Mientras que hoy día casi todo el mundo quiere "repensar el museo", pocos tienen la audacia de cuestionar los presupuestos mismos del museo universal, producto de la Ilustración y del colonialismo, de una Europa que se presenta como guardiana del patrimonio de toda la humanidad. Recorriendo la historia del Louvre, discutiendo los callejones sin salida de la representación de la esclavitud y examinando los intentos fallidos de subvertir la institución museística, Françoise Vergès esboza un horizonte radical: descolonizar el museo significa poner en marcha un programa de desorden absoluto, inventar otras formas de aprehender el mundo humano y no humano que alimenten la creatividad colectiva y devuelvan la justicia y la dignidad a las poblaciones desposeídas de ellas. EL MUSEO OCCIDENTAL ES UN CAMPO DE BATALLA IDEOLÓGICO, POLÍTICO Y ECONÓMICO.

Estamos constantemente fotografiando y siendo fotografiados, al tiempo que alimentamos bases de datos de aprendizaje automático con nuestros datos, que a su vez se utilizan para generar nuevas imágenes. Al analizar la transformación de la fotografia por el mundo digital y la transformación de la percepción humana por las imágenes gestionadas por algoritmos, desde la CGI a la IA, el presente libro investiga lo que significa para nosotros vivir rodeados de flujos de imágenes. Con una inteligente y atractiva argumentación, Zylinska aúna la teoría de los medios y la neurociencia. De la mano de sugerentes conceptos como eco-punk, AUTO-FOTO-KINO, imágenes perdedoras o sensografia, en sus páginas se esboza una filosofia de unos medios caóticos para una época en la que nuestras prácticas en torno a la imagen y la autoimagen son objeto de un rediseño radical. Y a la vez ofrece una nueva visión de nuestro futuro.

Asiduo visitante del Rastro de Madrid, el fotógrafo Paco Gómez compró en otoño de 2019 unas cajas con negativos de cristal de principios del siglo XX. Maravillado por la calidad de aquellas imágenes, y sin apenas datos, consiguió localizar a su dueño, un maestro de escuela francés y fotógrafo amateur. Como ya le sucediera con Los Modlin (Fracaso Books, 2013), el autor persigue las huellas de un personaje anónimo y se embarca en un viaje en su busca recorriendo pueblos perdidos de Francia. El resultado de sus investigaciones se resume en este inclasificable objeto que puede ser visto como un fotolibro o leído como un libro de aventuras, un diario o un ensayo sobre los misterios de la fotografía.

En esta historia alternativa del «largo siglo XX», Raunig analiza las concatenaciones entre arte y política, desde la Comuna de París de 1871 hasta las turbulentas protestas contra la globalización en Génova en 2001, pasando por Sergei Eisenstein, Bretch y Benjamin, los situacionistas, el accionismo vienés y el teatro transgresor del PublixTheatreCaravan, con una coda hasta el 15M y las acciones feministas de la última década. En esta investigación sobre qué ocurre exactamente cuando durante cierto tiempo se desarrollan zonas de solapamiento entre las máquinas revolucionarias y las máquinas artísticas (sobre qué ocurre a lo largo de la línea de fuga de arte y revolución), siguiendo el arte de fabricar conceptos preconizado por Deleuze y Guattari, Raunig desgrana momentos en los que arte y revolución se suceden sin apenas contacto, otros de concatenaciones negativas de oposición y momentos en los que priman las relaciones jerárquicas de subordinación. Son las concatenaciones transversales, cuando los métodos de la acción política y la práctica artística se infiltran mutuamente y se solapan temporalmente,

El siglo XX fue un siglo de vapuleos y enmiendas a muchas de las asunciones propias de la modernidad europea. No obstante, pese a que gran parte de su legado fue pasado por la trituradora, una idea permaneció intacta: la idea ilustrada de que la cultura «civiliza», nos libera o nos hace mejores. Este libro, que reivindica a un tiempo la tradición de los estudios culturales y una perspectiva de análisis materialista, nos invita a replantear la vigencia de la noción burguesa de cultura, que todavía sigue siendo promovida por las instituciones públicas y que define los valores y aspiraciones de gran parte de la sociedad. La propuesta de Jaron Rowan desafía la noción de la cultura como un agente inherentemente emancipador y transformador, al tiempo que muestra cómo esta ha sido repetidamente empleada para mitigar los conflictos sociales y bloquear los procesos de cambio político. La cultura es un medio para moldear los gustos y sensibilidades de las clases medias, convirtiéndose así en una importante herramienta de gobierno social. Al explorar las formas de trabajo, precariedad y subjetividad, a la vez que a

«Ya se ha estrenado El séptimo sello y estoy ocupado con los ensayos de Peer Gynt. Y claro que me encuentro cansado y poco centrado por esos dos factores, crispado e inseguro, y muy indeciso respecto al porvenir. Aun así, no puedo evitar preguntarme qué será lo próximo que haga. Hace tiempo que está decidido que me pondría con El juego falso pero cuanto más ha pasado el tiempo tanto más me desagrada ese proyecto. Ya no quiero seguir dándole vueltas a los conflictos matrimoniales. Me aburre lo indecible y es un tema tan espantosamente falto de humor y tan serio y grave y tan revelador y excesivo sin estar motivado de forma sincera y convincente. Toda esa basura me produce un sentimiento espontáneo de aversión. Es una asquerosidad». Publicamos por primera vez los cuadernos de trabajo del genial director sueco, que nos permiten acceder a la parte más íntima de su proceso de creación: desde sus obsesiones, pasiones, inspiraciones a sus relaciones con actores y actrices. Un documento único para conocer desde dentro la obra de uno de los grandes directores del siglo XX.

La actriz Elisabet Vogler se encuentra en un hospital, después de perder la voz mientras interpretaba Electra en el teatro, y los doctores no encuentran causa aparente de su silencio. Encargarán su cuidado a una enfermera llamada Alma, con quien Elisabet comienza una estrecha relación. Persona es una de las obras maestras del séptimo arte y en este libro Bergman nos muestra su enorme potencia literaria. Como señala el propio autor, no se trata de un guion cinematográfico, sino que «se asemeja más al tema de una melodía».

Los símbolos ejercen un fuerte control en el siglo XXI y lo han hecho durante miles de años. Desde emblemas nacionales a logotipos corporativos y emojis, nuestra vida cotidiana está repleta de iconos que hunden sus raíces en un pasado remoto. El experto historiador del arte Matthew Wilson traza las trayectorias, a menudo sorprendentes, que han seguido los símbolos a lo largo de la historia, desde sus propósitos originales hasta sus significados modernos, identificando los temas e ideas comunes que relacionan culturas aparentemente dispares. Así, nos encontramos con el halcón como símbolo de autoridad desde los antiguos faraones egipcios hasta la aristocracia medieval; el perro como compañero incondicional desde la época clásica hasta el Renacimiento; y la mítica ave fénix como símbolo de poder femenino que conecta a una reina inglesa con una diosa china. Desde las pinturas rupestres paleolíticas hasta obras artísticas contemporáneas, Wilson nos guía hábilmente por este mundo de símbolos, mostrando su perdurable capacidad para expresar poder, esperanza, miedo y fe, y para crear y comunicar identidades, uniendo —o dividiendo— a los pueblos que los crearon.

En 1968, Pier Paolo Pasolini recibió en su casa de Roma al crítico de cine Jon Halliday y juntos, durante varias semanas, alumbraron esta serie de entrevistas con las que el intelectual italiano dio forma a su más completo autorretrato personal y artístico. En ellas se desgrana su concepción del cine, la intrahistoria de sus películas, sus impresiones sobre los aspectos técnicos del séptimo arte, su posición frente a la censura, etcétera. Pero la riqueza de la personalidad del entrevistado, la curiosidad del entrevistador y la lucidez de ambos hacen que la conversación discurra por caminos insospechados y vayan apareciendo todos los temas que despertaron el interés y la pasión de Pasolini: la lengua, la religión, la relación entre literatura e ideología, entre cultura y política, entre la Iglesia y la sociedad. Estas páginas reavivan, así, el ardor intelectual de uno de los mayores genios del siglo XX.

¿Es el arrepentimiento una forma de memoria?, ¿una manera de narrarnos a nosotros mismos?, ¿un acto de imaginación? Alejandro Cesarco ha desarrollado una práctica artística heterodoxa a partir de recursos como la repetición, la narratividad, la lectura o la traducción. Con este libro, en el que cuestiona un devenir del arte regido por el principio de producción y orientado hacia el éxito, transita el arrepentimiento como modo estético y como herramienta metodológica. Lo contempla como una fuerza creadora que se sitúa entre quienes somos y quienes aspiramos a ser, o entre lo que hacemos y nuestras deficiencias. De la mano de pensadores y artistas como Louise Lawler, Sturtevant, Lauren Berlant, Jorge Luis Borges o Macedonio Fernández, Cesarco rastrea la doble función de este sentimiento: no solo una manera de mirar atrás sino también de proyectarnos hacia delante, de (re)evaluar lo que nos impulsa. Bajo el signo del arrepentimiento refleja una particular tonalidad a través de

Inspirado por unas palabras pronunciadas por Josephine Baker en la Marcha sobre Washington de 1963, Hanif Abdurraqib ha escrito una profunda y duradera reflexión sobre cómo la presencia escénica negra está inextricablemente entrelazada en el tejido de la cultura estadounidense. Con una colección de 21 ensayos divididos, a su vez, en cinco movimientos que evocan, tanto las secciones autónomas de una pieza musical como los movimientos físicos de un cuerpo que baila, Abdurraqib utiliza la danza y la música para explorar las emociones negras mediante la autobiografía confesional, el análisis de la cultura pop y varias figuras históricas; auscultando el significado de la actuación negra sobre los escenarios, la búsqueda de la individualidad y la voluntad de sobrevivir.

Una exquisita propuesta sobre la relación directa y personal que tenemos con el arte y las exposiciones. Profesora de arte y cronista de exposiciones durante años, los puntos de vista de Mercè Ibarz sobre cuestiones artísticas son siempre personales, fundamentados y de gran lucidez. En este libro invita al lector a enfocar la mirada y establecer una relación directa con las obras. Entre la memoria íntima, la observación culta y el análisis social, este ensayo exquisito y estimulante es una muestra más de la inteligencia, la sensibilidad y la claridad expositiva que definen a la autora.

Chagall es uno de los artistas más singulares del siglo xx. Adorado por algunos, despachado por otros como fantástico y sentimental, su pintura encierra una cantidad de símbolos y significados ligados tanto a la historia reciente como a las más antiguas tradiciones rusa y judía. El texto de Pieyre de Mandiargues es delicado, original y extraño. Considera a Chagall un «pintor-poeta», le otorga la categoría de «un héroe de nuestro tiempo [cuya obra] es una defensa, una iluminación y una predicación perpetuas del amor»; y tiene razón cuando dice que no hay nada en el mundo en el que vivimos que sea tan moderno como el amor. La suya es una lectura atípica de la obra de Chagall, atrevida en sus referencias a su tendencia a la mística, inteligente al cambiar ese término por el de «mágico». André Pieyre de Mandiargues (París, 1909-1991) fue un novelista, poeta, dramaturgo y ensayista francés, cercano al grupo surrealista. Tradujo, entre otros autores, a Octavio Paz, W.B. Yeats, Alberto Savinio, Salvador Elizondo y Yukio Mishima, y su profunda relación con la pintura –estaba casado con Bona Tibertelli de Pisis, sobrina del pintor italiano Filippo de Pisis– le llevó a escribir sobre varios de sus contemporáneos artistas. En 1967 obtuvo el prestigioso Premio Goncourt por su novela Al margen y en 1979, el Gran Premio de Poesía de la Academia Francesa.

Remedios Varo: Los años de México es la más reciente monografía, dirigida a una audiencia mundial, sobre una de las pintoras surrealistas más interesantes y misteriosas. Magníficamente ilustrado, el volumen presenta las obras más importantes de la pintora, y el texto de Masayo Nonaka ofrece una mirada única hacia la vida y obra de Remedios Varo.Nacida y criada en España, Remedios Varo (1908-1963) se formó rigurosamente en la prestigiosa Academia de San Fernando en Madrid, antes de escapar de la Guerra Civil Española en 1937 para unirse al círculo de surrealistas en París. El brote de la Segunda Guerra Mundial la forzó a refugiarse en México, donde permaneció hasta su muerte en 1963.Conocida como una de las tres brujas, Varo compartió con Leonora Carrington un interés por el esoterismo o la tradición espiritual antigua, y con Kati Horna toda una variedad de intereses por las máquinas, la ciencia, y la ciencia ficción, así como por la filosofía, la psicología, y la literatura del romanticismo alemán.Durante los últimos 10 años de su vida, Remedios Varo se dedicó a crear un sueño poético extraordinario en los límites entre el misticismo y la mente moderna, razón por la que ha sido aclamada como una de las mujeres surrealistas más talentosas en el arte del siglo veinte.