Juan viaja en tren al pueblo que tiene por dentro, visita a sus padres, al barbero, el bar, el río, al panadero, coge la bicicleta como quien se quita un reloj para que el presente se ensanche y se toque los dedos con el pasado. Aquí no hay futuro, no hace falta. Si se asoman ahora lo pueden ver alejarse entre la yerba, saludando a los escarabajos, silbando algo que podemos leer.

«Los más de los poetas y poemas que aparecen en las páginas de este libro llegan a ellas con la impecable ejecutoria de hidalguía de una sostenida influencia en otros creadores y en otros textos, una opinión crítica unánime y la evidente predilección de los aficionados. A decir verdad, mi tarea ha sido fundamentalmente ir a buscar en las ediciones de mayor solvencia esos poemas y esos poetas estrictamente clásicos y traerlos aquí en la más amplia medida que permitieran las dimensiones del volumen. En los horizontes de la poesía española, hay, con todo, zonas de penumbra: períodos sólo frecuentados por unos cuantos especialistas, autores también ellos de dudosa reputación, rescates tardíos y minoritarios Es en estos claroscuros donde quizá se encuentre (y se excuse) una intervención mía más personal y donde me habría gustado ofrecer al común de los lectores una selección tan orientadora como gozosa.» Francisco Rico

El cielo de abajo ofrece un mapa alternativo de la poesía femenina hispanoamericana en el empeño de repensar la noción de cuerpo-objeto que le ha sido tradicionalmente asignada, situando la fisicidad como un lugar determinante para la producción de sentido. María Alcantarilla recorre un itinerario singularísimo compuesto por trece autoras que, en su práctica totalidad, habían permanecido hasta ahora en una suerte de limbo con respecto al canon establecido, y cuya fortuna editorial dificultaba sensiblemente el acceso general a sus obras. Tal es el caso de la venezolana Hanni Ossott, la uruguaya Tatiana Oroño, la boliviana Blanca Wiethüchter, la panameña Diana Morán, la ecuatoriana Ileana Espinel o la mexicana Esther Seligson, entre otras, cuyas voces, desde la individualidad estética y expresiva que las caracteriza, se enhebran a lo largo de estas páginas a través de un mismo hilo de urdimbre que contrapone el discurso lógico de la razón al canto orgánico de la intuición poética. La selección, complementada por las fotografías de la antóloga, pretende así recuperar el papel de las mujeres como legítimas interlocutoras poéticas y sobreponerse a esa misoginia ancestral que durante siglos ha silenciado su imaginario, restaurando el espejo poliédrico de la poesía hispanoamericana contemporánea escrita desde y a través del cuerpo.

Juan Vico se ha embarcado en la búsqueda de la poesía con la aspiración de llegar y descubrir ese , que decía Juan Ramón Jiménez. Enrique Villagrasa.

soy una lobaenvilecida por todo,luzco bajo los peñascos,grave, sonora, palpitante,mi altarcillo de luces de neón azules

Unos de los fenómenos más fascinantes en la personalidad de Pessoa, tal como señala Perfecto E. Cuadrado en el Prólogo del presente libro, es el de su multiplicación heteronímica, con la que el escritor portugués es capaz no sólo de «inventar» las obras de diversos poetas, sino de crear «varios poetas». Ahora bien, entre ellos cabría incorporar precisamente la figura del ortónimo Pessoa, un «otro» más en el universo pessoano, cuya producción, firmada con su nombre, se distingue por reflejar la experiencia vivida en mayor grado que la obra heteronímica. El presente volumen X de la obra poética de Fernando Pessoa, que ABADA viene publicando en edición bilingüe y anotada, es el tercero consecutivo dedicado a su trabajo ortónimo, concretamente al publicado entre los años 1914 y 1917, período de madurez literaria en el que el autor, sobre todo a partir de la aparición en 1915 de la revista Orpheu, irá incorporando nuevas poéticas ligadas al simbolismo y a los ismos de las primeras vanguardias.

Aisha es un libro de amor, de amor al aire, a la palabra, al olvido,al libro, al experimento, al presente, amor al poema y sus silencios. Es un libro de amor al amor,

En el corazón de esta balada, escrita entre 1931 y 1932, late un dardo verbal modulado con lucidez e ironía. Los versos de Bertolt Brech, considerado uno de los dramaturgos y poetas más importantes del siglo xx, narran la pasividad de un hombre, cobarde confeso, ante las injusticias y la barbarie, y su asunción del oprobio como requisito para salvar la vida. El resultado es un preciso alegato contra la dominación burguesa y los distintos estamentos sociales: políticos, militares, jueces, policías e intelectuales que la sustentan. Los clarividentes textos son también una denuncia desesperada contra el adormecimiento y la aquiescencia de ciertos actores sociales, cuya conducta propició el ascenso del nacionalsocialismo en Alemania. El cinismo y la sardónica mordacidad anidan en esta obra del escritor alemán, quien defendió desde sus inicios como autor la necesidad de una transformación revolucionaria de la sociedad. Acompañada de los ilustres dibujos del berlinés Henning Wagenbreth, esta balada de Brecht nos desvela que «la mugre de este mundo de maldades» no sería posible sin nuestro cotidiano y resignado consentimiento.

Individuo armado sostiene una experiencia del mundo conflictiva para una generación hipertecnificada. La realidad estalla, sí, y el individuo, que se encuentra girando y girando entre códigos de sucesos, se empeña en recomponer una identidad a partir del encuentro virtual con el otro. El escritor se emplaza, entonces, frente a los cuerpos violentos e imagina la destrucción de lo material, de lo masculino, de lo identitario. Y joder: boom. Y joder, cuidado: un Ford Fiesta intenta atropellar a la multitud. [del epílogo de Ramón Gázquez]