En el siglo XXI, el arte se ha convertido en un asunto extraño. La llegada de Internet, la difusión de las nuevas tecnologías y el auge de las redes sociales han distorsionado nuestro universo visual hasta la furia de los gifs animados, los retoques de Photoshop y las prácticas apropiacionistas de todo tipo y grado. Trolls, youtubers e instagramers nos están legando un conjunto de prácticas y estéticas que recuerdan los preceptos de las vanguardias históricas, alegremente distorsionados en clave desinhibida. ¿Cómo ha respondido a semejante contrapaso el arte que encontramos en museos y galerías?Y ¿qué pasaría si, en el futuro, los libros detexto de historia del arte no recogieran lasobras de algún artista del siglo xix, sino los memes de usuarios anónimos que se esconden tras seudónimos inverosímiles? En este libro, el primero que intenta trazar una cartografía exhaustiva de la relación entre las artes visuales y las culturas digitales a partir de la década de 2000, Valentina Tanni recorre el camino que nos ha llevado “de Marcel Duchamp a TikTok”, esbozando los contornos de uno de los senderos más fascinantes e inquietantes de la actualidad.

A principios del siglo xx, nuevos movimientos espirituales como la teosofía, difundida por Helena Blavatsky o Annie Besant, entre otras figuras, y la antroposofía de Rudolf Steiner, con su búsqueda de un lenguaje capaz de expresar una realidad metafísica, inspiraron no sólo a conocidos pioneros del arte abstracto, como Kandinsky, Mondrian o Malévich, sino también a ciertas mujeres solitarias, imbuidas de un rico mundo interior, como Georgiana Houghton o Hilma af Klint. La presente antología –basada en un seminario celebrado en el Museo Guggenheim de Nueva York en octubre del 2018– examina en detalle este sugestivo fenómeno cultural a través de la fascinante figura de Hilma af Klint, cuya obra pictórica ha acaparado un asombroso interés internacional más de cien años después de su creación.

Hace tiempo que el problema de cómo se construye la reputación, el reconocimiento o la consagración del arte y los artistas se ha convertido en un tema importante en muchos debates y congresos, no solo de sociología y de historia del arte, sino también en otros ámbitos académicos y no académicos en los que interesa la manera en que se configuran los valores y las jerarquías culturales y artísticas. Los coordinadores de este libro llevan más de quince años estudiando estos temas, y aquí han reunido un conjunto de artículos de diversos autores que, en su mayor parte, tratan la problemática valoración de creadores del siglo XX en el campo de las artes visuales. Otro denominador común de los trabajos es que son investigaciones realizadas por historiadores del arte que han utilizado como método de análisis un enfoque sociológico. Un enfoque que da resultados no solo muy útiles, sino incluso, a veces, inesperados

«¡Ay palabras!,, ¡qué inadecuadas sois!, ¡qué harta acaba una de vosotras!, ¡siempre diciendo demasiado o demasiado poco! ¡Ay, estar en silencio! ¡Ay, ser pinEsta publicación recoge por primera vez en lengua castellana una recopilación de artículos en torno a las artes visuales escritos por Virginia Woolf entre los años 1920 y 1936. En ellos la autora indaga en la relación entre escritura y pintura, narra sus visitas a exposiciones, recoge impresiones y méritos del grupo Bloomsbury, y manifiesta su postura en torno a la aparición del cine o a la vinculación de los artistas con la esfera política.

La belleza de lo oculto es tanto un ensayo como una autobiografía esotérica sobre la necesidad de conocer esos mundos invisibles, inaccesibles, que han marcado la cultura occidental. Lugares maravillosos, cargados de belleza, que forman parte de nuestro imaginario. Hablo del Otro Mundo, de la Tierra Celestial, del Mundus Imaginalis, del Bardo, o del Plano Astral; regiones a las que muchos artistas, visionarios y ocultistas intentaron acceder espiritualmente. Así, esta es tanto una historia personal, donde narro mis experiencias, un tanto fallidas, con el mundo de lo oculto, como un estudio sobre estas creencias que marcaron a neoplatónicos, místicos, magos, cabalistas, esotéricos y teósofos, pero también a «viajeros inmóviles» como John Dee, Giordano Bruno, Victor Hugo o William Blake. Un recorrido por geografías místicas —utopías invisibles, en definitiva—, que nos permitirá conocer el origen de estos periplos del alma, lo que Mircea Eliade denominó como «el vuelo mágico».

De cómo sustraer edificios a la ciudad es tan importante como construirlos y puede contribuir a nuevas estrategias urbanas.Sean cuales fueren los placeres y los prodigiosos esfuerzos asociados con el hecho de erigir arquitectura, el arte de hacer que esta desaparezca puede ser igualmente emocionante o satisfactorio.Sustraer edificios es tan importante como construirlos. Para los arquitectos, la sustracción ofrece un repertorio artístico ampliado de creación de formas, así como un nuevo territorio para las aventuras espaciales y el ingenio. Si todo edificio es a la vez una suma y una resta, todo acto de desconstrucción también lo es.Existe toda una economía de la sustracción, una industria pesada, una fuente de empleo, un recurso material, un protocolo medioambiental global y un mercado alternativo que escapa del dominio de la industria financiera. La interacción de variables espaciales demuestra que la sustracción puede significar crecimiento.

Este libro propone una cartografía crítica de las prácticas y discursos de las últimas seis décadas mediante el análisis del potente papel del arte y el cine en la configuración de imaginarios culturales, sociales y políticos desde la Guerra Fría hasta la actualidad. Nuestro enfoque busca resaltar el rol de los movimientos sociales así como de las políticas institucionales en momentos de crisis continua y de rápidas desestructuraciones sociales en las que el arte toma una posición activa. No pretende ser un volumen que agote perspectivas, sino un punto de partida para el análisis que acompase las transformaciones producidas en la historia, la filosofía, la sociología y los estudios culturales que nos ayude a nutrir el pensamiento contemporáneo, donde lo visual ocupe un lugar preponderante. Todos los conceptos que aparecen aquí son fundamentales. La selección no pretende ser absoluta, y se reconoce profundamente parcial. Sin embargo, en sus entrecruzamientos y tangencialidades, estos vocablos adquieren volúmenes y resonancias que, sin duda, son necesarios para pensar nuestro presente en su entrelazamiento co

Las imágenes, desde sus orígenes, estuvieron ahí para contar historias, acompañadas siempre de palabras, en ocasiones escritas, otras imaginadas por el espectador, desde los petroglifos de los hombres-perro en el desierto de Libia a los di­bujos de Jean-Jacques Lequeu. Y así ocurrió hasta la Revolución Industrial, la conquista del mundo por las máquinas. La cámara fotográfica fue una de esas máquinas, que cambió nuestro modo de ver, vivir y hacer literatura. A partir de entonces las imágenes y las palabras renunciaron al relato, a llevar­nos a ningún otro lugar que no fueran las propias imágenes y las mismas palabras, en su color, materia, espacio, forma, sonido, dando lugar a imágenes y palabras ensimismadas. Las vanguardias escenificaron por primera vez este cambio de paradigma que ha deter­minado la práctica artística hasta la actualidad.

En un alarde de modestia, el autor de este libro lo define como un «texto sobre fotografía». No lo es. O, al menos, no exclusivamente. Autobiografía hecha de fragmentos, Imagen fantasma es un intento por fijar la intimidad y la emoción que desaparecen tras el disparo de la cámara; también, especialmente, por capturar en palabras lo que nunca estuvo allí. Hervé Guibert hurga en la caja de fotos familiares y encuentra rostros esquivos, la joven belleza de su madre, autorretratos en los que ya no se reconoce. Recuerda deseos inconfesables, la violencia velada del padre, la mirada de aquel amante enfermo. El mecanismo fotográfico despojado de todo afán documental o comunicativo: el capricho de la memoria.

Trabajo esencial que muestra la obra de más de 300 artistas modernos y contemporáneos nacidos o afincados en América Latina.Los artistas latinoamericanos han ido adquiriendo cada vez más relevancia internacional a medida que el mundo del arte ha ido descubriendo las extraordinarias escenas artísticas de la zona. En un formato accesible ordenado alfabéticamente, este volumen presenta obras clave de 308 artistas que, en conjunto, demuestran la variedad y vitalidad de las obras de arte que se están realizando. Centrándose en los artistas nacidos o que han vivido en las 20 regiones de habla hispana y portuguesa de América Latina, y presentando a artistas históricos y vivos -tanto conocidos internacionalmente como nombres menos conocidos fuera de sus países de origen-, este libro ha sido creado en estrecha colaboración con un experto panel de 68 asesores y escritores. Entre los artistas incluidos figuran: Allora y Calzadilla, Manuel Álvarez Bravo, Francis Alÿs, Olga de Amaral, Fernando Botero, Leonora Carrington, Lygia Clark, Carlos Cruz-Diez, Leonor Fini, Gego, Félix González-Torres, Carmen Herrera, Graciela Iturbide, Alfredo Jaar, Frida Kahlo, Guillermo Kuitca, Wifredo Lam, Teresa Margolles, Marisol, Cildo Meireles, Ana Mendieta, Beatriz Milhazes, Ernesto Neto, Hélio Oiticica, Gabriel Orozco, José Clemente Orozco, Diego Rivera, Zilia Sánchez, David Alfaro Siqueiros, Cecilia Vicuña, Adrián Villar Rojas y Faith Wilding. El panel asesor incluye a: Deri Andrade, David Ayala-Alfonso, Fernanda Brenner, Estrellita B. Brodsky, Tatiana Cuevas, Anna Di Stasi, Andrés Gustavo Duprat, Raphael Fonseca, Zanna Gilbert, Laura Hakel, Yina Jiménez Suriel, Maya Juracán, Pablo Léon de la Barra, Miguel A. López, Bernardo Mosqueira, Gerardo Mosquera, Rodrigo Moura, Laura Orozco, Taisa Palhares, Maylin Pérez, Catherine Petitgas, Patricia Phelps de Cisneros, Florencia Portocarrero, Ileana Ramírez Romero, Amy Rosenblum-Martín, Emiliano Valdés y Michael Wellen. 

Desde sus orígenes, el cine ha sido objeto de control para eliminar aquello que en cada época el poder consideraba «peligroso». En este libro, ameno al estar concebido como un gran reportaje, Vicente Romero nos narra la historia de la censura en el cine español, con especial atención a los cuarenta años de la dictadura franquista, cuando los señores de las tijeras –principalmente falangistas y representantes de la Iglesia– impusieron los criterios religiosos y políticos oficiales sobre lo que se podía o no ver en las pantallas: imágenes cortadas, diálogos suprimidos, argumentos tergiversados por el doblaje... hasta extremos tan absurdos y ridículos que hoy nos generan una sonrisa, pero que representaron una condena para nuestro cine. Esta rigurosa investigación nos ofrece testimonios de nuestros principales cineastas (Berlanga, Bardem, Saura, Iquino, etcétera), así como de integrantes de las juntas de censura, junto a algunas imágenes de secuencias prohibidas y una selección de documentos oficiales inéditos sobre la actuación de los llamados ángeles guardianes que se esmeraban en una represión cultural

La Guerra (Der Krieg) reúne los 50 aguafuertes realizados por Otto Dix en 1924, con motivo del décimo aniversario del fin de la Primera Guerra Mundial. Tomando como referencia Los Desastres de la Guerra de Goya, Dix plasmó una visión de lo bélico como nunca antes se había hecho. Frente a las visiones místicas de escritores como Ernts Jünger o de pintores como Wilhem Sauter, aquí domina la visión más cáustica y desoladora de lo que fue la guerra de trincheras. Muy conscientemente, Dix incide en la podredumbre, en la crueldad extrema y en el sinsentido. La obra concitó la ira de los nacionalsocialistas, que la consideraron como un auténtico sabotaje al espíritu militar alemán. Por el contrario, las organizaciones obreras y antibelicistas, la acogieron con entusiasmo, al punto de reeditar miles de ejemplares en ediciones económicas. A día de hoy, un siglo después, los grabados de La Guerra siguen siendo una pieza clave del movimiento artístico de la Nueva Objetividad y una saludable vacuna contra la basura belicista que nos venden cotidianamente unos medias cada vez más militarizados

Alicia Dujovne nos invita a descubrir la singular mirada de una de las artistas surrealistas más caleidoscópicas de nuestro tiempo.Biografía de Dora Maar, una de las personalidades más interesantes del siglo XX, cuyo ojo detallista y poético fue testigo de los procesos creativos de intelectuales como Picasso y Bataille.

El poeta José Ángel Valente y el cineasta Gonzalo Suárez, reunidos por Susana Chillida para reflexionar en torno al arte, el artista, la obra y el proceso creador. Un verso de un poema de Valente, «el gato es pájaro», les da pie para armar este diálogo en torno a «esa cuestión intangible que podemos llamar arte», que a veces, recuerdan ambos, es «una bofetada», una llamada a mirar y «ver cosas que se quedan en la sombra». En esta conversación estos dos creadores tienen de fondo a Eduardo Chillida, a quien ambos conocieron en distintos momentos de su vida y al que admiraban profundamente. Las palabras de ambos mantienen plena vigencia y nos recuerdan que, en el arte, como en todo en la vida, hay que «seguir el vuelo de los grandes».

El relato visual de Liza Ambrossio (Ciudad de México, 1993) arranca en la adolescencia con la huida de su casa familiar y el infantil, perverso y a su vez instintivo deseo de supervivencia al invocar la muerte de sus progenitores antes que permitir el feminicidio o la desaparición de ella misma en un país, una educación y una cultura profundamente conservadora, religiosa, elitista, desestructurada y machista. Su violento exilio dispara una investigación sobre la supervivencia, la locura propia y ajena, la libertad, la responsabilidad y la muerte, invitándonos a un viaje —mental y real—, a través de sus obras. El camino recorrido por la artista genera historias entrelazadas que rompen la cotidianidad banal y frívola para poner el foco en cuestiones inconfesables, en acciones surrealistas, en extremos actos de deseo, de justicia simbólica o en fetichismos macabros. Toda imagen para Ambrossio se convierte así en señuelo y delirio. La presente publicación recoge cerca de 80 textos escritos como resultado de la libre asociación de ideas a partir de las imágenes de Liza Ambrossio, elaborados por los tres comisarios que más estrechamente han trabajado con ella en las diferentes etapas de su carrera: Javier Martín-Jiménez (España), Cuauhtémoc Medina (México) y Arianna Rinaldo (Italia).

Al narrador de esta singular historia lo han contratado para hacer de Javier Cámara en una película y decide viajar a Albelda, el pueblo donde nació el actor, para indagar en su vida. Entre viaje y viaje, revisa sus interpretaciones en el cine y las series a la búsqueda de los gestos y ademanes que lo caracterizan, y se entrevista para ello con todo aquel que le pueda proporcionar información. El hijo del Labrador no es solo el relato de ese proceso, sino también una encantadora aventura en la que el personaje merendará con la familia de Cámara, tomará café con algunos colegas y se meterá literalmente hasta la cocina e incluso hasta la nevera de la casa de Javier. Por las páginas del libro desfilan, como en cameos cinematográficos, la madre y las hermanas del actor, sus maestros y muchos amigos como Carmen Machi, Pilar Castro, Fernando Trueba, James Rhodes, Félix Sabroso, Fernando Colomo, Isabel Coixet, Cesc Gay o Candela Peña, entre otros, aparte de estrellas del cine tan admiradas como Pedro Almodóvar, Paolo Sorrentino o Jude Law. Además, el prólogo de David Trueba y el epílogo de Bernardo Sánchez le ponen a la novela un marco espléndido, detallan aún más la vida y la obra de Javier Cámara, para que el lector disfrute y se divierta con esta peculiar biografía de uno de los actores españoles más extraordinarios y queridos de la historia de nuestro cine. El germen de este libro está en marco del Premio Rafael Azcona del festival riojano Octubre Corto, entregado a Javier en el año 2018.

Un volumen colectivo que profundiza en la figura de Ocaña, uno de los artistas más admirados, libres y transgresores de los años de la Transición.¿Qué tiene la figura de José Pérez Ocaña que, cuarenta años después de su muerte, sigue despertando admiración? Ocaña. El eterno brillo del Sol de Cantillana es un volumen colectivo coordinado por Carlos Barea que trata de responder a esta pregunta a través de una mirada multidisciplinar a la vida y la obra de uno de los artistas más destacados de la contracultura catalana de finales de los años setenta y principios de los ochenta. Con la intención de arrojar algo de luz sobre un personaje del que mucho se ha dicho pero poco se ha escrito, el libro reúne a un gran plantel de autoras y autores que se han encargado de investigar su trabajo y todo aquello que rodeó su figura: desde su sexilio casi forzado a su obsesión por el imaginario religioso en sus pinturas o performances, pasando por un análisis del contexto artístico-cultural en el que se desenvolvió. Además de textos de personas tan cercanas a Ocaña como el director de cine Ventura Pons, su amigo íntimo Nazario o una entrevista a su hermano mellizo, se incluyen dos documentos inéditos: un relato biográfico firmado por el propio artista y una carta de su puño y letra que escribió a Felipe de Paco. Ocaña. El eterno brillo del Sol de Cantillana es, en definitiva, un libro que pretende desentrañar el misterio de un artista absolutamente libre que se marchó vestido de sol y cuyo resplandor ha llegado hasta nuestros días.

Después de años de hablar sobre el andar como práctica estética, Francesco Careri aborda aquí los espacios de la hospitalidad como complemento a un estar en el mundo.Este libro —que sigue a un primer manifiesto-investigación, Walkscapes. El andar como práctica estética (2002), y a una colección de artículos, Pasear, detenerse (2016)— es un relato autobiográfico de momentos y situaciones, a veces verdaderas epifanías, en los que se me revelaron algunas relaciones importantes entre el nomadismo, la arquitectura y la hospitalidad. Pero también es una propuesta para la refundación hospitalaria de nuestras ciudades, para construir sobre las ruinas de lo contemporáneo unos lugares concretos destinados a personas reales, lugares de paso y de encuentro paragentes diversas, lugares de recreación y narración de cuentos, de intercambioentre anfitriones y huéspedes, como en las hospederías y los caravasares de otras épocas.

Este ensayo expone una investigación sobre el paisaje urbano en el cine moderno, tomando como referente la obra de Jean-Luc Godard en el periodo que discurre entre 1959 y 1979. De forma inédita, este libro plantea que su trayectoria fílmica puede leerse como una documentación crítica y perseverante de la ciudad así como de las formas de subjetividad que de ella pudieran brotar. El sujeto primordial de su cinematografía será entonces el proletariado urbano representado en la figura de la mujer. Esta es símbolo del ser que ha sido desposeído de todas esas coordenadas que le eran suyas (su tiempo, su cuerpo, sus afectos y finalmente su vida) y que, una vez abstraídas, han sido puestas a producir. Aunque precisamente por encontrarse en unas circunstancias alienantes, Godard considerará, combatiendo el fatalismo, que ellas son también el punto clave para empezar a revertir la situación, adueñarnos de lo propio y «vivir».