Entre el ensayo cultural, la chismografía, la historia de las ideas, el periodismo literario y hasta la crítica cinematográfica En “Mi única intención a la hora de escribir esta historia informal del ocultismo en Hollywood ha sido la de divertirme y divertir al lector aficionado a inmiscuirse en las vidas ajenas. Las vidas, desde luego, de los ricos y famosos, de los únicos dioses y semidioses que le quedan al hombre del siglo XX en su despoblado Olimpo contemporáneo: las estrellas de cine”, confiesa Jesús Palacios en la introducción a este volumen. En un recorrido cronológico que abarca desde el cine mudo hasta el Hollywood de las multinacionales y los efectos especiales, desde Greta Garbo y Jean Harlow hasta Richard Gere y Tom Cruise, pasando por los luciferinos años 60, Palacios logra conformar una crónica negra de la historia del cine en su acepción más amplia, aquella que incluye no solo las películas, sino también los actores, productores, directores, tanto en su vida pública como privada, así como los gurús, brujos, santones orientales y médiums, teóricos de lo imposible y sectas y sociedades esotéricas de lo más variopintas relacionadas con ellos. Quienes estén interesados en las oscuras relaciones que unen al arte cinematográfico con las artes mágicas encontrarán ideas que quizá les sean de utilidad. La presente edición, que incluye abundantes fotografías y un completo índice de películas y personajes, supone una actualización de la que se publicó en 1997, con aspectos inéditos del Hollywood del siglo XXI que ocupan un nuevo y largo capítulo.

En este precioso volumen Paolo Cognetti reconstruye de manera magistral la vida de Antonia Pozzi a través de cartas, poemas y fotografías, y nos permite conocer la trágica y maravillosa historia de la Antonia.

La primera entrega de las memorias del oscarizado director y guionista —en ambas lides— y no menos controvertido polemista, en cuya nómina de entrevistados figuran también personajes como Fidel Castro, Hugo Chávez o Vladimir Putin, fue trenzada en plena pandemia. Un largo trienio de espera hubo que aguardar para, por fin, tener cumplida noticia de tan azarosas andanzas de su propio puño y letra. Antes de mudarse a Los Ángeles, y saborear las mieles del éxito internacional con Platoon en 1986, Oliver Stone, a fin de poner coto a sus turbulencias tardoadolescentes, trató de enderezar su vida alistándose en la infantería yanqui con la vana esperanza encontrarse a sí mismo en el infierno de Vietnam, siendo herido en diversas ocasiones —y condecorado por sus heroicas acciones—, y padeció los sinsabores de rigor que aguardan a todo ambicioso guionista que se precie coleccionando innumerables guiones rechazados durante largos años de infausto recuerdo, mientras apenas le alcanzaba para consolarse con algún que otro intrascendente encargo en Nueva York. Stone, que sobrepasó ya los setenta y cinco años, pasa revista a esos iniciáticos años con un pormenorizado relato no exento de altibajos: el divorcio de sus padres cuando apenas contaba dieciséis años; la guerra de Vietnam; el trabajo con Al Pacino para dar cuenta de sus primeros guiones; el angustiante infierno de la adicción a la cocaína; el estruendoso fracaso de su primera película; su arriesgada investigación sobre el terreno de los cárteles de la droga de Miami para El precio del poder; y las innumerables vicisitudes por las que pasó para sacar adelante Salvador, Platoon, Wall Street y muchas otras de las obras que irían configurando su ya extensa filmografía —entre las que se cuentan Nacido el 4 de julio, JFK, Asesinos por naturaleza, The Doors, Alejandro Magno, etc.—.

La construcción de Frida por Frida, la mujer que se parió a sí misma como mujer y como artista.La Gran Ocultadora, así firmaba Frida Kahlo algunas cartas. Frida construyó a Frida bajo el estigma de vivir ocupando inmerecidamente el lugar de su hermano muerto. Y Frida pintora construyó su obra bajo una peculiar (y tal vez fingida) modalidad del síndrome del impostor.Marie Córdoba, que vivió tres años en México y es traductora al francés de Elena Poniatowska, desvela claves esenciales de una mujer que ha alcanzado la categoría de mito sin que muchos lleguen a conocerla.Ilustradas con luminosa creatividad por Juan D’Atri, las 42 obras de Frida Kahlo reproducidas en este libro actualizan el universo cromático de la gran artista, revitalizando su valentía y su lirismo original.

Una reflexión sobre aquellas obras de arte que han sufrido deterioro a lo largo del tiempoEl arte deteriorado acumula las señales que la experiencia histórica ha añadido sobre la obra original. Son grietas, signos de barbarie o huellas que la naturaleza ha dejado marcadas en la obra del ser humano. El paso de las estaciones, una tras otra, poco a poco, ha ido señalando las horas del derribo físico.  Lejos de toda consideración negativa, entendemos las señales del tiempo como un valor estético añadido. Se trata de una carga comunicativa que enriquece la acción creativa inicial. 

Pepe Espaliú es una de las figuras claves del panorama artístico de finales del siglo XX, así como un pionero en la lucha por la visibilidad de las personas con VIH.En una época en la que el silencio social e institucional con respecto a la pandemia del sida era sinónimo de muerte, este artista cordobés se convirtió en la primera persona pública en verbalizar en España su enfermedad a través de un medio de comunicación. El artículo que publicó en El País el 1 de diciembre de 1992 fue acompañado de su famosa intervención artística Carrying, una acción que evidenció la necesidad de las personas con VIH de sentirse apoyadas tanto por su entorno como por los organismos públicos, que en aquellos momentos miraban hacia otro lado. Pero este libro no solo celebra al gran artista que fue Pepe Espaliú. También es un lugar para testimonios personales, algunos de ellos alejados del eurocentrismo reinante, además de para enunciar otras formas de representación cultural del VIH con artistas como Alberto Cardín, las Yeguas del Apocalipsis, Wojnarowicz o La Radical Gai, entre otros.Pepe Espaliú. Visibilidad, experiencias y construcciones culturales en torno al VIH es una obra que pretende reivindicar el papel del arte en la lucha contra el silencio y darle su lugar dentro de la memoria histórica de las minorías. No en vano, estas expresiones artísticas fueron la semilla, en colaboración con otras disciplinas, para que muchas personas, incluso hoy, hayan conseguido plantarle cara al estigma que acompaña al VIH.

Ante la complejidad de la vida: afinidad de inquietudes y actitudes del artista y el filósofo¿Qué tienen en común Francisco de Goya, considerado “el más filósofo de los pintores”, con el llamado “filósofo de los artistas”, Arthur Schopenhauer? ¿Pueden existir entre dos autores profundas afinidades que, prescindiendo de las coincidencias en el espacio y en el tiempo, remitan a una comunidad de inquietudes y actitudes?Goya fue un pintor muy poco académico, que se adentró con sus creaciones en las honduras del alma humana. Y lo mismo puede afirmarse de Schopenhauer en su condición de filósofo: un pensador atípico que se movió mejor entre imágenes que entre conceptos, prefiriendo comprender a explicar.Ambos arrojaron la sonda en las profundidades abismales de la existencia, no encontrando otro fondo que el de una extraña y oscura voluntad. 

A través de sus numerosos retratos, hablan también Italia, el sur de Francia y, sobre todo, París.“¡El paisaje no existe!,” habría dicho Modigliani durante una discusión en París con Diego Rivera, que re ere Ramón Gómez de la Serna. Y sin embargo, Modigliani fue alumno en Livorno de Guglielmo Micheli, pintor de paisajes en la tradición italiana de los Macchiaioli. Y sin embargo, con Modigliani, a través de sus numerosos retratos, hablan también Italia, el sur de Francia y, sobre todo, París

El nacimiento del movimiento DadáHugo Ball y su compañera Emmy Hennings ya venían improvisando -él al piano, ella recitando y cantando- veladas en algún local de Zúrich, cuando en enero de 1916 decidieron abrir su propio Cabaret donde exponer obras de arte, organizar lecturas de poesía y montar espectáculos de música y baile, todo con el ánimo de denunciar la violencia desatada en Europa con la Gran Guerra y denigrar los supuestos valores en nombre de los cuales se combatía.Desde el mismo día de la inauguración, se asomaron al local artistas que, huyendo de la guerra, se habían refugiado en la neutral Suiza. Especialmente un poeta rumano, Tristan Tzara, adquirirá protagonismo en cuanto acontecerá en el Cabaret Voltaire, tanto que pronto liderará una revolución que desde esas paredes no tardaría en estallar: la revolución DADÁ.

Modigliani es sobre todo un pintor de retratos: es un retratista.“Lo que busco no es lo real, ni lo irreal, sino lo Inconsciente, el misterio de la instinctividad del ser”, decía a propósito de sus retratos; o también: “Los personajes de Cézanne, como las estatuas antiguas, no tienen mirada. Los míos, por el contrario, ven; ven aunque no les pinte las pupilas.” Este libro recoge retratos que Modigliani pintó de sus amigos y recuerdos que de Modigliani escribieron sus amigos.

Pintora francesa muy celebrada en su época, especializada en pintura de animalesNacida en Burdeos pero crecida en París, Rosa Bonheur tuvo desde niña predilección por el lápiz y el pincel. Siendo adolescente, pasaba horas y horas en el Louvre, copiando a los grandes maestros. Pronto también descubrió su pasión por los animales.Rosa Bonheur acabará convirtiéndose en la más destacada pintora de animales de la pintura francesa de todos los tiempos; y su éxito será tal que cuanto cuadro completaba era de inmediato adquirido por coleccionistas, sobre todo, de Inglaterra y de los Estados Unidos.Pintora pionera, Rosa Bonheur fue también mujer adelantada por la independencia y libertad con que vivió su vida, con plena autosuficiencia económica y siempre junto a Nathalie, su compañera.

Un recorrido por el mitoLa famosa historia de la decapitación de San Juan Bautista tuvo como protagonista indirecta a la célebre princesa bailarina, Salomé. A lo largo del tiempo, dicho personaje ha adoptado multitud de formas dentro de la historia de la literatura. Sin embargo, fue en el fin de siècle cuando alcanzó su más conocida apariencia, sugerente y amenazante, interpretada habitualmente como mujer fatal. El presente ensayo revisa algunas de estas imágenes a través de la obra de multitud de autores del Modernismo hispánico, así como las posteriores reacciones a esta codificación de un arquetipo de perversidad. Este recorrido muestra cómo el mito de Salomé supo transformarse al tiempo que evolucionaba la sociedad, y cómo pasó de representar a una mujer maldita a ganar una voz propia para revindicar su autonomía. 

Excepcional pintora suizo-italiana de finales del siglo XVIII, destacada representante del clasicismo.Angelica Kauffmann, nacida en Suiza, crecida en el norte de Italia, por unos años residente en Londres y romana de adopción en sus años de madurez, fue una pintora muy celebrada en vida, retratista de las familias reales europeas y de la alta sociedad británica e italiana, fue también, con sus cuadros históricos, mitológicos o religiosos, figura destacada de la propuesta clasicista que, en la segunda mitad del siglo XVIII, vino a rescatar a la Pintura de los estertores del manierismo.

Tras la buena acogida de sus dos libros anteriores, Mierda y catástrofe (2014) y Estética de la crueldad (2019), Fernando Castro Flórez, en este nuevo ensayo, revisita el libro (Pierre Boulle) y la película (Franklin Schaffner) El planeta de los simios (1968), desde los que lee alegóricamente estos tiempos pospandémicos. Sin duda, las páginas de Sin escapatoria del Planeta de los simios están agitadas por el desasosiego, en un momento de colapso planetario, cuando todos tuvimos que parar.

Rusia, octubre de 1917. Los bolcheviques toman el poder. Rusia y el mundo nunca volverán a ser los mismos. Cinco meses después del triunfo de la revolución, los nuevos gobernantes nombraron a algunos artistas como Kazimir Malévich, Vasili Kandinski, Vladímir Tatlin o Marc Chagall para ocupar importantes puestos en el recién creado Comisariado del Pueblo para la Instrucción Pública. Estos «vanguardistas» pretendían transformar calles y plazas, la educación y, en última instancia, a las propias personas: hicieron museos de arte moderno por todo el país, enviaron sus obras radicales hasta las regiones más remotas y reformaron con rigor las academias de arte, desarrollando nuevos sistemas pedagógicos que influirían en la Bauhaus y otras grandes instituciones artísticas. Sin embargo, su intento de llevar «el arte a la vida» no acababa de cuadrar con la interpretación bolchevique de una cultura revolucionaria, lo que hizo que no tardase mucho en resquebrajarse la confianza entre ambos. A consecuencia de ello, algunos emigraron, mientras que otros trataron de adaptarse a las demandas del nuevo sistema y de conserv

Michael Ondaatje conoció a Walter Murch, montador de imagen y sonido, durante el rodaje de 'El paciente inglés', basada en una de sus novelas. Aquel encuentro derivó en una amistad a la que hoy debemos uno de los mejores libros sobre cine. El interrogatorio de un excelente novelista como Michael Ondaatje se convierte en una magistral lección de cine, una ventana a la creación y la técnica que rodea el oficio de montador cinematográfico. Se trata de una mirada única sobre el trabajo de directores como Francis Ford Coppola, George Lucas, Anthony Minghella, Philip Kaufman o Fred Zinneman pero, sobre todo, una aproximación al arte del montaje tanto de sonido como de imagen y sus secretos.

La historia del arte desde el Renacimiento como nunca se ha contado.¿Cuántas mujeres artistas conoce? ¿Quién hace la historia del arte? ¿Hubo mujeres que trabajaron como artistas antes del siglo XX? ¿Cuáles fueron las pioneras que abrieron el camino para las creadoras actuales? ¿Cuántas mujeres forman parte de las colecciones permanentes de los grandes museos?En una apasionante historia del arte, Katy Hessel, historiadora del arte y fundadora del podcast @thegreatwomenartists, presenta, entre otros, los deslumbrantes cuadros de la pintora renacentista Sofonisba Anguissola, las radicales obras de Harriet Powers en el siglo XIX, o la historia de la fascinante baronesa Von Freytag-Loringhoven, que inventó el concepto de arte encontrado mucho antes que Duchamp. Viajaremos por la Edad de Oro holandesa, contemplaremos el asombroso trabajo de las artistas latinoamericanas de posguerra y conoceremos a las mujeres que están definiendo qué es el arte en la actualidad.Prepárese a cambiar para siempre su perspectiva sobre la historia del arte y a abrir los ojos a muchas formas de arte antes ignoradas o menospreciadas. Desde la costa de Cornualles a Manhattan, Nigeria o Japón, esta es una historia del arte como jamás se ha visto.