Escaramujos incendiando las zarzas en el crepúsculo. JESÚS MUNÁRRIZ (1940) lleva desde los años sesenta del pasado siglo dedicado a la escritura, la traducción y la edición. Ha publicado más de un millar de títulos de poesía ajenos y una veintena de libros propios, más tres de poemas para niños, así como medio centenar de traducciones de grandes poetas (Hölderlin, Goethe, Heine, Rilke, Celan, Brecht, Shakespeare, Donne, Keats, Wilde, Stevenson, Baudelaire, Schwob, Valéry, Aragon, Éluard, Bonnefoy, Pessoa, Helder, Andrade, Júdice entre otros). La difusión y edición de poesía japonesa le ha acercado a la escritura de jaikus, de los que antes de estos Escaramujos ha publicado Jaikus aquí (Valencina, Sevilla, Los papeles de «El Sitio», 2005) y Capitalinos (La Isla de Siltolá, 2018).

Teixeira de Pascoaes (Amarante, 1877-1952) fue el poeta portugués moderno más importante hasta la aparición de Fernando Pessoa, quien dijo de él que era «uno de los mayores poetas vivos y el mayor poeta lírico de la Europa actual». Autor de una amplia obra lírica, narrativa y ensayística, amigo fiel de Miguel de Unamuno, fue una de las figuras clave de las relaciones entre las literaturas ibéricas a principios del siglo XX. Visitó Barcelona y Madrid, sintió una hermandad muy especial con Galicia, y en todos lugares proclamó el saudosismo, que convivió en su país con el simbolismo y las primeras propuestas pessoanas. Su obra poética se extiende a través de casi dos decenas de títulos, desde 1898 hasta 1953, gracias a los cuales Pascoaes llegó a ser candidato al Premio Nobel en los años cuarenta. Olvidado en las últimas décadas del siglo XX por una parte de la crítica, que creyó ver en su obra una propuesta crepuscular y pasadista, se hace necesario volver a leer a Pascoaes un siglo después para descubrir, con otros ojos, la novedad de muchas de las imágenes que nos dejó su poesía. Antonio Sáez Delgado es profesor en la Universidad de Évora (Portugal) y especialista en las relaciones literarias entre Portugal y España a principios del siglo XX. Ha traducido, entre otros, libros de Fernando Pessoa, José Saramago o António Lobo Antunes, además de La medida del universo, colección de aforismos de Pascoaes publicada recientemente en esta misma editorial.

las Coplas de Juan Panadero (1949), de elevado compromiso político, y en las que el autor crea a ese alter ego, Juan Panadero, que consideraba representativo del pueblo español. Publicada en 1949, la obra conoció una edición ampliada (de 1977) con las coplas escritas en Roma, que reproducimos ahora como particular homenaje a nuestro poeta exiliado.

JOAN BROSSA (Barcelona, 1919-1998) trabajó intensamente en lo que acabaría siendo su poesía visual entre 1959 y 1970, creando dos conjuntos de libros de poemas visuales, Suites de poesia visual (1959-1969) y Poemes habitables (1970). Son, sin lugar a dudas, el terreno en el cual Brossa proyecta, de todas las maneras posibles, la poesía y la lengua, el significado y la escritura, hacia la contemplación, la meditación, el sinsentido, la plasticidad, la sorpresa y la reivindicación. Esta antología presenta facsímiles de cincuenta y ocho poemas visuales raras veces expuestos y en su mayoría inéditos, manteniendo su materialidad original.

LA POESÍA DE JOSÉ MÁRMOL (Santo Domingo, 1960), sobre todo la concebida a partir de sus libros Torrente sanguíneo (2007, Premio Nacional de Poesía Salomé Ureña) y Lenguaje del mar (2012, Premio Casa de América de Poesía Americana), ha creado un espacio que aspira a cantar las cosas más elementales y sencillas, forjando un universo cotidiano de seres que se entregan, y también renuncian, al amor, al goce, la exuberancia, la pobreza, la pena y la alegría. Opulencia y celebración estéticas: el mundo vivido como un reino simbólico. Este sentimiento puede ser síntoma de un exilio, pero, paradójicamente, en lo paradisíaco y maravilloso. Juego amoroso hasta el delirio, atravesando el desgarramiento, la errancia y la muerte. Dotado de un vigoroso lirismo espiritual, este libro se identifica con la poética del pensar, que es al mismo tiempo, poética del existir, porque se explora y da cuenta de lo que encuentra o pierde, lo que construye y deconstruye, y lo hace con una osadía formal pareja a la audacia de las emociones más hondas, a través de un lenguaje terso, sensual. Yo, la isla divida es un despojo instintual de todos los sentidos. Lo que Mármol procura en estos poemas es regresar a una relación simbólica con el imaginario caribeño, teniendo de trasfondo el decorado alegórico de los densos flujos del mar, bajo la luz del trópico. PLINIO CHAHÍN

El silencio y otros poemas reúne, en edición bilingüe, veintiocho de los mejores poemas de Edgar Allan Poe. Seleccionados y traducidos por Antonio Rivero Taravillo e ilustrados por Kike de la Rubia y Nerea Pérez, son una excelente puerta de entrada a su obra. Como señala Luis Antonio de Villena: «Poe sigue siendo para la mayoría el padre del terror contemporáneo, con sus cuentos extraordinarios y fantásticos, de modo que el gran prosista ?autor de ensayos y de una novela, Aventuras de Arthur Gordon Pym? habitualmente se ha superpuesto al poeta. Sin embargo, Poe publicó cuatro libros de poemas en vida y nunca dejó de considerarse, esencialmente, poeta. Tamerlán y otros poemas, de 1827, era su primer libro. Pero su libro de veras significativo fue El Cuervo y otros poemas, editado en 1845. Es este Poe, el del último libro de versos y algún poema suelto publicado en revistas al fin de su terrible y sombría vida, el que se constituyó en ese faro del Simbolismo, representado en el cuervo que dice ?Never more? ?Nunca más? posado en el busto de Palas Atenea. El Poe del célebre soneto de Mallarmé ?Le Tombeau d?Edgar Poe?: ?Como en sí mismo, al fin, la eternidad le vuelve». comprar en papel, 18 ?

Lo que todas callan es un poemario visceral y sensitivo sobre algo de lo que nunca se ha hablado en poesía: el posparto y el origen de los sentimientos maternales. Lo que todas callan es el resultado de mi encuentro con el amor, el dolor, el silencio y la supervivencia convertido en versos dispuestos a poner luz a muchos tabúes que, como mujer y como madre, me bebí sin sed. La RAE dice que el posparto es el periodo que transcurre desde el parto hasta que la mujer vuelve al estado ordinario anterior a la gestación. Pero para mí esta definición es inexacta y vengo con un puñado de poemas para enriquecerla. Reseñas: «Este libro es una reconciliación, pero también es volver a abrir unas heridas que no sanarán del todo nunca. Afortunadamente. Unas cicatrices hechas poema que me dicen que yo también estuve ahí, en ese lugar del que nadie me había hablado.» Zahara «Irene G Punto ha cogido un margen y lo ha hecho suyo. Hablo del margen de la maternidad en general, y del margen del posparto en particular. Pocas veces se había escrito así sobre un momento de la vida del cuerpo de quien fue madre en el que todo pueden ser sombras iluminadas por unas leves y diminutas luces.» Luna Miguel «Hay dos formas de ser original y merecer ser oído: decir lo que nadie sabe o lo que muchos ocultan. Este libro tiene el valor de hacer lo segundo, porque abre una ventana de la maternidad que estaba condenada y por la que ahora entra el sol y la luz, pero también el frío. Sus poemas los ha escrito Irene G Punto, pero los firmarían Anne Sexton o Sylvia Plath.» Benjamín Prado

La Vida Nueva tal como Zurita lo concibió: un verdadero acontecimiento en la poesía contemporánea. Esta es la historia azarosa de un proyecto en el que Raúl Zurita ha empeñado la mitad de su vida. En 1983, tras haber cambiado para siempre la poesía chilena con Purgatorio y Anteparaíso, Zurita comenzó a escribir La Vida Nueva, libro con el que cerraría una trilogía poética de proyecciones inauditas. A pesar de trabajar en él durante más de una década, tan solo pudo ver publicada una versión reducida en 1994, tras lo cual los manuscritos se extraviaron. Cuando, por fortuna, Zurita logró recuperarlos gracias a un coleccionista, el proyecto inicial se reveló ante él en toda su magnitud. Hoy, más de veinticinco años después, se presenta por fin la edición final de La Vida Nueva. Un libro -un universo- donde los vecinos anónimos, los ríos que hablan y padecen y aman, las fotografías de un país desolado, los detenidos desaparecidos, las ciudades, los sueños, el amor, y la «hermana luna», la «hermana noche» y la «hermana muerte» se entrelazan en un canto delirante que le devuelve a la poesía el aliento épico y la grandeza, y que confirma a Zurita como una de las más grandes voces de la poesía contemporánea. Críticas: «Me pregunto si los grandes poetas son poetas justamente porque no pueden salir de sí mismos, porque se pasan la vida dando vueltas en el interior de un yo desmesurado [...]. Raúl Zurita tiene una obra intensa y obsesivamente centrada en sí mismo. [...] Una autenticidad de dolor que te traspasa y que se convierte en el dolor de todos. [...] Zurita no tiene más arma que su literatura, pero aun siendo prisionero de una penosa realidad se levanta altivo y nombra al firmamento, al desierto, a las montañas, a los ríos y los mares. Frente al infierno de lo humano, la estremecedora hermosura de la naturaleza.» Rosa Montero «Una obra poderosa, intensa y renovadora que reafirma todos los días su renombre en la literatura que se escribe en la lengua española. La poesía de Zurita tiene un arrastre que rompe las fronteras de su país y convierte la vida, la historia personal, los episodios, las inquietudes, las tormentas y la probable felicidad del ciudadano que las escribe en una experiencia de carácter universal.» Raúl Rivero, El Mundo «La estética de Zurita está marcada por un afán de totalidad que se tensiona con el rigor de su escritura y por la presencia de una memoria individual que se hace universal con su poesía.» Acta del Jurado del Premio Iberoamericano de Letras José Donoso «La poesía que emerge es a ratos fría, abrasadora, ácidamente cruel y finalmente liberadora.» John Ashbery, sobre Tu vida rompiéndose

El valor de las doce odas que componen este Bestiario no radica en lo fabuloso de los animales que comprenden, sino en el recorrido transversal de la obra en que se despliega el carácter más profundo del poeta. Su amor es hacia América toda, esa «patria temblorosa» donde laten las criaturas que, por un lado, dan testimonio de su vital fascinación y, por otro, componen un retrato biográfico de Neruda desde su vertiente más íntima. El delicado trabajo de Luis Scafati revela una atenta lectura sobre la obra del poeta chileno. En esos cuerpos de impronta naturalista, las transparencias radiográficas sugieren la coexistencia de una huella cultural ?humana? en la que pervive la hondura de los sentidos. En especial, de la mirada y de la voz.

La luna brilla. Tres viejos se cogen de la mano. Tres hombres de edad madura les suben a los hombros. Llegan cuatro adolescentes y van formando torres, de dos en dos. Sube un chiquillo a lo más alto. 'La luna'