Poesía contenida pero no fría, emocionada pero no sentimental, centrada en un universo cotidiano, pero no vulgar. Así, la mirada de Subirana rescata al mundo de la intascendencia sin elevarlo a ninguna otra categoría. Esta antología bilingüe de sus siete libros de poesía nos acerca a una de las voces más personales de la poesía catalana actual.

William Henry Davies (1871-1940) fue un poeta y novelista inglés. De origen humilde, empezó a trabajar desde muy joven. Abandonó Inglaterra en 1893 y, durante algunos años, vivió vagabundeando entre Estados Unidos y Canadá, pero se vio obligado a poner fin a esta vida de aventurero tras un accidente que le costó la amputación de un pie. Regresó a su país y se estableció en Londres, donde, por un tiempo, se ganó la vida como vendedor ambulante.Durante ese período inició su actividad como poeta. Gracias a la ayuda y al apoyo de George Bernard Shaw y de Edward Thomas, en 1905 consiguió publicar su primera colección de poemas, Soul's Destroyer and Other Poems, que obtuvo un éxito notable.William Henry Davies forma parte del movimiento de los "Georgian Poets", quienes, contraponiéndose a la artificiosidad estetizante de la literatura inglesa de finales del siglo XIX, proclamaban la necesidad de un retorno a la naturaleza y a la sencillez de la vida campestre. La lírica de Davies es simple y sugestiva. Describe la naturaleza y logra plasmar, sin afectación, de una manera sincera y espontánea, las emociones que despiertan un paisaje, el encuentro con un niño o con un pájaro, la aparición del arco iris. Sus temas son escasos, pero la autenticidad de su inspiración y la sencilla musicalidad del lenguaje es, precisamente, lo que confiere a su poesía una fuerza y una vitalidad especiales.Davies no es únicamente un poeta de la naturaleza; en su lírica sobre Londres logra retratar, con la misma eficacia, la vida urbana, y pinta con unos pocos trazos, pequeños cuadros repletos de cosas, de personajes, de sentimientos. Su fama está ligada fundamentalmente a sus poesías, en especial a las breves, mientras que entre sus obras en prosa adquirió una notable popularidad la novela La autobiografía de un supervagabundo publicada en 1907, con una introducción de Bernard Shaw, y que por su atmósfera picaresca y su estilo descarnado recuerda, en algunos fragmentos, a Daniel Defoe.(Ruiz, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de William Henry Davies).

Un agradable sabor a menta vuelve la mirada hacia la historia familiar —la familia que viene impuesta, pero también la que se elige—, la tradición, el riesgo, la revisión de las propias derrotas, la ironía. En estos poemas Diego Román Martínez habla un idioma cálido y mordaz al mismo tiempo, y engrandece los detalles pequeños sobre los que su atención se detiene, envolviéndolos en una música oscura. Aquí y ahora la vida es pequeña y frágil, la rutina nos encierra, «lo bello se amanceba con lo extraño».

Con el propósito de alzarse contra las agobiantes restricciones en la Norteamérica de la Guerra Fría, la cacería de brujas del anticomunismo macartista y la represión generalizada a la “diferencia”, surgió uno de los grandes movimientos literarios y culturales que tuvo lugar en los Estados Unidos a mediados del siglo XX, la llamada Generación Beat. Allen Ginsberg, Jack Kerouac, William Burroughs, Gregory Corso, Patti Smith, Diane di Prima y Hettie Jones fueron las figuras centrales de esta ruptura con lo convencional, que trascendió lo literario y fue también social. Margaret Randall recopila en este volumen los poemas más importantes de esta generación, que demandó la libertad de crear un nuevo tipo de expresión a partir del lenguaje de la calle, de los desfavorecidos y de los marginados sociales. Esta expresión, en toda su riqueza y variedad, produjo, como señala Margaret Randall en su prólogo, una literatura “sin precedentes y sin equivalente hasta nuestros días”.

Una selección hecha por el propio Raúl Zurita de los mejores poemas de sus cuarenta años de trayectoria. Si en los años 70 alguien pensaba que se había acabado el tiempo para la grandeza en la poesía, apareció Raúl Zurita y demostró desde su primer libro, Purgatorio, que no, que era tan cierto que todo estaba escrito como que todo estaba por escribirse. Y se embarcó en un largo y ambicioso proyecto que tomaría las más altas tradiciones literarias y bíblicas para entrecruzarlas con los infiernos y amores de la devastada biografía del propio autor, así como con la convulsionada y luego lánguida historia del Chile del último medio siglo. La escritura de Zurita aspira a moverse con la misma fuerza que la naturaleza. Y, como dijera John Ashbery cuando lo leyó por primera vez, «la poesía que emerge es a ratos fría, abrasadora, ácidamente cruel y finalmente liberadora». Esta antología personal no solo recoge lo mejor de esa producción única, sino que lo presenta con una arquitectura nueva, haciendo de este libro el gran legado de uno de los poetas vivos más deslumbrantes de la lengua castellana. La crítica ha dicho... «Toda entera, la poesía de Zurita es un combate en el interior de un ser que se habita a sí mismo con todas las incomodidades del mundo.» Rafael Gumucio, El País «Aun siendo prisionero de una penosa realidad, [Zurita] se levanta altivo y nombra al firmamento, al desierto, a las montañas, a los ríos y los mares. Frente al infierno de lo humano, la estremecedora hermosura de la naturaleza.» Rosa Montero «Una obra poderosa, intensa y renovadora. [...] La poesía de Zurita tiene un arrastre que rompe las fronteras de su país y convierte la vida, la historia personal, los episodios, las inquietudes, las tormentas y la probable felicidad del ciudadano que las escribe en una experiencia de carácter universal.» Raúl Rivero, El Mundo «Haciendo de la escritura una forma de vida, sí, pero también de resistencia [...], se embarcó, así, en un largo y ambicioso proyecto que mezcla literatura y vida, la suya propia y la del Chile del último medio siglo. Siempre con una única aspiración: que su escritura se moviera con la misma fuerza que la naturaleza.» Inés Martín Rodrigo, ABC «Un faro de la poesía iberoamericana desde los años setenta, [...] un referente de las vocaciones poéticas con su lenguaje libre, arrebatado y ajustado. [...] La figura de Raúl Zurita es un mar abierto capaz de enfrentarse y golpear a las rocas, y su obra une a toda la comunidad iberoamericana.» Luis García Montero (miembro del jurado del Premio Reina Sofía de poesía Iberoamericana) «Zurita ve en la poesía una manera de buscar sentido y música en una realidad traumática.» Luis Alemany, El Mundo «[Zurita] sobrevivió a sí mismo para construir una obra singular y rompedora, capaz de abrazar el dolor y la impotencia pero también la compasión y la belleza. [...] Su carrera literaria se confirma como una de las más poderosas y peculiares del último siglo.» Alberto Gómez, Sur

Desde el humor y la osadía imaginativa y verbal aborda la gran paradoja existencial humana. Su razón le hace al hombre ser dueño e intérprete del mundo, pero ese supuesto dominio y arrogancia de poco le valen para comprenderse a sí mismo y para dirigir su vida libremente. Las cosas (la cuchara, la lavadora, los libros...) fruto de su inventiva y siempre a su servicio, serán los mudos testigos de su necesidad de decirse.

Este poemario es para ti si te vistes de canciones para protegerte del frío y la lluvia. Si te inventas cada día un nombre nuevo porque no sabes con certeza quién eres. Si te queman las ideas y tu cuerpo se baña en el río de otro cuerpo. Si te pareces mucho a alguien que ya no está, como yo a J.Z.R., mi abuelo materno, a quien casi no conocí, pero que me ha traído hasta aquí y me hace investigar sobre mis antepasados cada día. Para él este libro y su portada. Y, sobre todo, si te gusta la poesía y comprendes que puede adoptar muchas formas. Y la quieres. Y la cultivas. Y te pasas las noches en vela leyendo y tratas de escribirla y lo consigues, o no, pero te da igual porque te has desahogado: Este libro es para ti.

Luz, naturaleza y silencio. Hilos para tejer la obra de un poeta singular que murió apenas cumplidos veintiocho años. Porque solo una mirada enfebrecida sueña con llegar al interior de la piedra y navegar por ríos de savia y sangre que dan acceso a los seres. Porque solo un ciego deslumbrado por la existencia es capaz de dotar a su lenguaje de la mística cotidiana. Porque solo una palabra despojada se atreve a respirar en el misterio del silencio

Un viejo y curtido Marinero es el que detiene a uno de los tres. 'Por el largo brillo de tu barba gris y el de tus ojos, di por qué de los tres me detienes a mí. De par en par las puertas del novio están abiertas y yo soy un pariente cercano; los invitados ya llegaron y el banquete comienza, ¿no oyes el alegre alboroto de la fiesta?' […] Mas con el brillo de sus ojos lo retiene y el Invitado permanece inmóvil: escucha como un niño al Marinero que, a su merced y voluntad, lo tiene. Sobre una piedra se sentó el Invitado, pues nada hacer podía sino oír al anciano. Y así habló el viejo Marinero cuya mirada brilla tanto como el acero […]

Referente ineludible de la contracultura de los ochenta, y del feminismo moderno y el activismo LGTBQ, Myles ha sabido perfilar una poética renovadora que combina trazas de oralidad, una fuerte impronta narrativa, y una urgencia y ferocidad heredaras del punk. La presente antología ofrece un recorrido vibrante por la obra de una poeta apenas conocida hasta ahora por los lectores hispanohablantes.

Me moriré en París con aguacero, un día del cual tengo ya el recuerdo. Me moriré en París -y no me corro- talvez un jueves, como es hoy, de otoño. Jueves será, porque hoy, jueves, que proso estos versos, los húmeros me he puesto a la mala y, jamás como hoy, me he vuelto, con todo mi camino, a verme solo. César Vallejo ha muerto, le pegaban todos sin que él les haga nada; le daban duro con un palo y duro también con una soga; son testigos los días jueves y los huesos húmeros, la soledad, la lluvia, los caminos… 'Piedra negra sobre una piedra blanca'

'Todas mis palabras son azores salvajes', primer poemario de la escritora y traductora Gloria Fortún, representa el afán que, cuando se ama, se tiene de construir un lenguaje propio aprovechando que se ha fundado una patria. Un lenguaje que cante —y a veces grite— al amor y al deseo entre mujeres. La voz de la poeta tiene un cuerpo con una presencia rotunda y disidente, un cuerpo que no cumple las normas del canon estético, ni tampoco del recato, la modestia o la moderación. Es un cuerpo que se siente bello, vivo y sensual. La protagonista se celebra a sí misma y a su carne, pero también a las mujeres que han hecho que palpite su corazón —y su entrepierna—, sobre todo a una mujer mítica, que toma la forma de bucanera, de diosa o de vaquera y que está presente a lo largo de todo el poemario. Ella es la representante del amor y del anhelo cuando una pandemia confina el mundo. Ella es, al fin, quien deberá extender su brazo para que se posen en él los azores que la poeta-cetrera ha lanzado a los cielos.

Juan Bonilla (Xerez, 1966) es autor de los libros de poemas Partes de guerra (1994), El belvedere (2002), Buzón vacío (2006), Cháchara (Renacimiento, 2010) y Poemas pequeñoburgueses (Renacimiento, 2016). Su poesía ha sido antologada en los volúmenes Defensa personal (Renacimiento, 2008) y Hecho en falta (2014). Vive en el Aljarafe, desde donde dirige la revista Calle del Aire.

Diego Vaya es, por encima de todo, poeta. Es poeta cuando escribe relatos o ensayo. Es poeta cuando analiza o recomienda una lectura. Es poeta cuando habla de arte y también en una conversación sobre las trivialidades del día a día. Diego Vaya es poeta y por eso esta antología. Por eso este intento de condensar en un volumen qué cuenta su poesía, cómo, el hombre y la obra, transforman su lenguaje, cómo crecen, se expanden, se abren a nuevos horizontes. Con sus cinco poemarios publicados hasta la fecha hemos visto la evolución de un autor exigente en la palabra, afilado en las imágenes, que navega las aguas del endecasílabo y bucea el universo de la prosa poética. Que atraviesa la historia de los clásicos para lanzarnos a una distopía de verso libre con su música. Cinco poemarios, diez años. Y esto no acaba aquí. "Late en esta poesía ese tiempo vibrante, detenido, entre la bala y el terrible, mas esperanzado, estremecimiento convertido ya en verso. O en vida." Juan Cobos Wilkins "La poesía de Diego Vaya se adentra en la tensión verbal de emoción sobria. Hay asimilación y control del dolor en la imagen, un te

El cuerpo del veneno es un poemario de variedad formal -desde el endecasílabo y el heptasílabo con rima asonante al soneto, el romance o el poema en prosa- que, tanto desde la contemplación de la realidad como desde la introspección, se asoma a los contrastes del mundo y de la vida: el dolor y la alegría, la maldad o el amor, así como a la necesidad del acto mismo de escribir.

Deshabitarse en una casa, en un país, en una lengua: ¿Cuánto hay de alienación en el acto de cambiar la ubicación de «casa» en Google Maps? Deshabitarse en busca de verticalidad y aprender a caer sin hacerse daño, como en las artes marciales; aprender a sobrevivir a la violencia de la semántica, a convivir en una casa llena de ceniceros en la que nadie fuma; a pronunciar estrellarse sin morderse la lengua. Este es un libro lleno de aire: fue escrito en mitad de un salto. En ese espacio lo único que hay es aire, cuerpo y viaje -literales y metafóricos, que dicen que la poesía va mucho de eso-. Un salto siempre implica conquista. De una casa, por ejemplo, o de una lengua nueva a la que hay que hacer hueco en el cielo de la boca.

Adiferencia de ciertas poéticas contemporáneas (caracterizadas por lo que se podría llamar la altivez de la iluminación), la potencia ética y espiritual de la obra de Jorge Gimeno no impone una distancia a sus lectores. Si aún es posible afirmar de una obra que tiene “propósito”, el de la suya sería recuperar para la poesía de hoy ciertos valores olvidados o incluso ridiculizados: la emoción, la humanidad, la trascendencia. Quien le lee no sólo se reconoce y se pone en duda, sino que siente, en mayor o menor medida, su misma necesidad de transformación». FRUELA FERNÁNDEZ (Clarín) «Deberían anotar en su lista de must read el nombre de Jorge Gimeno. Con tres libros publicados en quince años, Gimeno ha pasado de ser un autor secreto a convertirse en un secreto a voces». LUIS BAGUÉ QUÍLEZ (El País) «Siempre hemos querido decir esto de una obra, y por fin podemos: inclasificable». AINHOA SÁENZ DE ZAITEGUI (El Cultural) JORGE GIMENO (Madrid, 1964) es autor de los libros de poesía Me despierto, me despierto, me despierto (Pre-Textos, 2018), La tierra nos agobia (Pre-Textos, 2011) y Espíritu a saltos (Pre-Textos, 2003). Asimismo, es autor de las antologías Fragmentos de Saadi (Pre-Textos, en prensa), Noventa y nueve iluminaciones de Nasrudín (Pre-Textos, 2015) y El amor negro. Poesía del Barroco francés (Pre-Textos, 2009), que se integran en su serie Otras subversiones, sobre los límites de la traducción y la discusión del canon. Ha traducido también a Rainer Maria Rilke, Wallace Stevens, Eça de Queirós y Fernando Pessoa, entre otros autores. Ha enseñado en instituciones de Bagdad, Fez y Lisboa y ha residido en Nueva York y Alicante. Desde 2004 vive en la España vaciada.

En la poesía de la Isabel Bono siempre convivieron bien trenzados el humor y el dolor, el disfrute de la vida con la conciencia del vacío, los empujones del deseo o el amor con una trastienda general bastante desengañada, explícitamente triste; sucede que en esa ambivalencia no había contradicción, sino lo contrario: una nueva y acertada expresión no premeditada de la vida real, de esa mezcla de regocijo privado y pesimismo panorámico o social que, lo sepamos o no, nos mueve a muchos y, curiosamente, nos atornilla al mundo. JUAN MARQUÉS

Figura que poco a poco pero con fuerza incontenible ha ido haciéndose en el último siglo con un lugar descollante en la lírica universal, Emily Dickinson (1830-1886) se revela como poeta inclasificable, aunque imprescindible, pues pocas figuras han transitado como ella por el sutilísimo filo que separa el ser del no ser, el exterior del interior, la plenitud del vacío, la palabra del silencio. La presente antología bilingüe reúne ciento un poemas que, pese a tomar como criterio preferente su imagen más "gótica", la más decadente y fuerte, la que justifica su lugar entre los grandes, la que más se acerca a nuestra modernidad, incluye asimismo, como necesario contrapunto, algunas de sus composiciones más tempranas y amables. Selección y traducción de Amalia Rodríguez Monroy

Durante nueve meses, Federico García Lorca vivió en Nueva York, alejado por primera vez de su país, de sus padres y amigos más íntimos. A lo largo de ese período, su poesía cambió radicalmente, oscureciéndose y dejando a un lado el folclorismo andaluz que tanto despreciaron Buñuel y Dalí. El resultado de esa etapa quedó recogido en Poeta en Nueva York, libro publicado cuatro años después de su muerte. Esta edición, ilustrada con acierto deslumbrante por Fernando Vicente, ofrece el texto completo de la obra cumbre de Lorca junto a una selección de su correspondencia, lo que permite conocer la vida que hacía el poeta mientras escribía sus versos. Sus cartas, alegres y dicharacheras, reflejan la preocupación por asuntos mundanos como el dinero, la moda, las fiestas Su poemario, sin embargo, adquiere una dimensión social mucho más profunda. La Gran Manzana le lleva a bucear por las sombras de la condición humana y los rincones más tenebrosos y secretos del ánimo, convirtiéndolo en otro Federico.