Art and Photography is the first book of its kind to survey the major presence of photography in artistic practice from the 1960s onwards. Today photography is arts pre-eminent medium, yet it took the whole of the last century for it to acquire this status. On its invention, the photograph was considered a purely mechanical, artless object which could not be considered among the fine arts. Despite its increasing use by the century`s most significant artists, only since the late 1960s have art museums gradually begun to exhibit and acquire the photograph as an artwork. This volume provides an authoritative overview of photography`s place in recent art history, contextualised in the Documents section by original artists statements and interviews, and texts by leading critics, writers and theorists of the late twentieth century.

Helios Gómez (Sevilla, 1905-Barcelona, 1956) pertenece a la generación de entre-guerras que hicieron de las causas político-sociales el tema principal de su producción. Conocido fundamentalmente por sus trabajos en el campo del diseño, de la publicidad, cabeceras de diarios, carteles militantes e ilustraciones en tinta china publicadas en la prensa y editadas en los álbumes Días de Ira (Berlín 1930), Revolución Española (URSS 1933) y Viva Octubre (Bruselas 1936), destacó también en la pintura mural y otras técnicas como la pintura al óleo, el dibujo, las acuarelas, etc. En su vida, militancia política y obra se entrelazan a lo largo de los años. Entre 1927 y 1930 abandona España por razones políticas, exiliándose primero en París, después en Bruselas donde trabaja como decorador e ilustrador y viajando también por Ámsterdam, Viena y la URSS. En 1929, se instala en Berlín donde expone y colabora con algunas publicaciones. Después del derrocamiento de la dictadura de Primo de Rivera (1930) se instala en Barcelona, donde colabora en numerosas revistes republicanas y comunistas como l'Opinió, La Rambla, La Batalla, L'Hora, Bolívar, Nueva España, Mundo Obrero y El Mono Azul. En 1931, ingresa en el PCE colaborando como ilustrador para Mundo Obrero. Encarcelado en 1932 consigue la libertad provisional escapando a Bruselas y después a la URSS invitado como representante español en el Congreso Internacional de Artistas Proletarios. Reside en el país hasta febrero de 1934. Vuelve a Barcelona participando en los fets d'octubre siendo nuevamente encarcelado. Una vez liberado, regresa a Bruselas. En abril de 1936 participa en la creación del Sindicat de Dibuixants Professionals de Catalunya -impulsor del cartelismo militante durante la Guerra Civil española-; en julio de este mismo año lo hará en la defensa de Barcelona luchando en las barricadas. Perdida la guerra, se refugia en Francia donde es internado en los campos de concentración franceses (1939-1942). Vuelve a Barcelona siendo arrestado entre 1945-46 y 1948-54 encarcelado en la Modelo de Barcelona, donde pinta un oratorio conocido como La Capilla Gitana y compone un corpus poético. Morirá dos años después de salir de la prisión.

El objeto de este libro son los fenómenos estéticos que trascienden lo artístico y los desarrollados a partir de los medios de masas. Se parte de la idea de que comprender dichos fenómenos exige abandonar los límites que a lo largo de la Edad Moderna fueron reduciendo la Estética hasta convertirla en una peculiar Teoría del Arte. Hoy en día la reflexión sobre las tendencias artísticas o sobre los límites del concepto de Arte, no es suficiente para dar cuenta, ni siquiera aproxiamdamente, de las condiciones, las potencialidades, los fundamentos y las servidumbres del universo estético en el que nos movemos. En este sentido, es preciso volver a una concepción pre-moderna de los estético, donde la identificación con el Arte quede definitivamente superada.

100 Videoartistas es una arriesgada apuesta por un medio que nacio hace 50 años y que hoy se ha convertido en el lenguaje visual mas caracteristico del siglo XXI.Una seleccion de 100 de los videoartistas mas destacados e innovadores de la actualidad. Toda

Cabe suponer que el pintor norteamericano Edward Hopper hubiera estado de acuerdo con la sentencia borgiana que reza que la poesía -el arte- es la inminencia de una revelación que no se produce. A lo largo de las páginas de Las historias secretas que Hopper pintó, los personajes de Erika y el universo de Hopper convergen para explorar la soledad, la rebeldía callada y la desazón de unas mujeres que andan cerca de la inminencia de una revelación, que Hopper se encarga de inmortalizar en sus cuadros. Pintar historias o contar cuadros. La tenue frontera entre ambas disciplinas se disipa en estas páginas y en estos relatos, que son pensamientos desnudos ante la mirada escrutadora del pintor y de los lectores. Con un lenguaje contenido, la autora nos propone una serie de viajes imaginarios posibles alrededor de las más fantásticas obras que Hopper nos ha legado. Erika Bornay es profesora titular del departamento de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona. Su especialidad investigadora es la iconografía de la mujer en el arte.

Augusto Boal desarrolló los principios contenidos en Teatro del Oprimido en la década de 1970 en Brasil, en el seno de una renovación cultural en torno a la práctica del arte escénico como una actividad dedicada a la mejora efectiva de la vida de los grup

El espejo del tiempo es un diálogo entre la historia y la pintura; pero ante todo un libro que quiere ser, a la vez, verdadera historia y verdadera historia del arte. Por primera vez, dos de los más grandes historiadores españoles se unen para ofrecernos una visión total de nuestra historia. Juan Pablo Fusi y Francisco Calvo Serraller reconstruyen, en cincuenta breves capítulos, la trayectoria política, social, cultural y artística de España desde el siglo XV hasta nuestros días. A cada episodio histórico corresponden un cuadro y su interpretación artística, que reflejan o iluminan la realidad del momento.

«La vida ha sido para mí una larga tarea de la que no me arrepiento en absoluto», comenta Balthus en una de las páginas de este magnífico libro de memorias, y esas son quizá las palabras que mejor resumen la trayectoria vital de un hombre consagrado a la pintura con el mismo afán y la misma humildad con que otros se entregan a la religión. Convencido desde muy joven de su condición de artesano y poco dispuesto a dejarse llevar por los reclamos de la vanguardia, Balthus se dedicó a estudiar a los grandes maestros, intentando penetrar los matices de esa luz tan peculiar que desprenden las telas de Masaccio, de Piero della Francesca y Giotto. Ahí, en la atenta contemplación de los primitivos italianos, el joven pintor pudo tejer un hilo que une Oriente con Occidente, y a Fra Angélico con Poussin y Cézanne, hasta llegar a nuestros días. Amigo personal de Modigliani y Picasso, instalado desde hacía muchos años en la mansión de Rossinière, Balthus dictó estas memorias cuando su vida ya se acababa, hablando por fin del auténtico significado de algunos de sus cuadros y de la búsqueda incansable, desesperada a veces, de una perfección que iba más allá de la técnica para instalarse en la ética. Hombre modesto y esquivo, Balthus, que solo habló cuando dejó de utilizar el pincel, nos ha dejado unas páginas hermosas donde se guarda la esencia de un arte que es oficio y es vocación.

Esta obra analiza la historia de la pintura francesa en el siglo XIX tratando de definir qué es moderno de aquella pintura y en qué radica, relacionándolo con las transformaciones de París -especialmente bajo los auspicios del barón Haussman-, con la mentalidad y usos de la burguesía del momento, y con la capacidad de esa pintura de reflejar todos los cambios que se estaban produciendo en el entorno y en la sociedad.

Estudio de los movimientos artísticos entre 1900 y 1920 centrado especialmente en tres cuestiones: 1. El interés de los autores europeos por el arte primitivo y la aparición de colonias de artistas que se desplazan a trabajar en ambientes rurales en Francia y en Alemania. 2. El cubismo, interpretado desde un punto de vista semiótico. 3. La aparición del arte abstracto y los problemas que plantea la interpretación y evolución de este tipo de arte.

El libro, el tercero de una serie que trata la historia completa del arte contemporáneo cuyos dos primeros títulos (Primitivismo, Cubismo, Abstracción y La Modernidad y lo Moderno) ya han sido editados por nosotros, analiza la historia de una parte esencial del arte del siglo xx, el arte del período de entreguerras, en el que las tendencias realistas y racionalistas (como el movimiento en torno a la Bauhaus, el Expresionismo, el Purismo o la Nueva Objetividad) coinciden con los movimientos dadaísta y surrealista.

¿Cómo imaginar no sólo un nuevo arte o arquitectura sino un nuevo yo o sujeto iguales a ellas? En 'Dioses prostéticos' Hal Foster explora esta cuestión a través de las obras y escritos de artistas modernos clave como Gauguin y Picasso, F. T. Marinetti y Wyndham Lewis, Adolf Loos y Max Ernst. Todas estas diversas figuras sintieron la fascinación por las ficciones del origen, bien primordiales y tribales, bien futuristas y tecnológicas. De este modo, sugiere Foster, dos formas llegaron a dominar el arte moderno por encima de todas las demás: lo primitivo y la máquina. Foster comienza con las fantasías primitivistas de Gauguin y Picasso, que examina a través de las lentes freudianas de la escena primordial. Luego pasa a ocuparse de las obsesiones puristas del arquitecto vienés Loos, que aborrecía todo lo primitivo. A continuación Foster considera los sujetos tecnofílicos postulados por el futurista Marinetti y el vorticista Lewis. Estos «nuevos egos» se contrastan más tarde con las «máquinas celibatarias» propuestas por el dadaísta Ernst. Foster también explora extrapolaciones procedentes del arte de los enfermos mentales en los modelos estéticos de Ernst, Paul Klee y Jean Dubuffet, así como manipulaciones del cuerpo femenino en la fotografía surrealista de Brassaï, Man Ray y Hans Bellmer. Finalmente, examina el impulso a disolver las convenciones del arte sin más en los cuadros por goteo de Jackson Pollock, las piezas esparcidas de Robert Morris y las earthworks de Robert Smithson, y rastrea la evocación de objetos del deseo perdidos en la obra escultórica de Marcel Duchamp y Alberto Giacometti hasta Robert Gober. Aunque el título está extraído de Freud, 'Dioses prostéticos' no impone la teoría psicoanalítica al arte moderno; por el contrario, pone ambos en una relación crítica e investiga el ampliado campo histórico que comparten.

Este libro reúne una serie de reflexiones sobre la relación entre arte y arquitectura. Explora las aspiraciones arquitectónicas del arte y las artísticas de la arquitectura. El título del libro, Doble exposición, en inglés Double Exposure, se utiliza aquí en el sentido fotográfico de dos imágenes sobrepuestas, o mejor, dos fotografías en un mismo negativo, una misma emulsión, suspendidas en un único medio. Arquitectónicamente, puede pensarse en el cristal de un gran ventanal panorámico que de noche refleja el interior de la casa y lo sobrepone a una vista del exterior. Este sentido de dislocación en el espectador el habitante de la casa o el que mira a una fotografía de doble exposición, o quizá incluso el que mira a cualquier obra de arte refleja también el de la autora. Doble exposición significa textos sobre arte escritos desde la arquitectura. O, como indica el subtítulo, sobre la arquitectura a través del arte. Porque en el fondo lo que estos textos acaban buscando no es tanto el arte como la arquitectura en el arte. Aprender arquitectura escribiendo sobre arte, entonces. Mirando desde nuestra casa, la disciplina de la arquitectura, hacia afuera, hacia el arte, vemos el interior reflejado en el cristal como si fuera por primera vez.

Con una novedosa reflexión sobre el arte y su espacio, servida con un lenguaje claro y riguroso, el autor lleva a cabo un intento de desmantelar los rasgos esenciales de la actitud del hombre urbano de las sociedades occidentales frente al paisaje industrial, los cambios del espacio como consecuencia de la integración de la escultura (pero no sólo) en la arquitectura y en el urbanismo, y la planificación del espacio que esto conlleva, una planificación sin duda política, tanto en su sentido griego como en el moderno.

El presente libro contiene una revisión general de los estudios y teorías en Socilogía de la Cultura. Planteando un debate sobre las aproximaciones sociológicas, históricas, literarias y de género (ahondando en la temática femenina) realiza una aproximación original al estudio concreto de la obra de arte, incidiendo en cuestiones centrales como la del papel de la lectura-visión, la naturaleza del concepto de y la posibilidad de una política cultural.

«Hoy día uno no necesita ser asquerosamente rico para proyectarse no sólo como diseñador sino como diseñado, sea el producto en cuestión la casa de uno o su negocio, sus mejillas caídas (cirugía estética) o su personalidad retraída (drogas de diseño), su memoria histórica (museos de diseño) o su futuro ADN (niños de diseño). ¿Podría ser este «sujeto diseñado» el resultado no deseado del tan cacareado «sujeto construido» de la cultura posmoderna? Una cosa parece clara: en el preciso momento en que se pensaba que el lazo consumista no podía estrecharse más en su lógica narcisista, lo hizo: el diseño es cómplice de un circuito casi perfecto de producción y consumo, sin mucho margen de maniobra para nada más.» Del marketing cultural a las relaciones históricas entre el arte contemporáneo y el museo moderno, pasando por la arquitectura espectáculo, el auge de las ciudades globales o las vicisitudes conceptuales de la historia del arte y los estudios visuales, «Diseño y delito» ofrece, con su estilo polémico, una serie de reflexiones que permitan iluminar las condiciones de la cultura crítica en nuestros días.