El tiempo de las plantas es el tiempo del futuro, de lo salvaje y del nuevo despertar de la Naturaleza. Tan poético como crudo. Tan lento como inexorable. La nueva humanidad crece entre las zarzas y el legado de una civilización marchita y caduca. Crece una nueva realidad sobre lo orgánico, lo vivo y lo fractal. Un reinicio cíclico, una nueva oportunidad[...]

Parker es el prototipo del hombre duro, brutal, frío y violento que rara vez muestra sus sentimientos. El personaje fue creado por uno de los autores más prolíficos novela negra estadounidense, Donald Westlake, alias Richard Stark. Y Darwyn Cooke es el encargado de adaptar las aventuras del “cazador” con un estilo perfecto: oscuro, cortante y sensual que le valió el premio Eisner 2014 a la mejor adaptación. Este segundo y último volumen con el que se completa el integral de las adaptaciones de Parker realizadas por Darwyn Cooke presenta más de cien ilustraciones de Parker inéditas en España; una mesa redonda con Ed Brubaker, Sean Phillips, Bruce Timm y Scott Dunbier sobre 'Parker' y Cooke; las adaptaciones de 'El golpe', 'Matadero' y 'El 7éptimo'; y una historia totalmente nueva de 17 páginas realizada por Ed Brubaker y Sean Phillips, ganadores de varios premios Eisner.

HISTORIAS DEL ARTE - Aldo Urbano - RELATOS DE TERROR Y ÉXTASIS (o qué pasa cuando le piden a un pintor que haga un libro sobre la historia del arte) "Historias del arte" es un experimento pictórico y literario, una parodia del libro de “Historia de la pintura” o la historia del arte convertida en fábula. Una voz alucinada acompaña al lector a través de experiencias catárticas y transformadoras, reyes enloquecidos, místicos desviados y la fuerza más grande que quepa imaginar. El resultado es una pesadilla de la que queremos despertar, una historia a la deriva y, también, un instante de éxtasis avistado en el corazón de la tormenta. Este cómic es un compendio de cuentos, pero también una parodia de los clásicos libros de historia del arte, y por ello recupera una estructura parecida a la de estos, con el relato dividido en dos grandes bloques: «Pintura antigua» y «Últimos pintores». ­ «Pintura antigua» está compuesto por tres capítulos que abordan historias de terror espiritual cuyos personajes aparecerán nuevamente en la segunda parte, como si fuesen espectros del pasado decididos a volver a la vida. "El enorme sacrificio de Deir El-Medina" es una fábula situada en el Antiguo Egipto, alrededor del 1335 a.C., en la que la cultura de los sacrificios y los monumentos funerarios convive con el reinado del faraón Akhenatón, prototipo de personaje romántico. "La desaparición de los manuscritos de Dunhuang" versa sobre los iluminadores de manuscritos en los monasterios budistas durante la persecución budista perpetrada en China alrededor del 845 d.C., ambientada en el desierto como escenario de escasez material y fertilidad espiritual, con un rey enloquecido de la China Antigua como detonante de la destrucción ulterior. Por su parte, "Akhenatón en Amarna" es un detalle ampliado del periodo más alucinado del faraón, en el que sus delirios místicos convergen con el hundimiento de su imperio. La segunda parte, “Últimos pintores”, es una referencia a la idea del fin de la pintura y se centra en las biografías de dos artistas, la pintora canadiense Agnes Martin y el pintor alemán Blinky Palermo, ambos exponentes de una pintura silenciosa y minimalista. "Agnes Martin en el desierto" se centra en el periodo de siete años (entre 1967 y 1974) en el que la artista dejó la pintura y se fue a vivir al desierto. La narración oscila entre una pesadilla y una visión milagrosa, y vemos narradas en primera persona experiencias comunes a las personas forzadas a procesos de soledad y transformación interna profundos, y que evocan inevitablemente la experiencia colectiva reciente de los confinamientos. "Blinky Palermo en las Maldivas" fabula sobre las breves vacaciones que el pintor hizo en las Islas Maldivas en 1977, en el transcurso de las cuales murió en extrañas circunstancias. Este último capítulo ahonda también en el arte europeo de la posguerra y concluye con una aproximación especulativa y poética en torno a la desaparición del artista.

Tan estimulante como contagioso, este texto escrito en 1985 —que ahora el ilustrador Bruno Borges acompaña de imágenes— sigue conservando intacta su fuerza para impulsar nuestras vidas hacia una búsqueda de la plenitud y hacer frente a la mutilación que nos impone la economía. A estas alturas del siglo xxi, la obra de Bob Black sigue siendo una herejía para muchos. Para nosotros La abolición del trabajo es, además de un armonioso canto a la vida, un monumental corte de mangas al orden mental establecido.

El Japón rural del siglo pasado es el escenario de estos relatos firmados por una de las voces más apasionantes del manga moderno. Nieve roja habla de un mundo perdido, lejano en el tiempo pero aún increíblemente sugerente, marcado por estaciones difíciles y el arduo trabajo que se necesita para arrancar de la tierra lo necesario para vivir. Campesinos, artesanos, bandas de niños luchadores, monjes budistas a caballo entre la espiritualidad y las tentaciones eróticas, mujeres fuertes y testarudas, víctimas de la violencia y el abuso: el de Katsumata es un cuadro pintado con tonos de crudo realismo, donde sin embargo no faltan las criaturas mitológicas y sobrenaturales. Nieve roja es una obra maestra del gekiga, historias agridulces, poéticas y surreales, una ventana a la esencia del Japón más profundo.

Nada menos que 3 hombres y 40 animales fueron encontrados muertos en las playas de Bretaña (Francia). La identidad del asesino es un secreto a voces: las algas verdes. En esta investigación Inès Léraud y Pierre Van Hove relatan medio siglo de silencio, con muestras que desaparecen en los laboratorios, cuerpos enterrados sin autopsia, juegos de influencias, presiones y un silencio de plomo. Una investigación sin precedentes en la que participan denunciantes, científicos, agricultores y políticos de la que el periodista Alfonso Pato ha destacado en Eldiario.es que se trata de “un docu-cómic que acaba siendo un retrato demoledor, casi un thriller, sobre la forma de proceder de muchas multinacionales del sector agroalimentario”. El equilibrio ancestral sol-plantas-animales se ha roto. El origen del desastre ecológico se encuentra principalmente en el nitrato, un superfertilizante que provoca la proliferación de las algas que generan toxicidad en las aguas y entornos naturales. En Bretaña, la agricultura y ganadería intensivas explican este excedente de nitrógeno; un problema que en España, con su propia idiosincrasia, tiene su terrible reflejo en el Mar Menor, en Murcia. Con la colaboración de ecologistas, agricultores y ganaderos contrarios a las prácticas invasivas de las multinacionales, y el trabajo gráfico del dibujante Pierre Van Hove, las demoledoras conclusiones de Léraud están consiguiendo influir en el necesario e inaplazable debate sobre la agricultura y la ganadería intensivas. Un cómic que ha sacudido Francia con más de 120.000 ejemplares vendidos y cuya adaptación audiovisual como documental de no ficción está en proceso de producción.

«Me gustaría pintar la naturaleza», confiesa una joven dibujante francesa al poner un pie en Japón. Por su parte, un artista japonés intenta «pintar una mujer». ¿Qué naturaleza: la que apacigua o la que desborda? ¿Y qué mujer? ¿Nami, quizá, que regenta la posada de baños termales en la que ambos artistas se hospedan? Catherine Meurisse vivió durante varios meses en Villa Kujoyama, una residencia para artistas en Kioto, donde quiso inspirarse y retomar su labor bajo una nueva perspectiva, sumergida en los ricos paisajes japoneses, con el fin de darle un nuevo sentido a su obra y redescubrirse a sí misma.

Villa de los Zares, Rusia, 1901... Revoloteando sobre los terrenos nevados del Palacio de Alejandro, una polilla presencia el nacimiento de la cuarta princesa Románov: Anastasia. Sus hermanas y ella crecen en una jaula de oro, aisladas de la sociedad que vive más allá de los muros del palacio a pesar de su dominio sobre ella. Tras recibir de forma misteriosa una cámara como regalo por su decimoquinto cumpleaños, empieza a documentar la realidad que la rodea, pero el regalo trae consigo una carga que aún no es capaz de comprender. Una criatura se mueve por los márgenes de su mirada y la acecha en sueños. A medida que la revolución avanza, las esquinas del mundo de Anastasia se van estrechando. Algo la persigue, una fuerza implacable.

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Ante el crecimiento de los problemas de salud mental como un verdadero tsunami, el estado adopta medidas drásticas para evitar el colapso de la economía nacional. En la distopía de Bim Eriksson, el dolor, la pena y las preocupaciones están terminantemente prohibidas. Se crea una brutal Autoridad de Salud Nacional para borrar datos y censurar información sobre los problemas de salud mental. Se criminaliza toda cultura triste, sentimental y crítica con la sociedad. Se introduce un programa de vacunación masiva; los ciudadanos que albergan sentimientos prohibidos son internados en centros de tratamiento y sometidos a medicación forzosa para recuperar la psique pura que se ambiciona. En uno de esos centros, la desamparada Betty conoce a un personaje con máscara de conejo. Es Berina, que resulta ser miembro del movimiento de resistencia. Muy pronto, todo lo que Betty creía saber sobre el mundo se desmorona.

Shaun Tan es uno de los autores de arte narrativo más aclamados del mundo. Basada en los veinticinco años que Tan lleva trabajando como creador de libros ilustrados y cómics, diseñador y cineasta, Criatura explora su obsesión por los seres imaginarios. Además de los bocetos de obras visionarias como Emigrantes, La cosa perdida, Cuentos de la periferia y, la ganadora de la medalla Kate Greenaway, La ciudad latente, este volumen reúne por primera vez dibujos y pinturas inéditas e independientes donde resuenan historias aún no escritas. Las descripciones detalladas del artista ofrecen una visión particular de la fascinación infinita por las criaturas no humanas y lo que estas pueden decirnos acerca de los seres humanos «normales». Artistas, escritores, estudiantes, soñadores y quienes muestren interés por las corrientes más profundas de la creatividad encontrarán la inspiración en estas páginas.

Llegamos a los confines del Jodoverso: el cierre de la mayor saga del cómic de ciencia ficción, en una edición integral inédita en español. El antiheroico detective John Difool ha roto el bucle de su caída eterna, pero ahora debe enfrentarse a otra misión para salvar al universo, amenazado por un virus robótico que quiere terminar con toda materia viva. Dotado de un insólito don de la ubicuidad, Difool se va a multiplicar en cuatro individuos distintos y por la misma razón idénticos, desempeñando un nuevo rol: el de héroe múltiple, mutable y voluntariamente contradictorio.

Un retrato ilustrado de Pablo Neruda: su obra, sus amores y el salirse de sí mismo para convertirse en verso. La consagración de un hombre y de un poeta.

Dog y Frog están enamorados. Se apoyan mutuamente, cuidan el uno del otro. Comparten su alegría y su tristeza frente a una taza de chocolate caliente y nos trasladan su existencialismo adorable para que apreciemos lo que tenemos —por poco que sea— mientras intentamos parecernos un poco más a ellos. Besos, abrazos, nostalgia, mensajes de amor, tsunamis de ansiedad, galletas recién hechas, bajones, subidones, mucho té y una rana con calcetines largos. Cada viñeta nos hace sentir un poco más vivos. <3

Caminando entre calles silenciosas y desiertas, rodeado de un peligro invisible y letal, voy descubriendo qué es lo que hace que la vida merezca la pena ser vivida.

Más de cien años de cine dan para todo tipo de historias y películas, pero también, para un número casi infinito de tópicos y clichés. Pedro Vera se ha propuesto recopilarlos todos en este volumen, desde los lugares comunes que puede acumular cualquier comedia adolescente o película de acción hasta los ranciofacts más sonrojantes del cine de terror, el policiaco o el de ciencia ficción. Un nuevo volumen de la saga 'Ranciofacts' que esta vez hay que leer con un cuenco lleno de palomitas a mano.

'Calvin y Hobbes' es sin duda uno de los cómics más populares de todos los tiempos. Narra las divertidas travesuras de Calvin, un niño de seis años precoz, revoltoso y aventurero; y de Hobbes, su sarcástico tigre, un felino tan real para Calvin como tierno peluche para los demás. La capacidad de Watterson para mostrar la infancia, incluidos sus propios recuerdos, impulsa los vuelos de fantasía de Calvin, ya sea subiendo a una cápsula como el capitán Spiff (enfrentándose a temibles extraterrestres como sustitutos de las figuras de autoridad de la vida real de Calvin) o imaginando que es una bestia temible. Stephan Pastis, creador de 'Pearls Before Swine', considera que Calvin es una expresión de pura personalidad infantil, pero cree que hay otra dinámica que hace que muchos de los actos de imaginación de Calvin sean tan atractivos. Watterson “captó con exactitud cómo te sientes de niño, lo limitado que estás por tus padres, por tu niñera, por la señorita Carcoma. Estás realmente acorralado y lo único que te queda es la expresión individual”, dice Pastis. CIFRAS DE VÉRTIGO Las historias de Calvin y Hobbes —que aparecieron por primera vez en 1985 y se publicaron durante diez años en más de 2400 periódicos en todo el mundo— le valieron a Bill Watterson numerosos premios: dos Eisner, dos Reuben, ocho Harvey, el premio al mejor cómic extranjero y el gran premio en el Festival Internacional de Angoulême, y sus libros han vendido más de 45 millones de ejemplares en todo el mundo, ocupando regularmente las listas de libros más vendidos de 'The New York Times'. Décadas después, la brillantez de Calvin y Hobbes continúa deslumbrando, y sus cómics siguen estando presentes en las listas de los títulos más vendidos. 'El gran Calvin y Hobbes' ilustrado incluye las tiras publicadas entre el 5 de diciembre de 1988 y el 7 de julio de 1990. La edición de Astiberri mantiene la traducción de Francisco Pérez Navarro totalmente revisada y se ha creado una tipografía con la letra de Bill Watterson para rotular esta edición.

Escritor e ilustrador de más de un centenar de libros, Edward Gorey es un personaje de culto entre numerosos y fieles admiradores de todo el mundo, como el propio Tim Burton. Su personalidad estrafalaria contribuyó a construir una obra extraña e inclasificable con obras capitales como el tríptico memorable La fábrica de vinagre (Libros del Zorro Rojo, 2010). La biblioteca macabra reúne, por primera vez en un único estuche, cinco libros de su autoría: La niña desdichada, que narra la funesta vida de Charlotte Sophia; La procaz intimación, la historia de una señorita endemoniada; El zoo absoluto, una colección de animales más que exótica; El jardín maléfico, en el que quedará atrapada toda la familia y Los pequeños macabros, un muestrario alfabético de muertes trágicas infantiles, su obra maestra. Su estilo gráfico victoriano, cargado de elementos góticos, así como el sublime manejo de las texturas y los grises le aportan una impronta única a su obra tenebrosa, por momentos surrealista.

Los sesenta y los setenta son los años de los movimientos por los derechos civiles, de las manifestaciones estudiantiles y de la segunda ola feminista. Son los años en los que surge el Feminist Art, un movimiento complejo y fundamental para entender la historia del arte contemporáneo. A través de las palabras y los monólogos interiores de Judy Chicago, Faith Ringgold, Ana Mendieta y de las Guerrilla Girls esta biografía gráfica cuenta como las mujeres cambiaron el arte para siempre. «El arte feminista no es un estilo ni un movimiento, sino un sistema de valores, una estrategia revolucionaria, un modo de vida». LUCY R. LIPPARD «El arte feminista no es el arte realizado por mujeres, no es un movimiento que se caracteriza por ciertas elecciones técnicas o por adoptar formas innovadoras, es más bien un movimiento artístico y político en el que las artistas son activistas que reivindican los derechos de las mujeres y que usan el arte como una herramienta de lucha». VALENTINA GRANDE