Goethe desempeña en la literatura alemana el mismo papel que Shakespeare en la inglesa o Cervantes en la española: es un precursor, un centro y una fuente ininterrumpida de inspiración para las nuevas generaciones. Pero, como también sucede con Shakespeare y Cervantes, Goethe es algo más que un escritor para alemanes, la excelencia de su estilo viaja bien al castellano, y sus obras le ofrecen al lector de cualquier país del mundo una indagación original y profunda sobre la naturaleza humana y su desarrollo vital. Presentamos una panorámica de lo mejor de una trayectoria que abarca décadas: del apasionamiento romántico de sus primeros poemas al intento de escribir una poesía «universal» que fusionase Oriente con Occidente, pasando por su periodo italiano, colmado de una sabiduría de sabor clásico.

Un mundo presidido por la ausencia de Dios. No hay distancia contemplativa. Hay vacío, conmoción. Esto es Oratorio. Un lugar de enunciación desde el cual percibir una orfandad mayúscula. Un extrañamiento radical. Una pieza musical desnuda que se aferra –como dice el epígrafe inicial de Malebranche– a la atención como «plegaria natural del alma». Las preguntas de Oratorio, formuladas desde la primera persona del plural, ajenas a la rabia o a la tentadora primicia de la liberación, bien podrían leerse como un canto a la perplejidad, a «la intuición que piensa», a esa conciencia que sabe, sin saberlo, que en el carozo de «la oscuridad que somos» algo debe celebrarse pues «lo que sigue es una fiesta/de perspectivas más que humanas».

Edición de lujo de Coplas por la muerte de su padre con un maravilloso trabajo gráfico de Antonio Santos y con diseño del estudio de Pep Carrió. «Las Coplas hablan al corazón y lo hacen sobre la muerte, desde luego, que es precisamente el momento más pleno y decisivo, el compendio y clímax de toda vida: la mía, la tuya, la suya, la de todos y cada uno de nosotros, de vosotros y de ellos y ellas. Y las Coplas contienen un recorrido moral pero también histórico, plástico y hasta costumbrista por el humano devenir. »Cuando un pintor e ilustrador del nivel, originalidad y creatividad de Antonio Santos acomete el reto de ilustrar las Coplas po la muerte de su padre, comprendo que el manantial de Manrique sigue siendo feraz e inagotable. Por eso, como un soplo de aire fresco, se acoge este nuevo enfoque y tratamiento que Antonio Santos ha sabido dar al tema: color, hierática frescura en el deliberado límite de lo naif, hondura sin afectación, emoción no sobreactuada. Del prólogo de José Manuel Ortega

Chūya Nakahara es uno de los grandes poetas japoneses del siglo xx. A pesar de no gozar de reconocimiento durante su corta vida, Chūya Nakahara renovó por completo la poesía japonesa, liberándola de los cánones estéticos de la tradición y abriendo las puertas a la modernidad. Sus poemas están impregnados de melancolía y captan de un modo genuino el sentir de un autor que ha sido elevado a categoría de icono cultural en Japón.Casi un siglo después de su muerte sus versos continúan conmoviendo el corazón y despertando devoción entre sus lectores.Influido por la obra de Rimbaud, a quien tradujo con pasión, Chūya Nakahara es el principal artífice de la renovación de la poesía japonesa en las primeras décadas del siglo pasado aportando a la lírica japonesa los aires innovadores del Modernismo, el dadaísmo y de la poesía experimental.

He bajado del coche y el olor de azahar, que tenía olvidado, me invade suave, denso. He regresado a Elca y corro, no sé en qué año estoy y han salido mis padres de la casa con los brazos abiertos, me besan, les sonrío, me miran –y están muertos–, y de nuevo les beso. «Reencuentro», FRANCISCO BRINES FRANCISCO BRINES (Oliva, 1932) es uno de los mayores poetas españoles de la segunda mitad del siglo XX. Su primera obra, Las brasas, mereció el Premio Adonais de Poesía en el año 1959. Posteriormente destacan obras como Palabras a la oscuridad (1966), Insistencias en Luzbel (1977), El otoño de las rosas (1986) o La última costa (1995). Ha sido reconocido con el Premio Nacional de las Letras Españolas (1999), el Premio Internacional de Poesía Federico García Lorca (2007) y el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana (2010). En el año 2001 fue nombrado miembro de la Real Academia de la Lengua Española, ocupando el sillón X. En noviembre de 2020 fue reconocido con el Premio Cervantes. Desde Elca, la primera antología publicada después de recibir el máximo galardón de las letras españolas, contiene una selección de toda su obra poética y siete poe-mas inéditos; un recorrido que empieza y termina en Elca, el lugar donde se han cruzado todas las edades del poeta.

Este volumen recoge por primera vez en español toda la obra poética de Saint-John Perse (1887-1975), premio Nobel de Literatura en 1960 y uno de los hitos de la lírica del siglo xx. Desde su temprano Elogios hasta Pájaros, escrito en diálogo con el pintor Georges Braque, pasando por Anábasis y los poemas del exilio –Lluvias, Nieves, Poema a la extranjera, Vientos, Mares–, la obra de Perse es una vasta crónica de nuestro tiempo, asolado por los vientos del cambio y la discordia. La mirada espaciosa de Perse se busca simultáneamente en el reflejo poliédrico de las cosas, las huellas del tiempo y las profecías de la imaginación. Poeta esencialmente lírico, su dicción trasmuta en poesía todo lo abarcable por la aventura humana del saber, desde el origen del fuego a los grandes y terribles hallazgos de la técnica moderna. Y su alianza de lo sencillo y lo noble otorga una insólita coherencia a su discurso: ni verso ni prosa, poesía respirable, en la que alienta una visión totalizadora de la existencia, un conocimiento erudito del mundo guiado por la intuición poética.

A Kevin Prufer le duele EE.UU. Su lamento se debe al estado de denuncia y expectativas de reparación de los males que percibe de una nación en la que se mira todo Occidente. Para ello recurre a un escenario postapocalíptico y a las circunstancias que han conducido a dicha realidad, un escenario que encaja con el entramado del mundo de hoy, apremiado por profundas transformaciones en un breve espacio de tiempo. Prufer integra esa pléyade de nuevos poetas norteamericanos que apuestan por el compromiso con el riesgo literario, ya sea debido a su gusto por caminar en el alambre exponiéndose en los motivos, como por su apego a las formas más complejas de la creación poética. Este "Himno nacional" consigue resonar para todos y suscitar preguntas acerca de nuestro destino personal y comunitario.

Carmen Conde (Cartagena, 1907-Majadahonda, 1996) fue la primera mujer en recibir el Premio Nacional de Poesía (1967) y en ingresar como académica en la Real Academia Española (1979). Desde que diese a las prensas su primer libro en 1929 hasta el momento de su fallecimiento, escribió más de cien títulos de diversos géneros, además de sus colaboraciones en la prensa, la radio y sus guiones televisivos. Sin embargo, fue en la poesía donde concibió algunos de los títulos más importantes de nuestra historiografía literaria, como Mujer sin Edén (1947), que marcó el signo poético de gran parte de las poetas posteriores. La presente antología, que recoge una muestra de su voz poética desde el primero de sus poemarios hasta el último publicado, e incluye nueve poemas inéditos, da cuenta de la pasión, la tenacidad y la vivencia de una autora que, ante todo, quiso mostrarnos cómo «llevar muy en pie la llama». F.G.

Wilfred Owen participó en la Gran Guerra y murió en ella pocos días antes del armisticio. Este volumen que hoy presentamos recoge sus poemas más conocidos y que probablemente sean su contribución más importante a la poesía del siglo XX: sus poemas de la guerra. Escritos en un breve lapso de tiempo, entre el verano de 1917 y el otoño de 1918, los versos reflejan el impacto extraordinario de la guerra y el consecuente cambio que ésta ocasionó en la visión del mundo. La intensidad de las descripciones de Owen, no sólo de las heridas del cuerpo, sino fundamentalmente de las del alma, es realmente conmovedora, y transforma los poemas escritos en el campo de batalla en un bello alegato pacifista. Benjamin Britten insertó varios de estos poemas entre los textos litúrgicos que conforman una de sus mayores obras: el War Requiem. Una Misa de Difuntos que reconsagró en 1962 la derruida catedral de Coventry.

DAVID REFOYO (Zamora, 1983) es creativo publicitario. Ha publicado los libros de poesía Odio (2011), amor.txt (2014) y Donde la ebriedad (2017), y las novelas 25 centímetros (2010) y El día después (2014). «El fondo del cubo es un poemario lúcido e inteligente que combina la madurez vital de la mirada de su autor con la juventud de su escritura. Su título procede de la alegoría que lo cruza de principio a fin: el agua sucia que queda en el cubo después de que el padre haya limpiado los cristales representa el mundo de valores que encarna el universo cerrado de provincias, el rostro urbano de la España vacía, en el que se desarrolla la infancia del sujeto lírico. Un libro hermoso y profundamente emocional que nos regala una de las voces más poderosas de la nueva poesía española». ASUNCIÓN ESCRIBANO «Si los poetas nacidos en la España de los ochenta tuviéramos que votar por un representante generacional, a mí me gustaría que fuera David Refoyo». BEN CLARK

JESÚS AGUILAR MARINA (Madrid, 1945), poeta, crítico, articulista y narrador, sabe que la poesía es el espacio del yo, y que el yo florece en la soledad y en el silencio. Su obra puede resumirse como un enlace de intelecto y emotividad que describe nuestra insignificancia en el azaroso enigma de la creación, en el «vacío» inmenso que rodea al hombre. Envueltos en una atmósfera culturalista, tamizada por la serena emoción y el aticismo, estos Versos perdidos en un desván recrean acontecimientos y estados de ánimo ordenados en el tiempo y narrados por cronistas anónimos y protagonistas literarios, legendarios, míticos, reales o apócrifos. Testimonios que ayudan a subrayar aspectos, sentimientos y misterios de la condición humana, sus vastos miedos y sus pequeñas vanidades y ambiciones, sin olvidar su asombro ante el esplendor de la naturaleza o el sentimiento de la fugacidad de la vida, de las ruinas que finalmente somos los seres y las cosas.

MARIO BENEDETTI (Paso de los Toros, 1920- Montevideo, 2009) escribe sin comas, no las necesita. Todos los sueños y los sacrificios laborales y las horas rutinarias de la vida en una oficina se convierten en poesía. Y el sueldo, y el aguinaldo, y la cuenta corriente, y los hijos del jefe, y la vida del jefe y las vacaciones son objeto de poemas sencillos, aéreos, llenos de pequeñas verdades luminosas. Porque Benedetti tiene un talento especial para la ternura y la levedad. Si uno se pregunta por la razón del éxito de la poesía de Benedetti debe encontrar la respuesta en la humildad, la modestia, la afabilidad que exhiben estos poemas. Son poemas frente a la historia. Son poemas que aspiran a retratar un mundo injusto, pero la crítica de la injusticia se hace siempre desde la ironía cordial, que recuerda a la poesía de Ángel González. Benedetti es un poeta popular porque celebra la esperanza y el sentimiento, y eso hace de él un poeta amado por sus lectores. La poesía de Benedetti es una poesía esperanzada, y este mundo sigue necesitando mucha esperanza. MANUEL VILAS

Al ordenar los libros me consuela pensar que no he leído los mejores, imaginar que al fin de otras labores sentiré lo que el niño que en la escuela infunde aliento en sílabas de tinta si despierta las letras con el dedo; al quitarles el polvo me concedo otra vida, mejor por ser distinta. Entre imaginaciones van los días pasando y queda en las estanterías la ilusión de una vida recobrada. Los años y los libros que he vivido ordeno y desordeno descreído, cansadas ya la vista y la mirada. «Al ordenar los libros», Rafael Juárez Rafael Juárez (Estepa, 1956-Madrid, 2019) fue librero, editor de libros y revistas y secretario del Patronato de la Fundación Francisco Ayala. Publicó los libros de poemas Otra casa (1986), Las cosas naturales (1990), Aulaga (1996, 2006), Lo que vale una vida (2001) y Medio siglo (2011), así como las antologías Para siempre (2002) y Una conversación en la penumbra (2015). En los últimos años de su vida Rafael Juárez escribió y ordenó los poemas que forman este libro, Todas las despedidas, que se publica tal como su autor lo dejó preparado.

«Elogio de la piedra caliza», escrito en Italia en la primavera de 1948 y publicado originalmente en la revista Horizon, es uno de los poemas más celebrados de W. H. Auden, aunque no uno de los más accesibles. La composición, que inauguró un nuevo período en la obra del autor, ejerció una inmediata fascinación en los lectores que ha persistido al cabo de los años, gracias sobre todo a la capacidad persuasiva de su voz poética, al poder de las imágenes que emplea y a la profundidad de sus ideas. Para Auden la pieza, compleja en muchos aspectos, supuso ante todo un reto técnico, el de experimentar con la métrica silábica, insólita en la tradición poética anglosajona, siguiendo los pasos de Marianne Moore. Esta nueva traducción de Andreu Jaume, acompañada de un esclarecedor epílogo, nos traslada con fidelidad, sabiduría y destreza a la obra del más virtuoso de los poetas ingleses del siglo xx.

Aproximación a la poesía actual escrita en Latinoamérica y España, que parte de muy diversos horizontes nacionales, culturales e históricos para adentrarse en las nuevas políticas de lo común, entendidas como una práctica simbólica y material que atraviesa el discurso poético.

¿Existió, verdaderamente, Louise Labé o fue una «criatura de papel», invención de Maurice Scève? Sea como fuere, la extraordinaria maravilla encerrada en sus sonetos y elegías, de tan honda intensidad emocional, ha cautivado a generaciones enteras de lectores, y la ha afianzado como una de las voces más singulares y atractivas de la Europa del siglo xvi. Existente, y real, para la poeta Aurora Luque, que ha realizado una extraordinaria traducción al español (recuérdense sus celebradas versiones de los poemas de Safo de Lesbos publicadas en esta misma editorial), Louise Labé, «hija—díscola a veces—de Petrarca, nieta de Ovidio y bisnieta de Safo, añorante de su herencia», consigue el mágico logro de una «escritura hecha a la vez de simplicidad y de refinamiento».

William Carlos Williams (Rutherford, New Jersey, 1883-1963), a pesar de ser ginecólogo y pediatra con numerosa clientela, fue un poeta de vocación infatigable, sin dejar nunca de participar en tertulias literarias en el ambiente artístico del Greenwich Village durante la Primera Guerra Mundial. Mantuvo también estrecha relación con los artistas expatriados de la llamada Generación Perdida y con escritores franceses como Valéry Larbaud y Philippe Soupault. Escribió también novela, teatro y ensayo, y tras retirarse como medico se dedicó por entero a la literatura, dando conferencias y recitales en escuelas y universidades. Williams pertenece a una generación de ilustres poetas que intentan encontrar vías alternativas a la tradición poética inglesa, todavía vigente a principios del siglo XX, y que convirtieron la poesía norteamericana de ese siglo en una época dorada. Paterson es un poema-libro dividido en cinco partes, con una estructura orgánica. Es la obra fundamental de Williams y en la que estuvo trabajando durante casi veinte años. Esta edición incluye también los fragmentos de lo que habría de ser el libro VI. El poema es una obra con pretensión de escritura total: dar razón de una tierra, de la historia de un pueblo y de las vicisitudes de algunos personajes concretos, de manera que a través de la historia de una ciudad se intentan rastrear las huellas de toda la historia americana. El lenguaje está integrado en el experimento narrativo, y Williams lo fuerza, lo distorsiona y lo pone al servicio de los acontecimientos.