Ante el tiempo tiene un subtítulo que precisa el contenido del libro: Historia del arte y anacronismo de las imágenes. Georges Didi-Huberman aborda una multiplicidad de problemas y debates de la historia del arte en relación con el tiempo y sobre los tironeos de esa historia del arte con los modelos temporales de la historia propiamente dicha. La noción de anacronismo es epistemológicamente decisiva. La imagen es portadora de memoria, de modo que la relación entre tiempo e imagen supone un montaje de tiempos heterogéneos y discontinuos que sin embargo se conectan. Didi-Huberman plantea dos preguntas clave: '¿qué relación de la historia con el tiempo nos impone la imagen?' y '¿qué consecuencia tiene esto para la práctica de la historia del arte?'. El libro propone una arqueología de la historia del arte, cuestionando sin eufemismos ni vacilaciones la visión de Erwin Panofsky sobre la 'historia del arte como disciplina humanista'. Esta visión, antecedida por una tradición teórica que une a Vasari con Kant y con el mismo Panofsky, se prolonga hasta el presente, tras haberle cerrado el paso a quienes se propusieron 'reinventarla': Aby Warburg, Walter Benjamin y Carl Einstein. El libro se centra en estos tres pensadores del anacronismo, autores de obras poderosamente innovadoras. En sus textos teóricos las imágenes no toman la forma de fetiches intemporales sostenida por la estética clásica, ni la de simples crónicas figurativas como supone la crítica de arte positivista. Por vía del anacronismo esa parte maldita del historiador Didi-Huberman propone un nuevo modelo de temporalidad y coloca a la imagen en el centro de todo pensamiento sobre el tiempo.

Más allá del arte establecido, son ya varias las generaciones de artistas, en su mayor parte estadounidenses, que han ofrecido una perspectiva pictórica radicalmente distinta del arte moderno. Influidos por la cultura pop, los cómics, la ciencia ficción, el cine fantástico, la serie B, el graffiti, el punk, el rock, los dibujos animados, los videojuegos o lo juguetes, han combinado ese abanico para crear lo que se ha dado en llamar "surrealismo pop". Joan S. Luna, redactor jefe de la revista musical MondoSonoro, repasa cuáles han sido los antecedentes artísticos o las corrientes previas que han influido a buena parte de los creadores que aparecen en sus páginas, precisando que la influencia de surrealistas como Ernst, Picasso, De Chirico, Dalí o Magritte resulta fundamental para muchos de los artistas que forman parte del movimiento que nos ocupa, mientras que el pop art deviene una influencia más conceptual que estética. Los colores del underground busca, a través de 22 entrevistas realizadas por el propio Luna a otros tantos autores, ofrecer una muestra representativa del actual panorama del surrealismo pop y dar a conocer a sus artistas más destacados. Entrevistas e ilustraciones de Gary Baseman, Víctor Castillo, el Gato Chimney, Xiaoqing Ding, Ron English, Alex Gross, Femke Hiemstra, Yoko D'Holbachie, Stephen Kasner, Chris Mars, Sergio Mora, Heiko Müller, Scott Musgrove, Kathie Olivas, Brandt Peters, Gonzalo Rueda, Greg Simkins, Jeff Soto, Nathan Spoor, David Stoupakis, Eric White y Martin Wittfooth.

Armonía cromática es el primer tratado de colorido que desarrolla el fascinante tema del ajuste y concordancia de las combinaciones de colores, en sus diversas manifestaciones de las artes y el diseño. Su planteamiento teórico se fundamenta tanto en la cromatología como en la perspectiva actual de la teoría de la armonía aplicada a la sintaxis de las coloraciones y al enfoque musicalista del colorido. La exposición de sus diferentes conceptos está ilustrada con más de 180 muestras fotográficas y pictóricas, gráficos, diagramas y cuadros sinópticos. Incluye una Guía de armonía cromática con más de 900 muestras de esquemas cromáticos, así como una monografía sobre la armonización específica de las combinaciones de colores CMY-CMYK.

Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) ha desplegado una actividad polifacética capital en la escena fotográfica española, y a su fecunda producción artística se une una no menos prolífica labor de reflexión crítica e investigación historiográfica. A pesar de no considerarse a sí mismo un historiador profesional, ni tan siquiera un especialista, los textos que Fontcuberta ha venido publicando desde mitad de los años setenta sobre diferentes aspectos de la fotografía española han contribuido a forjar los modelos con que hoy interpretamos su evolución. Este libro reúne una treintena larga de escritos -de tono más periodístico unos, con mayor calado teórico otros- que Jorge Ribalta ha seleccionado como un compendio de fuentes. Fuentes que interesan no sólo por su contenido sino también por los metadatos colaterales que propocionan respecto a los contextos culturales y políticos en los que se produjeron, así como respecto a las agendas implícitas a las que se subordinaron. Se trata de textos en definitiva que reflejan tanta curiosidad y voluntad de divulgación como deseo de incidir en políticas culturales y estados de opinión. Entre el activismo y la erudición apasionada, deliberadamente lejos de la frialdad académica, Fontcuberta perfila en este volumen el recorrido de un esfuerzo pionero por articular relatos plausibles sobre el pasado y el presente de la fotografía española. Jorge Ribalta (Barcelona, 1963) es fotógrafo y crítico. Escribe regularmente en diversas publicaciones y dirige el Departamento de Programas Públicos del MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona). Joan Fontcuberta, fotógrafo, crítico y profesor, colabora en publicaciones especializadas en arte e imagen. Ha publicado diversos libros entre ellos Fotografía: conceptos y procedimientos (2000), Ciencia y fricción. Fotografía, naturaleza, artificio (1998) o El beso de Judas. Fotografía y verdad (Gustavo Gili, 2002).

En el mundo contemporáneo las apariencias han sustituido a la realidad. No obstante la fotografía, una tecnología históricamente al servicio de la verdad, sigue ejerciendo una función de mecanismo ortopédico de la conciencia moderna: la cámara no miente, toda la fotografía es una evidencia. A partir de vivencias personales, Joan Fontcuberta critica esta creencia y reflexiona sobre aspectos fundamentales de la creación y la cultura actuales. Desde su primera edición en 1997, El beso de Judas se ha convertido en un libro clásico e imprescindible sobre la reflexión en torno a la fotografía.

El cambio de paradigma tecnológico al que la fotografía se ha visto sometida en los últimos años no sólo ha puesto de nuevo de manifiesto la naturaleza fotográfica de nuestra cultura, sino que ha zarandeado algunos de los fundamentos que parecían formar parte indisociable de lo fotográfico. A través del estilo desenfadado e irónico que siempre ha caracterizado a Joan Fontcuberta, La cámara de Pandora aborda la refundación de este medio en el nuevo entorno digital para repensar aquellas cuestiones que van más allá de lo estrictamente fotográfico y para abrirse a los nuevos principios que se plantean con la nueva fotografía. Con artículos de marcado tono lúdico como muestran sus propios títulos -'Yo conocí a las Spice Girls' o 'El misterio del pezón desaparecido'-, el autor retoma el hilo conductor que ya marcara en El beso de Judas. Fotografía y verdad y, en esta nueva entrega de dieciséis ensayos, desgrana lo que queda de la fotografía: los restos de la autenticidad, los restos de lo documental, los restos de unos valores que hicieron que la fotografía moldeara la mirada moderna y contribuyera a nuestra felicidad. Y, fiel al principio de que una fotografía vale más que mil mentiras, el autor elucida la naturaleza de la nueva fotografía (digital) y sus extravíos. De ahí derivan reflexiones críticas y evocaciones poéticas que rastrean los empeños de una posmoderna cámara de Pandora que ya no se limita a describir nuestro entorno sino que ambiciona poner orden y transparencia en los sentimientos, la memoria y la vida.

El libro aborda la historia de la imagen religiosa entre dos fechas que fueron momentos cruciales en la "política de la imagen" seguida durante el reinado de los Reyes Católicos: la primera es 1478, en Sevilla, en los prolegómenos de la institución del Santo Oficio en la ciudad; la segunda nos remite a Granada, alrededor de 1501. En ambos casos las autoridades legislaron sobre la obligación de que la población local custodiara imágenes religiosas en el interior de las casas. El destinatario de la primera eran los judeo-conversos, el de la segunda, los nuevos moriscos, y el responsable de ambos edictos, el confesor de la reina fray Hernando de Talavera, él mismo un converso del judaísmo. Apoyándose simultáneamente en la historia social y en la historia intelectual, Las imagénes de la discordia muestra las consecuencias que el conflicto social y religioso tuvo para el desarrollo de una cultura de la imagen en Castilla y Andalucía, y, en consecuencia, para la historia del arte español en la Edad Moderna.

En los años noventa los teóricos y analistas más sobresalientes en el campo audiovisual anunciaban que se había producido la muerte del cine. Se quería advertir con ello, obviamente, no de la muerte de la industria cinematográfica ni de la de sus productos, pero sí de la muerte de los específicamente cinematográfico que hasta entonces había pervivido en esa forma de expresión. En cualquer caso, muerte o no, se hablaba de una transformación cualitativa del lenguaje cinematográfico, cuya causa había que buscarla en la hegemonía de la televisión y su voraz omnipresencia, y, en particular, en lo que se vivió como una de sus consecuencias más directas: la práctica desaparición de las salas cinematográficas tradicionales. Había (y hay) muchos argumentos para sostener esa perspectiva, sin embargo es hora de replanteársela. De eso trata este libro. Ubicado en las intersecciones de la Teoría fílmica, la Historia del cine y la Estética de la comunicación, y deudor, por tanto, de sus postulados, reflexiones y herramientas de análisis, nace con la intención de demostrar la necesidad de cuestionarse si ha habido una profunda transformación del lenguaje cinematográfico debida a su adaptación a los nuevos modos de exhibición mayoritarios (televisión, vídeo/DVD, internet...). Para ello aboga por la realización de un análisis empírico deun corpus fílmico determinado, aportando razones de diversa índole que muestran tal necesidad, y realiza, además, una revisión historiográfica de la gran transformación que ha experimentado la industria audiovisual en las últimas décadas.

EXIT Publicaciones lanza una nueva coleccion de libros:EX(it) LIBRIS objetivo de esta nueva coleccion es poner al alcance del lector los textos mas relevantes de la escritura del arte actual. Especial atencion dedicaremos a la traduccion de textos esencia

Caminar con el diablo. Texto sobre arte, internacionalizacion y culturas, ofrece una cuidada y anotada compilacion de algunos de los textos publicados durante los ultimos veinte anños por el critico de arte y comisario independiente Gerardo Mosquera, fund

El umbral del mundo visible constituye un examen psicoanalítico del campo de visión, en el que la principal preocupación de Silverman es establecer lo que significa ver. Así, pone de manifiesto que nuestra mirada se ve siempre influida por nuestros deseos y nuestras ansiedades, y mediada de un modo completo por las representaciones que nos rodean. Estas restricciones psíquicas y sociales nos llevan a cometer actos involuntarios de violencia visual contra otros. Silverman explora las circunstancias conscientes e inconscientes bajo las que tales actos de violencia podrían ser reparados y la mirada inducida a ver y afirmar lo que es abyecto y ajeno a ella misma.

Fernando Millán (Jaén, 1944) ha sido una de las personalidades más comprometidas con el movimiento que en los años 60 y 70 revisó y amplió las propuestas de la vanguardia histórica. Traductor de Tristán Tzara y autor de algunos de los libros más relevantes de la poesía visual española -Textos y antitextos (1970), Mitogramas (1978)-, así como de la legendaria antología La escritura en libertad (1975), Millán analiza en estas conversaciones con Chema de Francisco (Madrid, 1969) el panorama de la creación experimental en nuestro país durante la segunda mitad del siglo XX, y la trayectoria de sus figuras más representativas: Joan Brossa, Juan Hidalgo, José Luis Castillejo, Felipe Boso o el malogrado Julio Campal. Veteadas de apreciaciones críticas y recuerdos personales, las páginas de este pequeño volumen constituyen una valiosa aportación al conocimiento del fenómeno vanguardista, además de una estimulante defensa de su espíritu ante el siglo XXI.

Allan Kaprow (1927-2006) ha pasado a la Historia del Arte como creador de los Happenings, pero para él no fueron sino el inicio de un proceso que le llevó más allá de las fronteras de los géneros artísticos. Dado el carácter efímero y a menudo irrepetible de sus propuestas, no sería de extrañar que su obra escrita, indistinguible de la artística, y tan influyente, se convierta en su contribución más importante. La educación del des-artista es un hoy un texto más vigente que nunca, un inusitado manual para creadores donde el Arte y su Historia son desactivados por una mirada crítica, una conciencia estética y una práctica artística al servicio de la vida. Allan Kaprow nació en Atlantic City, New Jersey. Empezó como pintor interesado en el expresionismo abstracto (Pollock), el collage, etc. En 1947-1948, estando en la escuela de pintura de Hans Hofmann, comenzó a desarrollar lo que se ha denominado una "pintura expresiva", basada en paisajes y figuras humanas reales, y que una década después entró en la esfera mundial con el nombre de happenings. Kaprow en los años cincuenta se dedicó a estudios de composición musical con John Cage en Manhattan. Bajo la influencia de Cage creó obras ambientales en las que requería la participación de la audiencia. Hasta hace muy poco Allan Kaprow enseñaba en el Departamento de Artes Visuales de la Universidad de california en San Diego.

«El que ve no sabe ver»: esta presuposición atraviesa toda nuestra historia, desde la caverna platónica hasta la denuncia de la sociedad del espectáculo. La encontramos tanto en el filósofo que quiere que cada uno se quede en su lugar como en los revolucionarios que quieren arrancar a los dominados de las ilusiones que los someten. Algunos emplean sutiles explicaciones o instalaciones espectaculares para mostrar a los ciegos lo que no ven. Otros quieren cortar el mal de raíz transformando el espectáculo en acción y al espectador, en hombre activo. Los estudios aquí reunidos oponen a esas dos estrategias una hipótesis simple: el hecho de ver no implica su invalidez; la transformación en espectadores de los que estaban destinados a sufrir las imposiciones y las jerarquías de la acción ha podido contribuir a alterar las posiciones sociales; y la denuncia del hombre alienado por el exceso de imágenes ha sido, de entrada, la respuesta del orden dominante a ese desorden. La emancipación del espectador es entonces la afirmación de su capacidad para ver lo que ve y para saber qué pensar y qué hacer de ello. Examinando algunas formas y debates del arte contemporáneo, este libro intenta responder a las siguientes preguntas: ¿qué entender por arte político o política del arte? ¿En qué punto nos encontramos respecto a la tradición del arte crítico y respecto al deseo de introducir el arte en la vida? ¿Cómo se ha convertido la crítica militante de la mercancía y de la imagen en la afirmación melancólica de su omnipotencia o la denuncia reaccionaria del «hombre democrático»?

Art and Photography is the first book of its kind to survey the major presence of photography in artistic practice from the 1960s onwards. Today photography is arts pre-eminent medium, yet it took the whole of the last century for it to acquire this status. On its invention, the photograph was considered a purely mechanical, artless object which could not be considered among the fine arts. Despite its increasing use by the century`s most significant artists, only since the late 1960s have art museums gradually begun to exhibit and acquire the photograph as an artwork. This volume provides an authoritative overview of photography`s place in recent art history, contextualised in the Documents section by original artists statements and interviews, and texts by leading critics, writers and theorists of the late twentieth century.