LOS poemas de Manuel Vilas (Barbastro, Huesca, 1962) tienen argumento, igual que los boleros en cuyas venturas y desventuras nos vemos reflejados. Decía Robert Musil que el argumento es la sombra de la novela (tanto da decir de la poesía) como el dolor es la sombra de la enfermedad. Añadimos de nuestra cosecha que no se puede vivir sin dolor, pero menos aún sin sombra. Léase Roma como la sucesión de sombras provocadas por los movimientos de un hombre que intenta reencontrarse con su alma en las peluquerías, tiendas, mercadillos, hoteles, iglesias, freidurías, restaurantes, calles y callejones de la ciudad eterna y aledaños. He aquí un Vilas «asustado, siempre asustado», que da cuenta del precio de todo, desde el bacalao rebozado al tiramisú, pasando por el de las castañas asadas y la felicidad. Léase Roma como un reportaje existencial, como un poema-documental. Estremece leerlo. JUAN JOSÉ MILLÁS

Publicado por primera vez en 1912, Campos de Castilla supone una gran evolución en la obra de Antonio Machado, que abandona el simbolismo parisino y el aliento bohemio de su obra anterior en favor de la austeridad soriana. Crece con este libro su vocación regeneracionista, en la que coincide con otros miembros de la Generación del 98, y abre paso a un contenido sentimiento amoroso que dominará sus versos. Poemario muy celebrado por Miguel de Unamuno, Antonio Azorín y José Ortega y Gasset, actualmente es considerado un título clásico de la literatura española. El pintor José S.-Carralero ha buscado óleos entre su obra paisajística para realizar esta edición ilustrada a color que homenajea a Antonio Machado en el ochenta aniversario de su muerte.

En su segundo poemario, Marina Rosado Andrades explora el universo de la condición femenina en la literatura dando como resultado el retrato de una mujer que se rompe, sangra y sacrifica; que carga en su piel lo que hay de visceral en esa concepción romántica del amor en el que poco o nada tenía que hacer más que soportar el peso de las generaciones que le precedieron y los reclamos de una sociedad cambiante que siempre exige. La poeta relata la crueldad animal de una relación humana, del crecimiento a través de la inmolación de la unión y del sacrificio de sus partes. "La mujer de las mil ubres es aquella que descubre el peso de los deseos opuestos que otros han creado en ella, la que se sabe despiezada y no puede más que amar al que la alimentó", en palabras de su autora. Este poemario habla del final de una mujer, de su leche y de sus manos; sin embargo también nos muestra la fuerza que surge de la propia destrucción. A través del viaje desde el sacrificio, acompañamos a la protagonista en su diálogo interno, y también en el diálogo poético, dejándonos un libro cargado de orgánicas imágenes potentes y re

Los jóvenes Mateo Martínez y Pablo Enguita han sido los ganadores de la 39ª edición de los Premios José Hierro de Poesía y Relato Breve del Ayuntamiento de Santander, el primero en el apartado de relato breve y el segundo en poesía, por sus obras 'Nuevos Navegantes' y 'El acorde de Tristán', respectivamente. El jurado, asimismo, concedió sendos accésits a Marta Falagán y Cecilia Suárez en ambas modalidades por las obras 'Los días azules de Cecilia' y 'Parestesias'.

Galardonado con el Premio Valencia de Poesía en 1954, "Poema del soldado" emerge hoy como un libro testigo del silencio, de ese silencio que, como se ha repetido muchas veces, es también exilio sin necesidad de abandonar el lugar que uno aprendió a considerar como su origen. La poesía se muestra como el antídoto capaz de devolver al lenguaje el sentido perdido porque las antiguas palabras, pronunciadas entonces, durante los años de la dictadura, entre tanto silencio, entre tantas cosas que no podían expresarse con claridad, ya no podían significar lo mismo. "Poema del soldado" no es un poema político, no es un poema social, es sencillamente el poema proyectado por una mirada que se ha enfrentado a la estúpida muerte de la guerra y se ha prometido no olvidar. SANDRA SANTANA

BUENA parte de la mejor poesía en español, escrita y publicada en los últimos veinte años, tiene en Rubén Darío (Matapa, Nicaragua, 1867-León, Nicaragua, 1916) un antecedente, no forzado sino natural. Puede mencionarse el Canto a la Argentina como un borrador del Canto general. Pero hay otros anuncios. Casi todos los estudios sobre Darío comienzan afirmando que el modernismo está muerto, y de esa afirmación deducen urgentemente que la poesía de Darío está igualmente muerta. Por eso me parece oportuno señalar que en la producción de Darío hay muchos poemas (y no siempre escritos en los últimos años) que se evaden hasta de las más amplias definiciones del modernismo. Singularmente, son esas fugas las que me parecen de una más palmaria actualidad. Rodó lo llamó «artista poéticamente calculador»; Unamuno, «peregrino de una felicidad imposible»; Antonio Machado, «corazón asombrado de la música astral»; Octavio Paz, «ser raro, ídolo precolombino, hipogrifo». Antes, mucho antes, allá por 1893, José Martí, el menos retórico de todos, lo llamó: «Hijo». MARIO BENEDETTI

ADRIENNE RICH (Baltimore, 1929-California, 2012) fue una de las poetas estadounidenses más influyentes del último siglo. Con una voz atrapante e inconfundible, logró introducir las discusiones sobre género, raza y clase en el discurso poético, y fue capaz de cuestionar los límites formales de la poesía al mismo tiempo que a la sociedad y a sí misma. En su obra, se halla siempre la intención manifiesta de buscar la verdad; sus planteamientos acerca de la condición humana, el amor y la historia parten de la convicción de que solo a partir de la toma de conciencia es posible el cambio. Con el objetivo de atravesar y reflejar la evolución de su poesía desde sus comienzos, próximos a la tradición, hasta que desarrolla un estilo más radical, tanto en la forma como en el contenido feminista y político, esta antología bilingüe presenta una selección de diez libros publicados entre 1951 y 1985, y también incluye un prólogo de la autora.

Puedo imaginar un mundo corregido, lleno de tachones, notas al margen de toda duda. Un mundo-galerada que se quedase así, en prueba y revisión, sin posibilidad de llegar limpio a nosotros como un texto sin rratas

A finales de 1912 Juan Ramón Jiménez regresa a Madrid después de seis años de retiro en Moguer, acarreando en su equipaje un buen número de libros inéditos, de los que sólo dará a conocer una breve muestra en sus selectas Poesías escojidas (1917) y en la posterior y muy difundida Segunda antolojía poética (1922). Soledad González Ródenas reúne en la presente edición los textos pertenecientes a Poemas impersonales, uno de los títulos más singulares que, tras su muerte, quedaron sin publicar en su totalidad. Compuesto en su mayor parte en 1911 y revisado varias veces a lo largo de la trayectoria del poeta, se conservan aún en sus archivos más de una treintena de composiciones hasta ahora desconocidas. El poemario inicia la estética sobria y concisa que más tarde denominará "poesía desnuda", y se distingue netamente del resto de los suyos. JRJ recoge en él un corpus que aúna la expresión personal con acentos no estrictamente propios: "lo menos mío que es posible". Constata así un peculiar desdoblamiento de identidad, capaz de desarrollar tonos de inspiración diversa y variaciones de personalidad con las que el poeta configura difusos heterónimos de sí mismo.

Óscar Díaz (Langreo, Asturias, 1997) es graduado en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid. Ha publicado dos poemarios: "Rosa hermética" (2015), que mereció el XI Premio Nacional de Poesía Joven , y "El sentir. Poemillas del ahora" (La Isla de Siltolá, 2016). Ha colaborado con publicaciones en revistas como "Anáfora", "Oculta Lit", "Maremágnum" o "Años diez". Sus versos se incluyen en las antologías "Nacer en otro tiempo" (2016), "Los últimos del XX. Antología de poesía 1980-1197" (2020) y, traducidos al portugués, en "Por falar contigo (oito poetas asturianos)" (2019). Este joven poeta, Óscar Díaz, supone óiganlo bien, un acontecimiento para la poesía escrita en estas primeras décadas del siglo. Juan Carlos Mestre Óscar Díaz posee un tono y un lenguaje de filiación mayormente barrocos que resultan excepcionales entre los poetas de su generación, por lo común poco atentos a los aspectos formales y retóricos de su arte. Jordi Doce

Hay en Desde dónde, hacia cuándo un cuestionamiento de los lugares y de los tiempos del ser y de la escritura a través de unos poemas que parten de lo coloquial, lo humorístico y lo desafiantemente imprecatorio y van mutando hacia la herida y la imagen visionaria de los últimos textos. Esta precariedad del dónde y del cuándo atraviesa unos versos en los que no solo se impugna lo observado sino, fundamentalmente, al observador en un intento de zaherir —con la risa congelada o con la chispa de la emoción— la ficción de su seguridad.

La de Olvido García Valdés es una obra de singular cohesión interna y de gran libertad tonal y formal. Como si cada libro —Del ojo al hueso (2001), Y todos estábamos vivos (2006), Lo solo del animal (2012)— fuese explorando las vías de libertad abiertas por el anterior. Elaborado entre 2012 y 2019, confía en la gracia se une ahora a esa lenta sucesión. Si la poesía, los poemas, han sido el trabajo en que se ha condensado la vida, como ha dicho la autora, en este volumen esa labor alcanza una rara intensidad. Voces hablan y el poema escucha. La percepción de que somos accidente, no sustancia, cierta zozobra y un oído muy fino se conjuran al fondo de la escritura. Singularidad (conocimiento, emoción) e impersonalidad parecen ir tejiéndola. O lo que es lo mismo, un sentimiento auténtico en la experiencia y la vibración de lo colectivo se aúnan en este libro extraordinario.

Inspirado en el libro del Génesis, cuenta el mito originario de Urizen, encarnación de la sabiduría convencional y de la ley, creador de un mundo de alienación y opresión en el que, tras sucesivas caídas, acabará naciendo la forma humana y con ella la promesa de la emancipación y la revolución. El libro tendrá ocho ediciones distintas entre 1794 y 1818, todas ellas iluminadas a mano por el propio Blake, con ese lenguaje visual plano que anticipa la libertad expresiva del arte contemporáneo.