La esponsorización y la implicación empresarial en el ámbito de las artes visuales se han convertido en rasgos cada vez más frecuentes de nuestra vida cultural. De las exposiciones auspiciadas por Absolut Vodka al uso del autorretrato de Van Gogh por parte de ABN-AMOR para publicitar sus tarjetas de crédito, hemos sido testigos de un nuevo tipo de patronazgo en el que la unión del talento individual y el marketing multinacional está comenzando a difuminar las viejas y cómodas distinciones entre lo público y lo privado. El presente libro constituye un ambicioso intento de detallar las vías por las que los valores mercantiles y el ethos del libre mercado han permeado la esfera de las artes visuales desde la década de 1980. Al hilo de la cartografía de los diversos deslizamientos en la política pública que facilitaron por primera vez la entrada de grandes corporaciones en el ámbito cultural, Chin-tao Wu analiza el papel de los gobiernos a la hora de inocular los principios del libre mercado en las instituciones públicas encargadas de la gestión del mundo del arte, en particular el Arts Council en Gran Bretaña y el National Endowment for the Arts en Estados Unidos. Analizará el asalto empresarial a los museos, los caminos seguidos por las «elites» sociales y mercantiles y cómo estas compañías han logrado integrarse en la infraestructura del mundo artístico convirtiendo sus edificios en exposiciones de arte. Chin-tao Wu no pierde de vista el caso Guggenheim de Bilbao; ¿«Una historia de Cenicienta»?, como diría The new York Times, o por el contrario, « ¿representa la última invasión por parte de la alta cultura estadounidense como McDonald´s o Coca-Cola han colonizado el mundo?».

Escrito con gran brío y erudición, este libro presenta una visión alternativa de la historia del arte y la cultura del siglo XX, que se centra en el ascenso y caída de la modernidad al calor de las luchas sociales y de las transformaciones experimentadas por la economía-mundo capitalista. Comenzando con un análisis de la influencia de Diaghilev y los Ballets Rusos, Wollen sostiene que el movimiento moderno siempre ha tenido un lado oculto y reprimido que no se puede disolver fácilmente en el relato maestro de la modernidad. Sugiere, mediante reconsideraciones de las pinturas marroquíes de Matisse y de la obra del gran diseñador de moda Paul Poiret, que la historia del arte elevado no puede escribirse con independencia de la historia de la actuación y el diseño. Wollen revisa a continuación las esperanzas, los temores y las expectativas de artistas y críticos fascinados tanto por la cadena de montaje de Henry Ford como por la fábrica de sueños de Hollywood, para concluir con la cáustica visión distópica presentada por Guy Debord de una «sociedad del espectáculo» absolutamente consumista. Fordismo, espectáculo, antagonismo y utopía aparecen aquí magistralmente trenzados en un calidoscopio de rigor intelectual y de perspicacia crítica: la semiotización de la práctica artística como urdimbre de las exclusiones asociadas al proyecto de la modernidad occidental y como impulso transformador de las relaciones sociales realmente existentes. Por último, Peter Wollen narra la aparición de una nueva sensibilidad subversiva en las películas underground de Andy Warhol, y explora algunas de las formas culturales que están usando los artistas no occidentales a medida que el movimiento moderno entra en crisis y el nuevo siglo se despereza. Objetivo: el asalto de la nevera de Occidente por los desheredados de la Tierra.

Con una estructura clara año a año, los autores presentan más de un centenar de artículos que, centrados en un acontecimiento crucial la creación de una obra seminal, la publicación de un texto importante o la inauguración de una exposición fundamental, por ejemplo contienen un gran volumen de información sobre el arte desde 1900 hasta nuestros días. Se exploran en profundidad todos los puntos de inflexión y los avances clave de la modernidad y la posmodernidad, sin olvidar las frecuentes reacciones modernas que proponían visiones alternativas del arte y del mundo. Cada uno de los autores ha escrito una introducción en la que se ocupa de las metodologías en boga en la historia del arte, informando y aumentando el grado de comprensión del lector en lo tocante a su práctica actual. La estructura flexible y las numerosas referencias cruzadas permiten que éste trace su propio camino a lo largo del siglo y siga cualquiera de las muchas narraciones que se despliegan en el libro, ya sea la historia de un medio como la pintura, el desarrollo del arte en un país determinado, la influencia de un movimiento como el Surrealismo o la aparición de un corpus estilístico o conceptual como la abstracción o el Minimalismo. El texto está ilustrado con más de seiscientas obras canónicas (y anticanónicas) del siglo, la mayoría en color. Recuadros con información sobre acontecimientos, lugares y personajes clave, así como un glosario y una amplia bibliografía, completan este excepcional volumen. Además de las introducciones a sus enfoques teóricos, los autores también han tomado parte en dos mesas redondas una situada a mediados de siglo, la otra al final del libro en las que se discuten algunas de las cuestiones planteadas por las décadas precedentes, al tiempo que dirigen su mirada al arte del futuro. Destinada a convertirse en la referencia sobre la materia, «Arte desde 1900» es una lectura esencial para cualquier persona que quiera comprender las complejidades del arte en el mundo contemporáneo.

El diseño y evaluación de los proyectos culturales es un tema que ha inquietado y motivado desde siempre a los gestores culturales. La correcta estructuración de un proyecto es una condición necesaria para su éxito. Propuestas mal planteadas desde un inicio tiene muchas probabilidades de fracasar, al margen de su innegable fortaleza de contenidos.   Hoy en día, los gestores culturales necesitar dominar el diseño de un proyecto en todas sus fases e incorporar, así como lo hacen otras profesiones, la exigencia del proyecto a su hábito de trabajo. Si la formulación del proyecto sirve además para solicitar una subvención, obtener un patrocinio, lograr una aprobación o conseguir una adhesión al mismo, entonces la exigencia en la forma y estructura del proyecto se vuelve imprescindible. Por su lado, la evaluación de esos proyectos se convierte en una exigencia que todo buen profesional debe saber abordar, en toda su complejidad, sin excusas ni titubeos.   El libro que aquí se presenta, fruto de más de 15 años de experiencia tanto profesional como académica, expone de manera conceptualmente avanzada y metodológicamente aplicada las condiciones para elaborar y evaluar un proyecto cultural. En él se detallan de manera clara y dinámica las etapas a seguir para el diseño de un proyecto. Combinando la visión utilitaria del profesional con el rigor academicista del estudiante, podemos decir que estamos ante una obra que se presenta a la vez como completa y práctica.

A los dieciséis años, Salvador Dalí decide que será un «gran genio». A partir de ese momento dedica cada minuto de su vida a conseguir la fama, empezando con la construcción de una máscara exhibicionista detrás de la cual ocultar su patológica timidez. Que Dalí llegara a ser un gran genio es discutible, pero nadie puede negarle el mérito de haber creado una obra muy valiosa. En esta brillante biografía, Ian Gibson analiza con rigor el trasfondo catalán de la familia Dalí, su amistad y colaboraciones con Federico García Lorca y Luis Buñuel, la etapa de L?Amic de les Arts, la fulminante llegada de Gala, la incorporación al movimiento surrealista capitaneado por André Breton, los artísticamente productivos años treinta y luego, después de casi una década en Estados Unidos, la lenta decadencia de un excelente artista empeñado, aparentemente, en destruir su reputación como tal.

Marcel Duchamp está considerado como uno de los artistas más influyentes de este siglo. Sus revolucionarias ideas y su inteligencia iconoclasta se han convertido en una referencia indispensable. Se ha dicho ya que la vida de Duchamp es su mejor obra de arte, pero ha habido que esperar a la publicación de la monumental biografía de Calvin Tomkins para comprender plenamente la interacción entre su vida y su obra. Nacido en el seno de una familia burguesa, Duchamp decidió seguir el ejemplo de sus dos hermanos mayores y se instaló en París pocos años antes de que el cubismo revolucionara la pintura. A pesar de coincidir con ese hito histórico, a lo largo de su longeva existencia se trazaría siempre su propio e irrepetible camino: una osadísima aventura en la que el arte se concebía, ante todo, como una cosa mentale, en el espíritu de Leonardo da Vinci. Fue Duchamp quien, de una manera más radical que nadie, planteó que el arte debía tener una realidad propia y abandonar la mera imitación. A su llegada a Nueva York en 1915 (Norteamérica acabaría convirtiéndose en su país adoptivo), se quedó atónito al descubrir que su reputación (Desnudo bajando una escalera había causado una tremenda sensación dos años antes en el Armory Show) «sólo era equiparable a la de Sarah Bernhardt y Napoleón». No hizo el menor esfuerzo por promocionarse, ni a sí mismo ni su obra, y cuando la fama le eligió, no una vez sino dos, durante dos períodos distanciados en el tiempo, le dio la bienvenida con una sonrisa irónica. Duchamp quiso siempre colocar el arte al servicio de la mente y fue precisamente ese deseo espoleado por su particular uso del lenguaje, el azar, la óptica, las películas y demás técnicas metavisuales y, por encima de todo, por sus célebres ready mades lo que socavó sigilosamente quinientos años de arte occidental hasta transformarlo por completo. Son muchos los libros que se han escrito acerca de Duchamp, pero la biografía de Tomkins resistirá el paso de los años como la definitiva. Un texto soberbiamente escrito que nos revela el humor del artista, su originalidad, su poder de seducción, sus aventuras amorosas y su influencia sobre personalidades legendarias que le admiraban con devoción. Con sus más de cien reproducciones y fotografías poco conocidas, este libro cautivará a todos los interesados en el arte y la cultura de nuestro tiempo.

'Si dejamos de mirar el paisaje como si fuese el objeto de una industria podremos descubrir de repente una gran cantidad de espacios indecisos, desprovistos de función, a los que resulta difícil darles un nombre. Este conjunto no pertenece ni al dominio de la sombra ni al de la luz. Está situado en sus márgenes: en las orillas de los bosques, a lo largo de las carreteras y de los ríos, en los rincones más olvidados de la cultura, allí donde las máquinas no pueden llegar. Cubre superficies de dimensiones modestas, tan dispersas como las esquinas perdidas de un prado. Son unitarios y vastos como las turberas, las landas y ciertos terrenos yermos surgidos de un desprendimiento reciente'. Gilles Clément

A lo largo de la historia, el hombre ha modelado el paisaje para expresar o simbolizar poder, orden, confort, armonía, dominio... a través de múltiples medios para conseguirlo, con diferencias de escala y composición, desde pequeños jardines a ciudades enteras. El área que abarca este estudio incluye la antigua Mesopotamia, Grecia, Roma, el mundo musulmán, la Europa medieval, India, China, Japón, la América precolombina y el occidente postrenacentista en todas sus etapas. Esta edición ampliada y revisada actualiza un texto básico en la teoría de la arquitectura del paisaje, ampliando la selección de obras desde 1945 hasta la actualidad y apuntando hacia el futuro las implicaciones de las tendencias actuales de la arquitectura y la planificación del paisaje del mañana.