momentos de crisis y diáspora, artistas que crean en peligro para gente que lee en peligro. Edwidge Danticat ha desarrollado una prosa nutrida de voces orales y cosmopolitas, de tradiciones narradas en inglés, creol y francés. Su originalidad la ha consolidado como una de las escritoras internacionales más celebradas y premiadas de su generación. «Con sus ficciones, Danticat ha recreado un Haití para múltiples lectores que de otro modo no hubieran entendido nada» —The New York Times «Con un talento indi

Marzo de 1895, una tela blanca se extiende sobre uno de los muros de la Sociedad de Estímulo de la Industria Nacional en París. La sala está a oscuras y el público expectante. En el extremo opuesto de esa pantalla improvisada, alguien manipula un artefacto similar a una linterna mágica. Aparece la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir y la imagen cobra movimiento: las puertas se abren, decenas de obreros salen caminando, riendo, gesticulando. Es la primera proyección del cinematógrafo y, entre el reducido grupo de asistentes, se encuentra Alice Guy, el eslabón perdido de los orígenes del cine. Al año siguiente dirige la primera película de ficción en la historia, y pronto asume desafíos inéditos de producción, puesta en escena y efectos especiales. Fue la primera mujer a la cabeza de un estudio cinematográfico y la única cineasta conocida públicamente hasta 1906. Filmó cerca de mil películas durante 26 años de trayectoria en la naciente industria, pero no fue inscrita en la historia del cine. Muchas de sus realizaciones se extraviaron y gran parte de su producción fue atribuida a sus colegas. Estas Memorias, p

En 1565 Richard Breton edita en París Les Songes drolatiques de Pantagruel, una colección de 120 estampas grabadas en madera por un autor anónimo, que las firmó utilizando el nombre de Rabelais. El artista desconocido que grabó las estampas pudo ser François Desprez. Una selección de 25 estampas de Desprez fueron la inspiración directa de la serie de 25 litografías de Salvador Dalí tituladas también Les Songes drolatiques de Pantagruel. Dalí mantuvo las composiciones originales, introduciendo pequeños detalles que subrayaban su carácter fantástico. El imaginario carnavalesco pasa por el filtro de la «paranoia-crítica» daliniana, en una expansión de la estética de lo grotesco. Ese ciclo satírico-surrealizante sirve como pretexto visual para revisar a ese artista extravagante que llegó a decir que «la belleza será comestible o no será». Dalí canibaliza el mundo pantagruélico y nos invita a degustar un menú que es más inquietante que sabroso.

Luz Arcas funda la compañía La Phármaco en 2009, donde desarrolla su lenguaje como bailarina, coreógrafa y directora escénica, en el que ha sido definitivo el diálogo con expresiones artísticas de Latinoamérica, India, África y también de Andalucía, su propia tierra, por la necesidad de escapar del estilo internacional imperante en Europa. Sus últimas creaciones son la trilogía Bekristen/ Cristianos (Capítulo 1: La domesticación, Capítulo 2: Somos la guerra), Toná y Mariana, aún en gira nacional e internacional. Luz Arcas es Premio El Ojo Crítico de RNE 2015, Mejor intérprete Femenina Premios Lorca 2015, finalista Mejor Intérprete Femenina Premios Max 2017, finalista a Mejor Espectáculo de Danza y Mejor Intérprete Femenino de Danza en Premios Max 2022, PREMIO INJUVE 2009, Málaga Crea 2009.

La desaparición de Marjorie Keller a los 43 años no auguraba un prometedor destino para los frutos de su polifacética creatividad, dedicada en cuerpo y alma al cine de vanguardia y experimental, terreno ya de por sí marginal y donde su personalidad política y desprejuiciada defensa de cineastas mal vistos por la férrea ortodoxia feminista del momento -como Marie Menken, Gregory Markopoulos o Stan Brakhage- ya habían orillado sus propuestas en vida. Tras el tímido pero paulatino rescate de su obra fílmica, era preciso poner de nuevo en circulación -y traducir por primera vez a otros idiomas- su principal aporte teórico, este casi secreto The Untutored Eye, aquí bautizado como Un ojo sin adoctrinar, donde el cine de Jean Cocteau, Joseph Cornell y Stan Brakhage se desmenuza e interrelaciona a partir de sus distintas maneras de poner en escena la infancia. Sólidamente apoyada en la literatura psicoanalítica y cognitiva, Keller rastrea aquí al niño como tema, contenido, imaginario e implicación metafórica, pero en especial como una aparición que el cineasta incorpora y necesita, consciente o inconscientemente, para afirmarse como artista. Se ilumina así al mismo tiempo y con sutilidad, en esta pesquisa también antropológica que vincula a tres tipos de pioneros, una idea de reinvención, de vislumbre de posibilidades -el cine, claro, como infancia del arte- que puede hacernos comprender por qué otros grandes cineastas -Godard, Erice, Kiarostami…-, han recurrido a la inocencia y la generosa imprevisibilidad de los pequeños para transmitir la inquieta aurora de un modo de hacer, de un mundo y un pensamiento nuevos.

En el 50 aniversario de su muerte, esta “novela sin ficción” trata los puntos flacos de Picasso: las mujeres, la política y su propio éxito. Hubo tres frentes abiertos en la vida del pintor malagueño: las mujeres, el compromiso político y el arte. O, mejor dicho, su arte. En este libro somos testigos de la relación tormentosa de Picasso con las mujeres: sus abusos y maltratos y la dependencia que tenía del sexo femenino como motor de su obra. Distinguimos las luces y las sombras de los negocios que hizo en el París ocupado por los nazis. Y llegamos a entender las repercusiones de la comercialización extrema de su arte, que lo llevó a fabricar en serie dibujos y pinturas a los que dar salida sin importar su valía creativa.El resultado es un retrato en tres dimensiones de un genio largamente encumbrado y que, sin embargo, jamás fue inmune a las contradicciones, flaquezas y debilidades que afectan a cualquier ser humano.