Augusto Boal desarrolló los principios contenidos en Teatro del Oprimido en la década de 1970 en Brasil, en el seno de una renovación cultural en torno a la práctica del arte escénico como una actividad dedicada a la mejora efectiva de la vida de los grup

El espejo del tiempo es un diálogo entre la historia y la pintura; pero ante todo un libro que quiere ser, a la vez, verdadera historia y verdadera historia del arte. Por primera vez, dos de los más grandes historiadores españoles se unen para ofrecernos una visión total de nuestra historia. Juan Pablo Fusi y Francisco Calvo Serraller reconstruyen, en cincuenta breves capítulos, la trayectoria política, social, cultural y artística de España desde el siglo XV hasta nuestros días. A cada episodio histórico corresponden un cuadro y su interpretación artística, que reflejan o iluminan la realidad del momento.

«La vida ha sido para mí una larga tarea de la que no me arrepiento en absoluto», comenta Balthus en una de las páginas de este magnífico libro de memorias, y esas son quizá las palabras que mejor resumen la trayectoria vital de un hombre consagrado a la pintura con el mismo afán y la misma humildad con que otros se entregan a la religión. Convencido desde muy joven de su condición de artesano y poco dispuesto a dejarse llevar por los reclamos de la vanguardia, Balthus se dedicó a estudiar a los grandes maestros, intentando penetrar los matices de esa luz tan peculiar que desprenden las telas de Masaccio, de Piero della Francesca y Giotto. Ahí, en la atenta contemplación de los primitivos italianos, el joven pintor pudo tejer un hilo que une Oriente con Occidente, y a Fra Angélico con Poussin y Cézanne, hasta llegar a nuestros días. Amigo personal de Modigliani y Picasso, instalado desde hacía muchos años en la mansión de Rossinière, Balthus dictó estas memorias cuando su vida ya se acababa, hablando por fin del auténtico significado de algunos de sus cuadros y de la búsqueda incansable, desesperada a veces, de una perfección que iba más allá de la técnica para instalarse en la ética. Hombre modesto y esquivo, Balthus, que solo habló cuando dejó de utilizar el pincel, nos ha dejado unas páginas hermosas donde se guarda la esencia de un arte que es oficio y es vocación.

Esta obra analiza la historia de la pintura francesa en el siglo XIX tratando de definir qué es moderno de aquella pintura y en qué radica, relacionándolo con las transformaciones de París -especialmente bajo los auspicios del barón Haussman-, con la mentalidad y usos de la burguesía del momento, y con la capacidad de esa pintura de reflejar todos los cambios que se estaban produciendo en el entorno y en la sociedad.

Estudio de los movimientos artísticos entre 1900 y 1920 centrado especialmente en tres cuestiones: 1. El interés de los autores europeos por el arte primitivo y la aparición de colonias de artistas que se desplazan a trabajar en ambientes rurales en Francia y en Alemania. 2. El cubismo, interpretado desde un punto de vista semiótico. 3. La aparición del arte abstracto y los problemas que plantea la interpretación y evolución de este tipo de arte.

El libro, el tercero de una serie que trata la historia completa del arte contemporáneo cuyos dos primeros títulos (Primitivismo, Cubismo, Abstracción y La Modernidad y lo Moderno) ya han sido editados por nosotros, analiza la historia de una parte esencial del arte del siglo xx, el arte del período de entreguerras, en el que las tendencias realistas y racionalistas (como el movimiento en torno a la Bauhaus, el Expresionismo, el Purismo o la Nueva Objetividad) coinciden con los movimientos dadaísta y surrealista.

¿Cómo imaginar no sólo un nuevo arte o arquitectura sino un nuevo yo o sujeto iguales a ellas? En 'Dioses prostéticos' Hal Foster explora esta cuestión a través de las obras y escritos de artistas modernos clave como Gauguin y Picasso, F. T. Marinetti y Wyndham Lewis, Adolf Loos y Max Ernst. Todas estas diversas figuras sintieron la fascinación por las ficciones del origen, bien primordiales y tribales, bien futuristas y tecnológicas. De este modo, sugiere Foster, dos formas llegaron a dominar el arte moderno por encima de todas las demás: lo primitivo y la máquina. Foster comienza con las fantasías primitivistas de Gauguin y Picasso, que examina a través de las lentes freudianas de la escena primordial. Luego pasa a ocuparse de las obsesiones puristas del arquitecto vienés Loos, que aborrecía todo lo primitivo. A continuación Foster considera los sujetos tecnofílicos postulados por el futurista Marinetti y el vorticista Lewis. Estos «nuevos egos» se contrastan más tarde con las «máquinas celibatarias» propuestas por el dadaísta Ernst. Foster también explora extrapolaciones procedentes del arte de los enfermos mentales en los modelos estéticos de Ernst, Paul Klee y Jean Dubuffet, así como manipulaciones del cuerpo femenino en la fotografía surrealista de Brassaï, Man Ray y Hans Bellmer. Finalmente, examina el impulso a disolver las convenciones del arte sin más en los cuadros por goteo de Jackson Pollock, las piezas esparcidas de Robert Morris y las earthworks de Robert Smithson, y rastrea la evocación de objetos del deseo perdidos en la obra escultórica de Marcel Duchamp y Alberto Giacometti hasta Robert Gober. Aunque el título está extraído de Freud, 'Dioses prostéticos' no impone la teoría psicoanalítica al arte moderno; por el contrario, pone ambos en una relación crítica e investiga el ampliado campo histórico que comparten.

Este libro reúne una serie de reflexiones sobre la relación entre arte y arquitectura. Explora las aspiraciones arquitectónicas del arte y las artísticas de la arquitectura. El título del libro, Doble exposición, en inglés Double Exposure, se utiliza aquí en el sentido fotográfico de dos imágenes sobrepuestas, o mejor, dos fotografías en un mismo negativo, una misma emulsión, suspendidas en un único medio. Arquitectónicamente, puede pensarse en el cristal de un gran ventanal panorámico que de noche refleja el interior de la casa y lo sobrepone a una vista del exterior. Este sentido de dislocación en el espectador el habitante de la casa o el que mira a una fotografía de doble exposición, o quizá incluso el que mira a cualquier obra de arte refleja también el de la autora. Doble exposición significa textos sobre arte escritos desde la arquitectura. O, como indica el subtítulo, sobre la arquitectura a través del arte. Porque en el fondo lo que estos textos acaban buscando no es tanto el arte como la arquitectura en el arte. Aprender arquitectura escribiendo sobre arte, entonces. Mirando desde nuestra casa, la disciplina de la arquitectura, hacia afuera, hacia el arte, vemos el interior reflejado en el cristal como si fuera por primera vez.

Con una novedosa reflexión sobre el arte y su espacio, servida con un lenguaje claro y riguroso, el autor lleva a cabo un intento de desmantelar los rasgos esenciales de la actitud del hombre urbano de las sociedades occidentales frente al paisaje industrial, los cambios del espacio como consecuencia de la integración de la escultura (pero no sólo) en la arquitectura y en el urbanismo, y la planificación del espacio que esto conlleva, una planificación sin duda política, tanto en su sentido griego como en el moderno.

El presente libro contiene una revisión general de los estudios y teorías en Socilogía de la Cultura. Planteando un debate sobre las aproximaciones sociológicas, históricas, literarias y de género (ahondando en la temática femenina) realiza una aproximación original al estudio concreto de la obra de arte, incidiendo en cuestiones centrales como la del papel de la lectura-visión, la naturaleza del concepto de y la posibilidad de una política cultural.

«Hoy día uno no necesita ser asquerosamente rico para proyectarse no sólo como diseñador sino como diseñado, sea el producto en cuestión la casa de uno o su negocio, sus mejillas caídas (cirugía estética) o su personalidad retraída (drogas de diseño), su memoria histórica (museos de diseño) o su futuro ADN (niños de diseño). ¿Podría ser este «sujeto diseñado» el resultado no deseado del tan cacareado «sujeto construido» de la cultura posmoderna? Una cosa parece clara: en el preciso momento en que se pensaba que el lazo consumista no podía estrecharse más en su lógica narcisista, lo hizo: el diseño es cómplice de un circuito casi perfecto de producción y consumo, sin mucho margen de maniobra para nada más.» Del marketing cultural a las relaciones históricas entre el arte contemporáneo y el museo moderno, pasando por la arquitectura espectáculo, el auge de las ciudades globales o las vicisitudes conceptuales de la historia del arte y los estudios visuales, «Diseño y delito» ofrece, con su estilo polémico, una serie de reflexiones que permitan iluminar las condiciones de la cultura crítica en nuestros días.

El libro aborda por primera vez el amplio abanico de los nuevos lenguajes artísticos que irrumpen en España en los años sesenta y setenta del siglo XX. En los Conceptualismo(s) poéticos se analizan los nuevos comportamientos artísticos que se desarrollan desde el fin del Informalismo y el inicio del Pop hasta el paso a los años ochenta, en el marco de un contexto histórico, político y social estigmatizado por la decadencia del franquismo. Destacan artistas individuales y colectivos que inauguran nuevas prácticas como la acción, el vídeo, el cine experimental, las nuevas relaciones entre el arte y el lenguaje, la naturaleza, la política, el objeto Un arte que se expande hacia los medios de comunicación y el arte sociológico, ampliando su acción a la poesía experimental, el Arte Postal o el libro de artista. En Conceptualismo(s) políticos se examina el espíritu de ruptura de una generación artística marcada por las premisas ideológicas del Situacionismo internacional y el Mayo del 68 francés, que, en el particular contexto político español, dieron al movimiento conceptual en España una dimensión política y ético-social. El arte debía transformar la sociedad y con ello la institución artística. El Conceptualismo español tuvo todos los ingredientes revolucionarios de transformación de la sociedad propios de la vanguardia histórica. Se hizo patente una doble lucha desde el arte: contra el régimen político y contra el régimen artístico. Finalmente, en Conceptualismo(s) periféricos nos enfrentamos a la nueva conciencia de globalidad que ha relativizado el protagonismo de los «centros» frente a las «periferias» y ha impulsado la valoración de las impurezas del discurso artístico y la especificidad de cada lugar y contexto. En periferias como España o América Latina, la versión analítica del Arte Conceptual de los países anglosajones no es el modelo. El proyecto de las «periferias» se halla enraizado a una realidad política y social donde los lenguajes poéticos devienen políticos. Así sucedió en España, con aires de auténtica ruptura con el pasado, abriendo las puertas a un discurso posmoderno, levantándose con fuerza desde la periferia.

Thomas Crow, ante la cuestión de las supuestas relaciones antitéticas entre el arte de vanguardia y la moderna cultura de masas, demuestra que los lazos entre ambos han sido siempre muy fuertes y hasta necesarios. Para ello diversos y variados ejemplos de la continua interdependencia existente entre estos dos fenómenos, desde el París de mediados del siglo XIX hasta los más recientes revivals del arte conceptual de los años noventa, pasando por figuras de la talla de Jackson Pollock y Andy Warhol. De todo ello resulta un tipo nuevo y fresco de teoría cultural, ya no impuesta por los artistas desde fuera, sino hecha desde dentro de la práctica artística

A medio camino entre la erudición y la práctica, el libro del gran pintor alemán del Renacimiento Alberto Durero enseña el modo de construir correctamente distintos tipos de líneas, planos y cuerpos geométricos que luego el artista lo podrá utilizar en sus obras. Además de los contenidos de índole puramente matemática, tienen especial importancia los apartados que dedica a la arquitectura configuración de columnas, capiteles- y la pintura, con una exposición de las leyes de la perspectiva.

Los años sesenta han quedado fijados en nuestra memoria colectiva como una era de subversión política y experimentalismo cultural. Los artistas visuales, que trabajaban en un medio volátil, respondieron a través de distintas vías a la confusion que imperaba en la esfera de lo público y lucharon por dejar su huella en un mundo preocupado por las crisis sociales. En este convincente relato sobre el arte que se produjo entre los años 1955 y 1969, Thomas Crow contempla el amplio espectro de artistas que trabajaron en Europa y América durante este periodo, explorando las relaciones entre arte y política, y mostrando como la retórica de ésta a menudo determinó o trastornó la otra. Crow traza la aparición de un nuevo clima estético que desafió las nociones establecidas de contenido, estilo, medios y público, y desarrolla una idea de los sesenta mucho más orgánica de lo habitual: se trata de una nueva definición del concepto de este arte tal como lo siguen empleando, por una parte, los críticos conservadores de hoy día, que continúan considerándolo la fuente de todos los escándalos contemporáneos, y, por otra, los de izquierdas, que lo aprecian como un caso poco frecuente de feliz radicalismo estético.

Si existe un artista que se alza dominante en el imaginario popular, ése es sin duda Vincen van Gogh. Adorado por el público, en él se dan casi todos los tópicos que se pueden reunir en torno a la figura bohemia y maldita del pintor moderno: vida en los límites de la sociedad, fracaso profesional, soledad y problemas mentales, muerte a temprana edad olvidado de casi todos e irresistible ascensión póstuma a las cimas de la fama. Su atractiva figura y su poderosa obra han sido objeto de numerosísimas aproximaciones, además de inspirar tanto a maestros del cine (caso de Vicente Minelli o Akira Kurosawa) como a triviales creadores de merchandising. No obstante, uno de los mejores medios de comprender la obra y la figura de Van Gogh nos lo ofrecen las más de seiscientas cartas que han llegado hasta nosotros y que se presentan reunidas conforme a un orden cronológico en estos dos volúmenes. A través de ellas, el lector podrá acceder directamente, sin intermediarios, a la compleja y fascinante personalidad del genial holandés.

El presente libro abarca un amplio abanico de materiales desde los comienzos de la fotografía hasta sus formas actuales, y establece el contexto de la relación entre el cuerpo y el objetivo de la cámara. Desde las fotografías de niñas púberes de Lewis Carroll y el desarrollo de nuevas técnicas a fines del siglo XIX, hasta los desnudos de Robert Mapplethorpe y las críticas posmodernas de Cindy Sherman y Bárbara Kruger, el autor muestra el cuerpo como símbolo de sensibilidades pictóricas, costumbres sociales y actitudes políticas: propaganda, protesta, actividad artística, mensajes de sexualidad, género, orientación sexual, poder, ideología y política, todo lo cual emana de las imágenes congeladas creadas y capturadas por el ojo del fotógrafo.

El libro ofrece un estudio del uso que, a lo largo del siglo XX, regímenes políticos de muy distinto signo han hecho del arte como medio de difusión de sus ideas. Se incluyen capítulos dedicados al fascismo, el realismo socialista y los gobiernos democráticos, así como a otros movimientos de carácter reivindicativo (feminismo, pacifismo). Aunque centrado fundamentalmente en el mundo occidental, el autor no se olvida de otros ámbitos culturales, como el africano.