¿Qué hacen la letra o la leyenda en un cuadro, en una instalación? ¿Son representación?, ¿son presentación? Es el caso que no pocas piezas de artistas contemporáneos renuncian a representar cosas y figuras o a la abstracción y lo que ponen a la vista en sus trabajos es letras, frases, en fin, escritura. Éste es el campo de reflexión de este libro y más específicamente aquellos casos en que el texto que se da escrito en la pieza es ilegible. Se trata, pues, de una mirada al lenguaje en la obra de arte a través de un conjunto de cuadros, grabados, esculturas o instalaciones de artistas como Ramón Bilbao, Ricardo Calero, Esther Olondriz, Jaume Plensa o Antoni Tàpies, en todos los cuales el lenguaje ocupa un lugar central, un lenguaje que además es ocasión para la logofagia.

Con una pluralidad de lecturas que anticipa la moderna crítica del arte, Goethe disecciona la obra maestra de Leonardo da Vinci

Enviado por el rey de Portugal en misión artística a Italia, el pintor miniaturista Francisco de Holanda fue durante unas tardes romanas el testigo de Miguel Ángel Buonarroti: pudo hacerle preguntas y registrar sus respuestas como un reportero avant la lettre; pudo por unas horas tocar cimas a pocos reservadas y transmitirnos el mensaje de una de las grandes figuras de la Historia del Arte.

En las últimas tres décadas el mapa de museos y centros de arte contemporáneo en el estado español ha cambiado radicalmente. Desde una ausencia escandalosa de museos y centros que atendieran al arte de nuestros días hemos llegado, en los inicios del siglo XXI, a una abundancia tan exagerada como difícil de mantener. El ciclo de crecimiento se cierra con una crisis económica que amenaza a la supervivencia de muchos de estos centros y agita el mapa apenas dibujado de un país puesto al día en estructuras y contenidos artísticos. La primera publicación que reúne a estos centros y museos de arte contemporáneo en España acaba de salir a la venta. Un proyecto de Museology, realizado por Exit Publicaciones (Proyectos Utópicos, S.L.), con la colaboración del Ministerio de Cultura a través de su Dirección General de Bellas Artes. Más de dos años de trabajo de documentación, redacción y producción han sido necesarios para reunir una información dispersa y variable, en continuo movimiento, que por primera vez se puede ver reunida en un solo volumen, y en unos días también accesible en una aplicación para iPhone. 103 centros de arte, museos e instituciones públicas y privadas que se dedican principalmente a la conservación, exposición, producción y difusión del arte contemporáneo internacional y nacional se reúnen en un total de 288 páginas a todo color, profusamente ilustradas con fotografías de los edificios, las salas de exposiciones y otras instalaciones y algunas de las obras esenciales de estos museos. Cada centro o museo aparece con una detallada ficha técnica con todos los datos necesarios para conocer sus características e historia; la del edificio, la de las colecciones y la de sus actividades. Un texto repasa su línea de trabajo, etapas históricas y hechos más destacados, las piezas de sus colecciones, las muestras más importantes, dando la información suficiente para conocer la variedad y características de todos estos centros que procuran la educación, disfrute y enriquecimiento de todos los visitantes y aficionados al arte de nuestros días.

«En estos tiempos de miserias omnipresentes, de ciegas violencias, de catástrofes naturales o ecológicas, podría parecer que hablar de la belleza es incongruente, inconveniente, provocador, casi un escándalo. Pero precisamente por todo esto, vemos que, en oposición al mal, la belleza se sitúa en el otro extremo de una realidad a la que debemos hacer frente.» François Cheng Estas cinco meditaciones, que originalmente fueron cinco sesiones orales, constituyen un breve pero intenso diálogo entre la estética occidental, fundamentalmente la renacentista, y la estética oriental, en especial la china, que nos adentra en el misterio de la belleza como luz y como espíritu.

ESTE LIBRO HA SIDO UN ÉXITO DE VENTAS DURANTE MÁS DE CINCO DÉCADAS, CON TRADUCCIONES A 34 IDIOMAS. PRESENTA LA HISTORIA DEL ARTE EN FORMA DE DISCURSO NARRATIVO, -UNA CADENA VIVA QUE AÚN HOY COMUNICA LA ÉPOCA CONTEMPORÁNEA CON LA ERA DE LAS PIRÁMIDES-. SU POPULARIDAD SIGUE VIGENTE POR EL ESTILO DIRECTO Y SENCILLO Y LA HABILIDAD DEL AUTOR PARA HACERNOS LLEGAR EL MENSAJE CON CLARIDAD. COMBINA EL PROFUNDO CONOCIMIENTO CON UN DON PARA LA COMUNICACIÓN.

Este libro pretende servir como timón, que no como dogma, para conseguir la tan deseada renovación de las enseñanzas de las artes. Para enseñar arte no hay necesariamente que prepararse concienzudamente las clases, se trata de algo más complejo. El que tiene que preparase día a día es el profesor. Si vas acumulando conocimientos, siempre podrás llenar los vasos que darán de beber/enseñar a tus alumnos.

¿Qué son los Estudios visuales? Surgidos en torno al cambio de milenio como un entrecruce de disciplinas la Historia del arte, la Estética, la Teoría fílmica, los Estudios culturales, la Teoría de los medios, la Cultura visual, los Estudios poscoloniales y de género , responden a la necesidad de analizar un ámbito de importancia creciente en las sociedades contemporáneas: el de la visualidad, en el que intentan dar cuenta, sin restricciones disciplinares, de los procesos de producción de significado cultural que tienen su origen en la circulación pública de las imágenes. Podríamos, así, describirlos como aquellos estudios que tratan de «la vida social de las imágenes», analizando los procesos de la construcción cultural de la visualidad. Los ensayos reunidos en este volumen constituyen un conjunto trabado de reflexiones tanto sobre el origen y la constitución del campo de los Estudios visuales, como sobre sus desarrollos y aplicaciones al estudio de las políticas identitarias condicionadas por las prácticas de producción de visualidad, en el marco de la globalización. Con aportaciones de algunos de los más reconocidos autores en este ámbito emergente de estudios Susan Buck-Morss, Nicholas Mirzoeff, Keith Moxey o W. J. T Mitchell entre ellos, ofrecen una muy completa introducción al tipo de problemas tratados por los Estudios visuales y una puesta a prueba efectiva de sus potenciales críticos.

A inicios del siglo XX, en la apacible y neutral Suiza, convivieron dos grupos revolucionarios: los primeros -bajo la férula de Lenin- se proponían transformar la sociedad, la economía y la política; los segundos -agrupados en el dadaísmo- se preparaban para alterar las mentes, las costumbres, los valores y la forma de vivir de las personas. ¿Cuáles fueron los desenlaces de esas revoluciones? La socialista se derrumbó en los años ochenta tras la caída del Muro de Berlín y el colapso de la Unión Soviética. La segunda, la de las vanguardias, se enfrentó a un destino paradójico: a pesar de que cada una de las batallas utópicas condujo a la derrota, sus acciones lograron imponerse y ganar adeptos. Carlos Granés ofrece al lector el recuento de las corrientes vanguardistas (desde la irrupción de Marinetti y el futurismo hasta los «jóvenes indignados» de España) y sus protagonistas, y se adentra en los distintos espacios donde se han hecho presentes: las artes plásticas -con Duchamp a la cabeza-, la literatura -desde el dadá hasta los beats y obras más recientes-, las propuestas educativas -como Black Mountain College-, la música experimental y «popular» -como ocurre con los trabajos de John Cage y de los Sex Pistols- e, incluso, en algunos movimientos sociales como el hippismo y análisis sociológicos como el situacionismo. La revolución y la invitación a vivir la vida como si fuera una eterna fiesta, una soireé turbulenta y excitante, son los temas que explora el autor de El puño invisible, además del impacto de las vanguardias en sociedades cada vez más ávidas de experiencias fuertes, espectáculos emocionantes, aventuras transgresoras y actitudes rebeldes.

Cultura_RAM quiere decir que la cultura mira ahora menos hacia el pasado (para asegurar su recuperabilidad, su transmisión) y más en cambio hacia el presente y la producción incondicionada del futuro. El uso en este libro de la metáfora de los modos de la memoria propios del ordenador es probablemente algo más que una metáfora: en buena medida, la modificación histórica de los modos de gestión de lo cultural por parte de las nuevas y eficaces herramientas tecnológicas es seguramente el verdadero factor desencadenante del cambio en el propio sentido de la cultura que intenta indicar con la expresión «cultura_RAM». Tomada como una simple metáfora, intenta ilustrar que el tipo de memoria que produce la cultura no es tanto una de archivo (y "back-up", una "memoria de disco duro" para entendernos, ROM en la jerga informática), sino más bien, y sobre todo, una "memoria de proceso", RAM, de interrelación activa y productiva de los datos (y de interconexión también de las máquinas entre las que ellos se encuentran distribuidos, en "red"); una memoria de programa y procesamiento y no más una de archivo; una memoria red y no más una memoria documento; una memoria constelación, fábrica, y no más una memoria consigna, almacén. Este tipo de memoria ya no enfoca singularidades señeras, ya no se define mediante monumentos definitivos, en lugares o escenarios privilegiados. Por el contrario, se dispersa y clona en todas direcciones, se reproduce y distribuye como un virus a toda su red de lugares, difundida como onda y eco, deslocalizada en una multiplicidad de «no lugares», hacia los que fluye (y desde los que refluye) activamente en tiempo real.

Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de carácter histórico sino filosófico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relación con la filosofía taoísta a partir de la noción de vacío que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepción china del universo y su comprensión del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. La segunda parte concreta ese sistema en la pintura a través de los escritos teóricos del célebre pintor Shitao (1641-1707). Cheng explica también al lector occidental la adscripción de este arte a la concepción taoísta, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictórica.

Maestro de la exploración biográfica aplicada a la crítica de arte, las mejores páginas que Quico Rivas (Cuenca, 1953 - Ronda, 2008) dedicó a recrear el trabajo de incontables creadores se articulan en este libro como episodios de un mismo relato imprevisible: el de su propia vida.

«Inestimable ensayo para todo aquel que alguna vez se haya burlado de la contracultura que nos legaron los años sesenta. [...] Análisis apasionado y exhaustivo de la era de la publicidad. [...] La conquista de lo cool no sólo hace callar a viejos hippies canosos que recuerdan sus viajes en furgoneta Volkswagen convencidos de que fueron transgresores, sino que además vacuna al público contra el capitalismo moderno que está hoy por todas partes, incluso en estas páginas.» BRAD WIENERS, Wired Magazine «Quizás el joven [Thomas Frank] sea el crítico cultural más provocador del momento. [...] Tanto es así que después de leerlo será difícil volver a utilizar palabras como "revolución" o "rebelde" sin entrecomillar.» GERALD MARZORATI, New York Times Book Review

'Las cosas tal como son' recoge la historia del fotoperiodismo moderno, desde The Family of Man y el apogeo de Life en 1955 hasta la era de los teléfonos móviles con cámara de hoy en día. Con un total de 120 fotorreportajes mostrados tal como se publicaron por primera vez en las páginas de los diarios y las revistas, 'Las cosas tal como son' es una muestra de cómo los acontecimientos del mundo, el arte de los fotógrafos y los intereses de la prensa han convergido en la página impresa. Asimismo, traza el modo en que el fotoperiodismo ha ido evolucionando con el tiempo a través de los avances tecnológicos, la propia evolución de los diferentes medios, las modas y el mundo cambiante.