Fue uno de los grandes cineastas de Hollywood y para muchos el mejor guionista que jamás pisó la Meca del Cine. Billy Wilder supo crear un universo mágico a través de sus películas. Un universo en el que cabíala risa, pero también la amargura; el cinismo pero también la ternura. Ese particular mundo de apartamentos prestados e indemnizaciones dobles, de travestidos y prostitutas dulces, de Coca-cola, diosas en declive y Berlín en ruinas, es también el mundo en el que la hija del chófer se convierte en Cenicienta y una comunista descubre París. Magia en definitiva. Veintidós prestigiosos críticos analizan en El universo de Billy Wilder sus films como director, sus films como guionista, sus comienzos en el cine alemán, sus colaboradores, sus actores, sus obsesiones, sus filias, sus fobias

Los artistas no tienen más remedio que expresar sus vidas. Lo único que pueden elegir, y no siempre, es el proceso. Ese proceso no cambia el contenido esencial de su trabajo artístico, que solo puede ser su vida . La renombrada artista plástica Anne Truitt llevó un diario durante siete años con la determinación de explorar las fuerzas que regían su cotidiano y su arte. Con una sensibilidad exquisita y una honestidad que conmueve, la autora escribe sobre el proceso creativo, sobre sus hijos que se están convirtiendo en adultos y cómo eso transforma la maternidad, sobre los consejos que recibió de otros artistas, sobre la crítica, la soledad y el problema del dinero. Truitt busca entender esa vida en la que las actividades diarias y la necesidad de estar con niños y con amigos se contrapone de manera constante con el mundo del color y la geometría abstracta en el que situó su arte. Daybook, un libro delicado y lúcido, nos permite vislumbrar una mente con una profundidad singular: las reflexiones de Anne Truitt, tan generosas, iluminan el proceso artístico. Daybook es un regalo inusual que i

David Cronenberg siempre quiso ser escritor. Su deseo de escribir, aplazado en varios momentos de su vida por diversos motivos, regresaba una y otra vez. Su necesidad de narrar(se) a través de la palabra escrita, su admiración por los novelistas de ciencia ficción, la devoción por Nabokov, Kafka, Burroughs... Todo lo conducía inevitablemente a expresar su universo personal e intransferible mediante una letra que se fue infectando, con el devenir de los años, con una imaginería audiovisual inigualable. Una necesidad, una (com)pulsión, que ha cristalizado en una mentalidad artística propia y única en la industria cultural. Todo director de cine, dice Cronenberg, crea una realidad virtual.

Forjado en el circuito de festivales como South by Southwest en los primeros 2000, el mumblecore sirvió de continuación low cost al cine indie de los 90 fagocitado por Hollywood y supuso un soplo de aire fresco que hizo de trampolín para figuras como Greta Gerwig, los hermanos Safdie, David Lowery o Josephine Decker, que acabaron adelantando por la derecha a pioneros como Joe Swanberg, Andrew Bujalski o los hermanos Duplass, cuyo momento de gloria vendría (signo de los tiempos) de mano de las plataformas de streaming. A través de análisis críticos de obras y autores que dan forma al mumblecore, así como de conversaciones con algunos de sus directores, este libro no sólo explica la calidad artística de estas películas, sino que explora hasta dónde llegan las relaciones entre ellos; miembros de una comunidad realmente vibrante y colectiva, en la que el participar en las películas de los demás era más que habitual. Con sus rodajes baratos, imágenes vulgares y gestos minimalistas, el mumblecore supuso un nuevo capítulo en la historia juvenil del cine estadounidense. Si la cultura de los años 50 había visibilizado una etapa vital alejada tanto de la infancia como de la vida adulta, el ocaso del siglo XX mostraría una fase avanzada y radicalizada de este proceso. En el mumblecore, esta preeminencia de la juventud coincidió con estéticas intimistas, la irrupción de la cultura digital, presupuestos irrisorios y un complejo diálogo con la historia del cine independiente norteamericano. El presente libro abarca distintos temas de interés relacionados con este ciclo de películas mayormente ignorado en nuestro país y que marcaría los primeros años del siglo XXI, cuando el cine industrial parecía ser la única alternativa en Estados Unidos.

-No nos van a matar ahora- es la primera compilación de textos de la pensadora y artista multidisciplinar Jota Mombaça. Nacida en el nordeste de Brasil, su obra adquirió relevancia en los últimos años en el panorama global del arte contemporáneo, lo que la llevó a establecerse en ciudades como Lisboa y Ámsterdam. Desde esa posición, se encarga de señalar las tensiones entre ética, estética y política que atraviesan las producciones de conocimiento actuales, al tiempo que nos alerta sobre las "extorsiones ontológicas" del mercado del arte. Mombaça forma parte de una generación de artistas que han puesto en primer plano las intersecciones entre desobediencia de género, pensamiento antirracista y crítica poscolonial, bajo la influencia de pensadores como Frantz Fanon, Saidiyia Hartman, Fred Moten y ?sobre todo? Denise Ferreira da Silva (con quien Mombaça ha colaborado en publicaciones y proyectos). Su obra señala de qué manera las instituciones culturales se apropian del trabajo de personas trans y racializadas para promover una imagen de diversidad e inclusión y satisfacer el consumo de una audiencia mayorme

Desde la película: Las plantas (2016), Roberto Doveris asume la tarea de interrogar los modos de representación de las comunidades LGBTQ+. En "Ficción marica", sin distanciarse de su rol de creador, examina el cine chileno contemporáneo y su creciente interés por incluir, interpelar y visibilizar a una comunidad que históricamente no tuvo cabida en los relatos audiovisuales y que, sin embargo, en la actualidad da cuenta del creciente protagonismo en el rubro cinematográfico. "Ficción marica" intentará responder a las preguntas ¿por qué este cine aparece hoy en Chile?, ¿por qué no apareció antes? Movilizando diversas teorías del cine, feminismos, estudios de género y queer studies, el autor examina decenas de películas estrenadas en la última década, y engloba las representaciones LGBTQ+ en el campo amplio de las artes. "Ficción marica" es así una valiosa sistematización en torno a películas de cineastas como Marialy Rivas, Sebastián Lelio, Camila José Donoso y José Luis Torres Leiva, que intercala películas reconocidas con el rescate de proyectos pequeños o experimentales con m

Ingmar Bergman no concibió los escritos que se recogen bajo el título de Cuaderno de trabajo como una obra destinada a su publicación, sino como un diario íntimo de su actividad creadora en el que iba perfilando el modo en el que se desarrollaría el argumento de sus obras cinematográficas. «El valor de los cuadernos de trabajo no radica tanto en el emblemático nombre de Bergman, en que es el gran cineasta quien escribe acerca de sus películas, sino al contrario, creo yo, lo que ocurre en este libro ocurre por debajo del nombre, fuera de su alcance, y por tanto representa y muestra los procesos creativos per se: ¿Qué es crear? ¿Qué se precisa para crear? ¿Cómo abrir campo para una obra, cómo mantenerlo abierto, cómo ampliarlo? ¿En qué pensar, qué buscar?» (del prólogo de Karl Ove Knausgård).

Mientras que hoy día casi todo el mundo quiere "repensar el museo", pocos tienen la audacia de cuestionar los presupuestos mismos del museo universal, producto de la Ilustración y del colonialismo, de una Europa que se presenta como guardiana del patrimonio de toda la humanidad. Recorriendo la historia del Louvre, discutiendo los callejones sin salida de la representación de la esclavitud y examinando los intentos fallidos de subvertir la institución museística, Françoise Vergès esboza un horizonte radical: descolonizar el museo significa poner en marcha un programa de desorden absoluto, inventar otras formas de aprehender el mundo humano y no humano que alimenten la creatividad colectiva y devuelvan la justicia y la dignidad a las poblaciones desposeídas de ellas. EL MUSEO OCCIDENTAL ES UN CAMPO DE BATALLA IDEOLÓGICO, POLÍTICO Y ECONÓMICO.

Estamos constantemente fotografiando y siendo fotografiados, al tiempo que alimentamos bases de datos de aprendizaje automático con nuestros datos, que a su vez se utilizan para generar nuevas imágenes. Al analizar la transformación de la fotografia por el mundo digital y la transformación de la percepción humana por las imágenes gestionadas por algoritmos, desde la CGI a la IA, el presente libro investiga lo que significa para nosotros vivir rodeados de flujos de imágenes. Con una inteligente y atractiva argumentación, Zylinska aúna la teoría de los medios y la neurociencia. De la mano de sugerentes conceptos como eco-punk, AUTO-FOTO-KINO, imágenes perdedoras o sensografia, en sus páginas se esboza una filosofia de unos medios caóticos para una época en la que nuestras prácticas en torno a la imagen y la autoimagen son objeto de un rediseño radical. Y a la vez ofrece una nueva visión de nuestro futuro.

Asiduo visitante del Rastro de Madrid, el fotógrafo Paco Gómez compró en otoño de 2019 unas cajas con negativos de cristal de principios del siglo XX. Maravillado por la calidad de aquellas imágenes, y sin apenas datos, consiguió localizar a su dueño, un maestro de escuela francés y fotógrafo amateur. Como ya le sucediera con Los Modlin (Fracaso Books, 2013), el autor persigue las huellas de un personaje anónimo y se embarca en un viaje en su busca recorriendo pueblos perdidos de Francia. El resultado de sus investigaciones se resume en este inclasificable objeto que puede ser visto como un fotolibro o leído como un libro de aventuras, un diario o un ensayo sobre los misterios de la fotografía.

En esta historia alternativa del «largo siglo XX», Raunig analiza las concatenaciones entre arte y política, desde la Comuna de París de 1871 hasta las turbulentas protestas contra la globalización en Génova en 2001, pasando por Sergei Eisenstein, Bretch y Benjamin, los situacionistas, el accionismo vienés y el teatro transgresor del PublixTheatreCaravan, con una coda hasta el 15M y las acciones feministas de la última década. En esta investigación sobre qué ocurre exactamente cuando durante cierto tiempo se desarrollan zonas de solapamiento entre las máquinas revolucionarias y las máquinas artísticas (sobre qué ocurre a lo largo de la línea de fuga de arte y revolución), siguiendo el arte de fabricar conceptos preconizado por Deleuze y Guattari, Raunig desgrana momentos en los que arte y revolución se suceden sin apenas contacto, otros de concatenaciones negativas de oposición y momentos en los que priman las relaciones jerárquicas de subordinación. Son las concatenaciones transversales, cuando los métodos de la acción política y la práctica artística se infiltran mutuamente y se solapan temporalmente,