A principios del siglo XXI la imagen del extraterrestre está codificada como la de un ser con la piel grisácea, gran cabeza y un cuerpo pequeño y frágil. Aunque sus orejas, boca o nariz sean minúsculas, poseen enormes ojos achinados, negros y de apariencia felina. Así es la configuración iconográfica de ese «otro» por excelencia, el alien, cuya génesis y avatares examina en este libro John F. Moffitt. Se trata de una apasionante historia que dice mucho del clima histérico en el que se desenvuelven las sociedades contemporáneas. Aunque Alienígenas. Iconografía de los extraterrestres participa de la corriente, tan actual, de los estudios de la cultura visual, es deudor en sus métodos y propósitos de la tradición iconológica de la historia del arte.

Athanasius Kircher (1601-1680) es uno de los últimos grandes ejemplos del sabio universal que domina todas las ciencias de su época y, sin duda, el más característico del siglo XVII. Barroco como su tiempo, en sus obras abarca temáticas tan diversas como la egiptología, la sinología, el magnetismo, la vulcanología, la óptica, la mecánica, la acústica, la lógica combinatoria y la sciencia universalis. En su Arca de Noé y en su Torre de Babel, Kircher reconstruye arqueológicamente, con una minuciosidad plena de desbordante fantasía, los primeros pasos de la humanidad. En su Latium, confecciona una preciosa y erudita guía «turística» de los parajes y monumentos que rodean a Roma. En su Museo del Colegio Romano de los jesuitas dio cita, a lo largo de una buena parte del siglo XVII, a eruditos, príncipes y artistas llegados de toda Europa. Su Musurgia fue el tratado de música más completo de su época y el que gozó de mayor difusión. Otro tanto puede decirse de su China ilustrada, auténtica suma de sinología, o de ;dipi Aegiptiaci, en el que intentó descifrar los jeroglíficos egipcios. Admirada en toda Europa, la colosal obra de Kircher se desglosa en una impresionante sucesión de representaciones visuales del saber. Esta nueva edición con 520 ilustraciones, a cargo de Ignacio Gómez de Liaño, recoge el corpus casi completo de la iconografía kircheriana junto con las notas explicativas y las introducciones a la obra y a la vida de Kircher, y no es sólo una perfecta iniciación a los más diversos y curiosos conocimientos intelectuales del Barroco sino también una verdadera delicia para el ojo y la imaginación.

Reune doce ensayos escritos entre 1928 y 1945 que muestran puntos clave tanto del desarrollo de la teoria filmica del renombrado director sovietico como, en particular, de su analisis del medio del cine sonoro. Incluye algunas reflexiones sobre el teatro Kabuki y una declaracion colectiva (con Pudovkin y Alexandrov) sobre la relacion adecuada entre el en ese entonces naciente cine sonoro y el montaje.

El derrumbamiento del movimiento moderno en las artes ha suscitado un asombroso repertorio de respuestas artísticas y críticas. Los veinticinco ensayos que recoge Arte después de la modernidad proporcionan una perspectiva general de las direcciones más interesantes que han seguido el arte y la crítica recientes, al abordar temas como el declive de la ideología moderna en las artes o la emergencia de una amplia gama de prácticas artísticas posmodernas; las corrientes actuales en pintura, cine, vídeo y fotografía; las investigaciones de artistas pertenecientes al ámbito de las artes plásticas en torno a los medios de comunicación y el tipo de imágenes que emplean; o la dinámica del tejido social en el que se produce y se difunde el arte. Esta compilación es una guía indispensable para comprender tanto las ideas como los temas que animan el arte contemporáneo, ese giro cultural de gran alcance que se ha dado en llamar posmodernidad.

Si hay un personaje legendario entre los artistas modernos, ése es Paul Gauguin. La leyenda, el mito, el personaje novelesco que él mismo tanto contribuyó a crear, nos ha hecho, en muchos casos, muy difícil distinguir lo que de verdad y mentira, de hechos y de literatura, existe tanto en su biografía como en su figura artística. Su alejamiento de Europa, que oscurecía convenientemente su perfil tras una cortina de aventura, locura o valentía, o simplemente inadaptación, contribuyó en gran medida a la creación de un mito que tanto él como sus amigos se ocuparon de preservar cuidadosamente desde la lejanía. A través de los textos que se recogen en el presente volumen, en su mayoría escritos durante su estancia en los Mares del Sur, el lector profundizar en el pensamiento de Gauguin, así como en su relación con otros protagonistas de su época como Van Gogh.

Lo que vemos no vale ?no vive? más que por lo que nos mira. Si esto es verdadero, ¿cómo pensar las condiciones estéticas, epistémicas, incluso éticas, de tal proposición? Eso es lo que intenta desarrollar este libro, tejido como una fábula filosófica de l

Este volumen contiene, además de un mini DVD con las dos películas breves a las que alude su título (O milagre da carne y Bocamina, rodadas en 35 mm), un revelador texto de Javier Codesal titulado «Cine y sentimiento» y una extensa entrevista en la que reflexiona, por una parte, sobre el cine y el vídeo en general, y, por otra, sobre su propio trabajo. «El cine ha servido de espejo y materia prima para muchos artistas, que se apropian de las imágenes, los argumentos o las técnicas para hacer con ello cualquier cosa, unas veces desde la identificación y otras, muy al contrario, de modo crítico. Cuando hablo de cine me refiero a lo más elemental, cosa que nunca termino de comprender del todo, pero que tiene su asiento en el propio dispositivo técnico, eso que el cine avanzó sobre la fotografía o la pintura, realizando un sueño de la imaginación de todos los tiempos: el paso en presente de la imagen, la sugestión tan superficial como efectiva del tiempo en acto, la recuperación, la proyección, esas cosas... Una vez que el cine aparece, algo ha ocurrido en la civilización, y lo lleva a cabo todo el cine, por tanto también su tronco central, Hollywood, más las tradiciones regionales, la europea, la rusa, la asiática, y las más periféricas, entre las que se encuentran por ejemplo el cine español, y ése que, desde las vanguardias hasta hoy, hicieron los artistas.» Javier Codesal

Este libro recoge las ponencias de Encuentros PHE08, organizadas por el Ministerio de Cultura, dentro del marco del festival PHotoEspaña, en el que se analiza el papel de la fotografía en el arte del futuro. Edición bilingüe español-inglés.

Zurich, 1916. En plena guerra mundial, las oscuras callejuelas y ruidosos tugurios de esta ciudad suiza acogen a una nutrida flota de refugiados políticos, agentes secretos, jóvenes objetores renuentes a marchar al frente, artistas, literatos y poetas exiliados. Entre todos ellos, un grupo de amigos encabezados por el rumano Tristan Tzara da a conocer el movimientoDada en una serie de manifiestos. Su lugar de reunión es el mítico cabaret Voltaire, en el número 1 de la Spielgasse, frente al domicilio de Lenin y Krupskaia. Tzara, Arp y Shwitters, entre otros, juegan al ajedrez con el revolucionario ruso por la tarde, y por la noche se entregan a la rebelión espiritual contra una sociedad responsable de haber transformado Europa en una inmensa carnicería.Tal vez ningún otro movimiento espiritual haya pretendido renovar el arte y la literatura desde unos presupuestos tan radicales y subversivos como los  que alientan en cada uno de estos siete manifiestos.

Ante el tiempo tiene un subtítulo que precisa el contenido del libro: Historia del arte y anacronismo de las imágenes. Georges Didi-Huberman aborda una multiplicidad de problemas y debates de la historia del arte en relación con el tiempo y sobre los tironeos de esa historia del arte con los modelos temporales de la historia propiamente dicha. La noción de anacronismo es epistemológicamente decisiva. La imagen es portadora de memoria, de modo que la relación entre tiempo e imagen supone un montaje de tiempos heterogéneos y discontinuos que sin embargo se conectan. Didi-Huberman plantea dos preguntas clave: '¿qué relación de la historia con el tiempo nos impone la imagen?' y '¿qué consecuencia tiene esto para la práctica de la historia del arte?'. El libro propone una arqueología de la historia del arte, cuestionando sin eufemismos ni vacilaciones la visión de Erwin Panofsky sobre la 'historia del arte como disciplina humanista'. Esta visión, antecedida por una tradición teórica que une a Vasari con Kant y con el mismo Panofsky, se prolonga hasta el presente, tras haberle cerrado el paso a quienes se propusieron 'reinventarla': Aby Warburg, Walter Benjamin y Carl Einstein. El libro se centra en estos tres pensadores del anacronismo, autores de obras poderosamente innovadoras. En sus textos teóricos las imágenes no toman la forma de fetiches intemporales sostenida por la estética clásica, ni la de simples crónicas figurativas como supone la crítica de arte positivista. Por vía del anacronismo esa parte maldita del historiador Didi-Huberman propone un nuevo modelo de temporalidad y coloca a la imagen en el centro de todo pensamiento sobre el tiempo.

Más allá del arte establecido, son ya varias las generaciones de artistas, en su mayor parte estadounidenses, que han ofrecido una perspectiva pictórica radicalmente distinta del arte moderno. Influidos por la cultura pop, los cómics, la ciencia ficción, el cine fantástico, la serie B, el graffiti, el punk, el rock, los dibujos animados, los videojuegos o lo juguetes, han combinado ese abanico para crear lo que se ha dado en llamar "surrealismo pop". Joan S. Luna, redactor jefe de la revista musical MondoSonoro, repasa cuáles han sido los antecedentes artísticos o las corrientes previas que han influido a buena parte de los creadores que aparecen en sus páginas, precisando que la influencia de surrealistas como Ernst, Picasso, De Chirico, Dalí o Magritte resulta fundamental para muchos de los artistas que forman parte del movimiento que nos ocupa, mientras que el pop art deviene una influencia más conceptual que estética. Los colores del underground busca, a través de 22 entrevistas realizadas por el propio Luna a otros tantos autores, ofrecer una muestra representativa del actual panorama del surrealismo pop y dar a conocer a sus artistas más destacados. Entrevistas e ilustraciones de Gary Baseman, Víctor Castillo, el Gato Chimney, Xiaoqing Ding, Ron English, Alex Gross, Femke Hiemstra, Yoko D'Holbachie, Stephen Kasner, Chris Mars, Sergio Mora, Heiko Müller, Scott Musgrove, Kathie Olivas, Brandt Peters, Gonzalo Rueda, Greg Simkins, Jeff Soto, Nathan Spoor, David Stoupakis, Eric White y Martin Wittfooth.

Armonía cromática es el primer tratado de colorido que desarrolla el fascinante tema del ajuste y concordancia de las combinaciones de colores, en sus diversas manifestaciones de las artes y el diseño. Su planteamiento teórico se fundamenta tanto en la cromatología como en la perspectiva actual de la teoría de la armonía aplicada a la sintaxis de las coloraciones y al enfoque musicalista del colorido. La exposición de sus diferentes conceptos está ilustrada con más de 180 muestras fotográficas y pictóricas, gráficos, diagramas y cuadros sinópticos. Incluye una Guía de armonía cromática con más de 900 muestras de esquemas cromáticos, así como una monografía sobre la armonización específica de las combinaciones de colores CMY-CMYK.