Las imágenes generadas por el poder utilizan determinados motivos visuales bajo los cuales se oculta una suma de protocolos interesados que les proporciona su auténtico sentido. Ante esta constatación, los cuarenta capítulos y las dos adendas que conforman El poder en escena responden a la necesidad de ejercer de rastreadores de estos iconos de la esfera pública para descifrar así la naturaleza de estas imágenes que parecen rutinarias y espontáneas, y ante las cuales no solemos interrogarnos. Solo con hacerlo y detenernos en cada motivo para nombrarlo, ya se da un paso decisivo para reconocer su sesgo ideológico. Esos motivos visuales se generan desde el campo de la política, quizá los más notorios por su voluntad propagandística; desde la economía, siempre basados en la ocultación de su poder real; del poder judicial, otro ámbito donde la opacidad es norma; de los cuerpos policiales, que construyen motivos de aparente objetividad; o de algunos rituales sociales que se repiten de manera insistente y enigmática. El hecho de ahondar en los orígenes iconográficos de cada motivo -en el cine, la pintura, la fotografía o la arquitectura y sus posteriores ramificaciones- nos permite cuestionar las formas visuales que los distintos ámbitos de poder utilizan para autorrepresentarse. Y al mismo tiempo sirve para preguntarnos por la génesis y evolución de estas formas, dar testimonio de su falsa transparencia y devolver así una mirada crítica e irónica ante el poder que las genera.

Una lectura adictiva sobre el poder en la sociedad actual. Lo más cercano a contar con Vito Corleone susurrándote al oído unas cuantas lecciones de vida. El poder está en la política... pero mucho menos de lo que parece. «La posición es más importante que las piezas», reza la ley 48 de El Padrino. La partida del poder se juega a diario en el trabajo, con los amigos, en el amor, en la relaciones con nuestros hijos o con nuestros padres. Si no sabes de poder, si eres analfabeto en la materia —nos advierte el autor— tu desgracia está cerca, pues el poder es la piedra filosofal de la vida en sociedad. Pero vivimos una época que denosta el poder como gesto ético y que cree que el bien puede prosperar al margen del poder. Podemos seguir la senda de ese error o apostar por conocer las leyes que rigen esta fuerza ubicua, universal y sublime. El Príncipe de Maquiavelo ilustró con incomparable maestría las leyes del poder en el Renacimiento. Mario Puzo y Francis F. Coppola han hecho otro tanto en nuestro tiempo presente. Las leyes del poder están en El Padrino, en la novela y las películas. Solo hay que organizar lo que está en estas obras y una claridad sorprendente nos ayudará a iniciar el camino de comprender las leyes del poder: reveladas como las de Moisés, inequívocas como las de Newton, crudas como las de Hammurabi.

DK examina las fotografías y los autores más reconocidos, explorando fechas clave y avances tecnológicos. Este libro traza la historia de la fotografía desde sus orígenes en la década de 1820 hasta la fotografía digital del siglo XXI, presentando a lo largo del camino imágenes que demuestran el poder y la versatilidad del medio. Fotografía, además de repasar el impacto de las influencias sociales y culturales y el efecto de los desarrollos tecnológicos, analiza imágenes icónicas, revelando el contexto y la historia tras ellas e identificando sus detalles clave. Contiene también un directorio ilustrado que proporciona biografías de más de 250 de los mayores fotógrafos del mundo. Este libro de gran formato es imprescindible e ideal para todos los amantes de la fotografía y del arte en general. Aunque también puede ser el regalo perfecto para cualquier aficionado a la fotografía.Además, este libro está ilustrado con fotografías e imágenes de gran calidad que, sin descuidar el texto, acompañan al lector a lo largo de todo el libro. En esta fabulosa guía visual también encontrarás comentarios del afamado fotógrafo y autor del libro, Tom Ang. «Comparada con otras formas artísticas desarrolladas a lo largo de siglos, la fotografía se encuentra aún en su infancia. La música evolucionó desde los cantos en torno a la hoguera hasta las sinfonías y las óperas; la pintura se desarrolló a partir de los signos en las paredes de las cavernas, y los cantos juglarescos dieron paso a la novela épica. Evidentemente, lo mejor de la fotografía todavía está por llegar; en menos de dos siglos, ha dejado de ser un pasatiempo de ricos para convertirse en la forma artística más asequible.» Tom AngDescubre la historia de la fotografía a través del tiempo Descubre la historia de la fotografía contada de forma cronológica a lo largo de los siguientes capítulos: 1825-1849 Los albores de la fotografía 1850-1879 Tomando impulso 1880-1914¿Arte o ciencia? 1915-1939 La forja de una identidad 1940-1959 El espíritu del tiempo 1960-1979 Diversidad y conflicto 1980-1999 Desafío y cambio 2000-Presente. La era digital Sumérgete en este libro de fotografía de gran formato y descubre: - La historia de la fotografía desde susorígenes en la década de 1820 hasta la actual era digital. - Imágenes y detalles sobre los avances tecnológicos en fotografía. - Las fotografías más impactantes que marcaron cada época. - La biografía y visión de 250 fotógrafos reconocidos alrededor del mundo. Fotografía. La historia visual definitiva forma parte de nuestra colección de libros de historia de gran formato. Esta sección está diseñada para deleitar a toda la familia y al público adulto y en ella encontrarás grandes libros de referencia que convierten esta colección en una de las más variadas y extensas de nuestro catálogo con temáticas tales como arte, fotografía, medicina, planetas, y ciencia.

Siegfied Kracauer, De Caligari a Hitler: este nombre y este título han sido durante mucho tiempo punto de referencia obligado para todos aquellos que se dedican a estudiar el cine como un arte del siglo xx. En su libro, Kracauer aborda el período más rico y espectacular del cine alemán y, por extensión, uno de los más importantes del cine mundial: el que va de 1919, año de la aparición de El gabinete del Dr. Caligari, a 1933, año de la subida al poder de Adolf Hitler. Es el período del expresionismo, de la formación de un lenguaje, de la consolidación de un arte que Kracauer analiza desde un punto de vista nuevo: el que le ofrecen los útiles teóricos del marxismo y el psicoanálisis. Historiador, teórico y filósofo, Kracauer fue crítico de cine durante los años 1919-1933, lo que le permitió vivir directamente el desarrollo del arte cinematográfico en relación a la evolución de una cultura y una sociedad específicas, las de la Alemania de la República de Weimar. Sus trabajos sobre la propaganda nazi en el cine alemán, realizados en Estados Unidos, donde encontró refugio al consolidarse el poder hitleriano, le condujeron a buscar los antecedentes fílmicos del nazismo en los filmes realizados durante los años veinte. De ahí surgió el impresionante trabajo que ahora se presenta en España.

366 DÍAS EN LA VIDA DE PATTI SMITH, autora de Éramos unos niños y ganadora del National Book Award: una emocionante inmersión en el universo de una mujer única En la lista de más vendidos de The New York Times Uno de los mejores libros del año según varios mediosEn 2018 Patti Smith publicó su primera foto en Instagram: su mano y un simple mensaje: «Hola a todos». Cambió su querida Land Camera 250 por su teléfono y trasladó parte de su diario a la red social, donde comenzó a compartir su día a día con breves reflexiones, desde su café matutino, sus lecturas o su gato abisinio, Cairo, hasta sus viajes o sus visitas a las tumbas de los escritores que más adora. Poco después, más de un millón de personasseguían su cuenta. Inspirándose en ese formato, Patti Smith recoge ahora en El libro de los días trescientas sesenta y seis instantáneas, la mayoría de ellas inéditas, acompañadas de textos que constituyen «esbozos de oráculos»: trescientas sesenta y seis flechas dirigidas al corazón cotidiano de las cosas, trescientas sesenta y seis maneras de decir «hola». Una forma única de sumergirse en el universo íntimo y emocional de una artista que es ya un icono de nuestro tiempo.La crítica ha dicho... «Un fotolibro que funciona como una pieza literaria al abrir ventanas a una vida de búsqueda y exploración». Financial Times «Patti Smith es una diosa intergeneracional». Montserrat Domínguez «El libro de los días parece una exquisita caja de bombones: tiene peso, un aire elegante y clásico y un toque agridulce». Elisabeth Egan, The New York Times«Patti Smith no solo es una gran artista, es una maga, es decir, alguien en contacto con otros niveles de realidad». William S. Burroughs «Su escritura puede moverse desde el recuerdo hasta las observaciones sobre la naturaleza y los instantes difusos entre el sueño y la vigilia. [...] Una corriente eléctrica fluye desde ella y parece decirnos: Sí, eres libre. Puedes coger una guitarra. Puedes escribir lo que quieras. [...] Puedes amar. [...] Eres libre de hacer lo que desees. Su habilidad tanto para vivir de esa manera como para comunicarlo e inspirar a otros es una forma de genialidad». Chloé Cooper Jones, Harper's Bazaar «Hermosísimo. [...] Un creativo homenaje a escritores, poetas, amigos y familiares». The Observer «Un recordatorio de que podemos encontrar esperanza en los detalles más nimios». Erica Wagner, Harper's Bazaar«Una obra única y hermosa». Stylist «Tiene Patti Smith una forma de escribir que arropa sin llegar nunca a tocarte. Como un extraño limbo en vida. Como una vuelta al vientre materno en la que hasta el día más oscuro sucede en la más imperturbable paz. [...]Da igual si es una canción, un poema, un dibujo o una fotografía: todo en ella invita a trascender». Eva Blanco Medina, Vogue

"Activismo en el mundo del arte: hacia una ética del comisariado artístico" parte de un principio básico: el mundo del arte como institución jerárquica y hegemónica (integrada por historiadores, museos y salas de exposiciones, mercados de subastas, editoriales, periodistas, críticos y, también, comisarios de exposiciones, etc.) privilegia determinados modos de hacer arte y a ciertos artistas, por lo general blancos y occidentales, a costa de excluir y silenciar el resto de artistas y propuestas creativas procedentes de países y colectivos marginados. Este libro es, al mismo tiempo, un manual de Historia del Arte, relatada a través de las exposiciones más transgresoras y reivindicativas organizadas desde la década de 1970 hasta la actualidad, y un Manifiesto de alcance ético y cultural, formulado con la intención de promover entre todos los agentes implicados, especialmente entre los críticos de arte y los comisarios de exposiciones, un cambio profundo en el mundo del arte que permita y garantice la expresión de la diversidad.

Sus orígenes bañolenses, el sentido lúdico del arte, la vida como una fiesta diaria, Barcelona, Cannes, Locarno, París, Nueva York… Este brindis reaviva el discurso que Albert Serra improvisó como pregonero de las fiestas de San Martiriano: un lúcido recorrido por sus años de formación y un generoso homenaje a todas las personas que lo han ayudado a conformar su particular concepción del cine, el arte y la vida. Una portentosa exhibición de energía iconoclasta, un festín de desconciertos geniales. Albert Serra es director y productor de cine. Entre sus películas destacan Honor de cavalleria, Història de la meva mort, Liberté y Pacifiction, la última que ha estrenado. También ha realizado las piezas audiovisuales Los tres cerditos, para la Documenta de Kassel, y Singularity, para la Bienal de Venecia de Arte. Entre otros, ha ganado el Leopardo de Oro de Locarno, el premio especial del jurado Un certain regard del Festival de Cannes, el premio Jean Vigo y el premio Louis-Delluc.

Un juicio tiene algo de puesta en escena. Incluso cabría decir que la disposición de la sala recuerda a un teatro, con un estrado a modo de escenario y un espacio con filas de asientos reservado para el público, que asistirá a un combate dialéctico entre dos relatos antagónicos. Tanto es así que la teatralidad de los juicios ha sido recuperada en numerosas ocasiones en el ámbito de la representación teatral y cinematográfica. Al tiempo que fiscales y abogados se entrenan reproduciendo casos pasados o ficticios. En este singular ensayo, con la sensibilidad intelectual que le caracteriza, José A. Sánchez indaga, desde diferentes ángulos, en la función política de la representación a partir de juicios históricos y de obras de diferentes cineastas y creadores escénicos, desde la antigua Atenas hasta la actualidad. Y nos propone una reflexión acerca de la vigencia de conceptos como «mal» y «verdad»; así como la manera en que se va transformando la relación entre creadores y públicos en el contexto de la cultura del espectáculo efímero.

La historia moderna es una historia de estetizaciones, y cada estetización plantea una demanda de protección. Estetizamos y queremos proteger casi todo, incluyendo la Tierra, los océanos, la atmósfera, especies raras de animales y plantas exóticas. Los humanos no son la excepción. También se presentan como objetos de contemplación que merecen admiración y cuidado. Durante el siglo XX, artistas e intelectuales lucharon por el derecho soberano de exhibirse en sociedad a su manera: convertirse en obras de arte creadas por ellos mismos. Hoy todo el mundo tiene no solo el derecho, sino también la obligación de practicar el autodiseño. Somos responsables por el modo en que nos mostramos ante los demás, y no podemos deshacernos de esta responsabilidad estética. Sin embargo, sostiene Groys, no somos capaces de controlar nuestra imagen. La producción de nuestros cuerpos públicos es un proceso colectivo que no depende exclusivamente de la propia voluntad. Hacemos libros y obras de arte, diseñamos sitios web y cuentas de Instagram. Junto con ello, se están creando de forma permanente documentos, fotos, videos y copia

Ser es siempre ser otra cosa. Comenzar es algo que siempre se hace por el medio. El pensamiento está en contacto con lo que no puede pensar. La filosofía no es la búsqueda de la claridad sino la vivencia de la confusión, y por eso es arte. Hay un giro estético de la filosofía que no es parte de la moda de ponerle "giro" a cualquier falsa novedad en el pensamiento, sino una transformación que viene de antiguo y que la obra de Gilles Deleuze viene a hacer patente. Junto a filósofos de la mesita de luz de Deleuze (Nietzsche, Spinoza, Bergson), con películas de vanguardia (Hugo Santiago, Boris Barnet, Dziga Vertov), con escritores de colección (Chateaubriand), incluso con tecnologías hoy caducas (¿se acuerdan del CD-ROM?), François Zourabichvili despliega una experiencia estética del pensamiento ya esbozada en "El arte como juego". "Una filosofía solo es interesante por sus aspectos desconcertantes, a la vez extraños y atractivos". O: "Las palabras hacen brillar a las cosas. No existen las palabras y las cosas, sino palabras que son siempre, de entrada, palabras-cosas". Las palabras-cosas conforman la literal

* La mujer ha sido durante mucho tiempo tratada por los artistas como objeto de representación, pero su contribución como creadora de arte es poco reconocida. * Aunque las mujeres artistas ya no están obligadas a trabajar en el anonimato ni a aceptar seudónimos masculinos, hace relativamente poco, en 1989, las Guerrilla Girls salieron a las calles de Nueva York para preguntarse si las mujeres tienen que estar desnudas para entrar en el Metropolitan Museum. * En este libro, la autora explora la vida y la obra de más de cincuenta de las más destacadas artistas femeninas de todos los ámbitos desde el siglo xv hasta la actualidad, entre ellas, Artemisia Gentileschi, Georgia O'Keeffe y Louise Bourgeois. "Un excelente estudio dedicado a artistas internacionales decisivas. Estas esenciales figuras femeninas deberían formar parte de nuestra historia del arte, y este libro es parte de esa importante revisión". Jessica Morgan, directora de Dia Art Foundation En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.

Este libro presenta la singular trayectoria del artista danés Asger Jorn, en relación al arte de posguerra en especial con el expresionismo abstracto, el arte pop y la práctica social. Un artista que contribuye enormemente al arte contemporáneo ya que fue miembro fundador de movimientos de vanguardia como Cobra y la Internacional Situacionista. Un catálogo exhaustivo que incluye traducciones de textos canónicos e inéditos de Jorn, así como nuevas perspectivas sobre su práctica artística. Publicado con motivo de la exposición homónima en El Instituto Valenciano de Arte Moderno, IVAM y comisariado por el historiador del arte Ellef Prestsæter.

La cultura es parte esencial de la vida de la mayoría de las personas. Cultura es ver un programa de televisión o dejarse absorber por el mundo del videojuego. Es leer un libro o escribir un poema, ir a ver un concierto, hablar de cine con amigxs. La cultura es cantar en un coro, actuar sobre un escenario o hacer manualidades para regalárselas a la familia. Sin duda alguna, la cultura forma parte esencial de lo que significa ser humano. Pero este libro explica las razones por las que tenemos que ser cautxs con ella; demostrando que está estrechamente relacionada con la desigualdad.Quien produce cultura refleja desigualdad. La fuerza de trabajo de las profesiones e industrias culturales es altamente desigual. Para tener éxito en una profesión cultural, necesitas tener acceso a una serie de recursos económicos, sociales y culturales que no están disponibles para toda la sociedad de una forma horizontal o equitativa. Quien consume cultura refleja desigualdad. La audiencia que asiste a diferentes formas de arte, incluyendo el teatro, la música clásica, la ópera, el ballet, el jazz o las exposiciones es una minor

Históricamente el Mediterráneo ha sido un espacio de entendimiento y confrontación donde Occidente y Oriente han participado en proyectos comunes y se han enfrentado política y militarmente. Sin embargo, desde el siglo XVIII las potencias occidentales han conseguido una hegemonía económica, política y cultural que les ha permitido tener un trato de dominio colonial sobre el conjunto de países árabes o musulmanes. Escapar del punto de vista mayoritario, romper con las creencias hegemónicas e intentar construir un discurso propio que dote de personalidad e identidad a un país o a una cultura es una tarea ardua y costosa. Los países árabes han visto secuestrada su voz y su manera de ver el mundo por una concepción generalista e igualatoria que tiende a negar las diferencias, olvidar la pluralidad de voces o sentimientos, y llevarnos a una historia única e indiscutible, a la sombra de Occidente. Este libro tiene un doble objetivo: por un lado, entender cómo se ha ido construyendo un discurso cultural e ideológico colonial en el que ha primado el desinterés y el menosprecio por aquello que no se conoce o s

La historia de las mujeres artistas ha sido, hasta hace pocos años, sistemáticamente ignorada por el discurso oficial. Tirar del hilo de esa historia olvidada no supone tan sólo reparar una omisión intolerable, sino también cuestionar muchas de las categorías fundamentales (como las de "genio artístico", "calidad" o "influencia") sobre las que asienta la disciplina de la historia del arte en su conjunto. Los orígenes del movimiento feminista se remontan al menos al siglo XVIII, pero habrá que esperar a que surja el llamado Movimiento de Liberación de la Mujer, a finales de la década de 1960, para que algunas artistas e historiadoras señalen la necesidad de intervenir, desde un punto de vista feminista, en el campo de la práctica y la teoría artísticas. Este libro es la historia de esas intervenciones, con frecuencia polémicas, no sólo en el ámbito académico e institucional sino en el del propio pensamiento feminista: la situación de las mujeres artistas, la afirmación de la diferencia sexual, la representación del cuerpo femenino, la mirada como instrumento de poder o el impacto de las nuevas tecnologías en el arte hecho por mujeres son algunos de los temas de debate que han marcado la relación entre el feminismo y la historia del arte. El resultado de esa relación entre el feminismo y la historia del arte es, sin duda, una de las renovaciones más profundas que ha conocido la disciplina histórico-artística en el siglo XX. Al tiempo que se reescribe la vieja historia, se crean otras nuevas: nuevas historias de mujeres y, por supuesto, nuevas historias del arte.

¿Para qué sirve un museo? Durante años multitud de activistas y gestores culturales han experimentado, también desde lo institucional, con las respuestas posibles a esa pregunta, explorando los límites del arte, su función política en sociedad y los condicionantes que impone ese particular marco que llamamos museo. Este ensayo nos ayudará a profundizar en la reflexión tomando como sujeto de estudio la práctica desarrollada en el Museo Reina Sofía durante el mandato de Manuel Borja-Villel. Durante algo más de una década se desarrollaron allí programas, proyectos y dispositivos de relación y negociación con comunidades y movimientos sociales que partían de un cuestionamiento crítico de los marcos institucionales. Se pretendía con ellos desbordar los lazos que vinculan al museo con la sociedad en la búsqueda de una profundización de sus fundamentos democráticos.Aunque estos procesos son en buena medida una singularidad, casi una anomalía, dentro del marco del museo neoliberal que se impuso en España desde la década de los 90, sin embargo, como se narra aquí, tiene sus raíces en el rol que se otorgó al arte

"Star" is a book about art. A book about appropiation and public domain. About brand, identity and copyright. It is a book about money. Still and nevertheless —nevertheless— it is a book with a soul, where children play and run about in their sunday clothes. A book that raises to some cloudy sacred place where only the blessed dwell. In 2013 Nacho García broke the boundaries of his own domestic look into the world with Pulir, a hazardous tour de force against dull fixed parameters of art books and comics. Knowing —maybe not knowing— he had already walked the path from memes and bedroom epistemology by challenging the trivia stereotypes of the quirk and the mundane, his new book is a heartfelt statement about the politics of raw abstract truisms and platitudes of art. Everyday life, money, celebrities, internet are art forms here, just as hellfire and custom metal logos, becoming res nullius, res communes, res publicae and res universitatis while over two hundred ideas made in heaven find their way into corporeality, proving that if it can be written in Arial, then it's REAL.

Conocer el esqueleto humano no solo ayuda a comprender la mecánica del cuerpo, sino que permite trabajar los dibujos hasta la perfección en función de la osamenta bajo la piel. Después del primer volumen dedicado al écorché y un segundo volumen centrado en la esquematización, Michel Lauricella ofrece en Anatomía artística 3 todas las claves para dibujar el esqueleto humano. · Más de 500 dibujos de los huesos y las estructuras óseas de cabeza y cuello, torso, miembros superiores y miembros inferiores. · Descripción visual de salientes, aristas, crestas, surcos, torsiones y de los movimientos de rotación y flexión-extensión. · Desarrollo de la capacidad de observación y selección a través de una mirada precisa y muy dirigida sobre el cuerpo humano.