Grafitis para neandertales es un libro híbrido en cuya aleación se mezclan micro-ensayos en prosa y poemas. El cicerone que nos guía por sus páginas es Ñor, una suerte de monje taoísta preocupado por la revelación al mundo de su destino: el colapso ecológico-social y antropológico como consecuencia del fracaso estrepitoso del capitalismo. Jorge Riechmann, siguiendo el ideario de Albert Camus, pone su obra al «servicio de la verdad», aun sabiendo de la incredulidad de la gente, que, como dice María Zambrano, levanta ante ella «un castillo artillado». Pese a ello, su objetivo no es otro que concienciar (no sin ironía o delicados haikus) de la importancia de la compasión, la piedad, la lucidez y el amor para evitar futuros genocidios por el descenso energético y el cambio climático. Acaso se trate de su libro más duro. Ariadna G. García

El pausado transcurrir de los días, con sus ritmos que parecen abolir el tiempo. La peculiar geometría de las calles que irradian desde la plaza central. El ciclo del cultivo y la cosecha, donde la muerte es simultáneamente cósmica y minúscula, donde el renacimiento es tan certero como el sol. El tempo de una existencia desplegada entre colinas, dolorosamente lejos del mar. Louise Glück condensa en Una vida de pueblo el día a día rural en Estados Unidos, con sus animales y habitantes, cuya juventud exuberante y subsecuente decadencia parecen hacer eco de la naturaleza que los rodea. Con ojo sutil e irónico, con dicción afilada, nos muestra el lado oculto de este devenir aparentemente sencillo, exhibiendo sin tremendismo las pasiones que transcurren hondas en su interior. Louise Glück es una de las voces capitales de la poesía estadounidense. En el curso de varias décadas ha publicado numerosos libros de poesía, entre los cuales destacan The Wild Iris (El iris salvaje, Pre-Textos, 2006), que le mereció el Premio Pulitzer, Averno (Pre-Textos, 2011), merecedor del Premio L. L. Winship/PEN New England y Faithful and Virtuous Night, el cual recibió el Premio Nacional del Libro en Estados Unidos. Su volumen de ensayos Proofs and Theories ganó el Premio PEN/Martha Albrand. Su obra ha sido reconocida con galardones como la Medalla Nacional para las Humanidades, el Premio Bollingen y las becas Guggenheim y Rockefeller. Es miembro de la Academia Americana de las Artes y las Letras, así como de la Academia de Poetas Americanos. La Editorial Pre-Textos también ha publicado sus libros Ararat (2008), Las siete edades (2011), Vita Nova (2014) y Praderas (2017).

Su voz es valiente, original, claramente adelantada a todo lo que la rodea. El riesgo cae en sus poemas con firmeza porque la autora sabe que las palabras, esas que perfila con la sencillez que sólo tienen los maestros, están por encima de peligros y consecuencias. Y eso, en un mundo en el que apenas se describe la realidad tal y como es, cruda y vital, es lo que la convierte en una de las voces más rompedoras de este siglo.

El libro realiza un recorrido que va desde lo menos tangible, los poemas relacionados con en encuentro con la vida adulta, con las emociones que provoca un exilio… hasta lo más físico, el cuerpo. Así, el lenguaje va avanzando también hasta dibujar un campo de batalla. Se narra un conflicto bélico en el que el adversario es interno y, al mismo tiempo, universal. Tan universal como la necesidad de alimento, en sentido literal o figurado. A modo de epílogo, la autora dedica la última parte del libro a una serie de poemas que juegan con los elementos recurrentes en la obra del malogrado artista Pepe Espaliú, como conclusión.

Con Huidobro, el ‘pájaro de lujo’, llegan Apollinaire y Reverdy. La imagen recobra las alas. La influencia del poeta chileno fue muy grande en América y España; grande y polémica. Esto último ha dañado la apreciación de su obra; su leyenda oscurece su poesía. Nada más injusto: Altazor es un poema en el que la aviación poética se transforma en caída hacia ‘los adentros de sí mismo’, inmersión vertiginosa en el vacío. Vicente Huidobro, el ‘ciudadano del olvido’: contempla de tan alto que todo se hace aire. Está en todas partes y en ninguna: es el oxígeno invisible de nuestra poesía. Octavio Paz

desnudos bocarriba en un camastro sin sábanas mi cara al lado de tus pies tu revés es mi derecho siempre igual sin movernos hasta cuándo

¿Puede el lenguaje poético materializarse como un cuerpo? ¿Puede ser inflexión, carne o textura? ¿Puede vencer la barrera del movimiento y trasspasar la frontera escénica del papel? Ana Gorría pone en marcha estas preguntas en Nostalgia de la acción. Como premisa, el trabajo fílmico, coreográfico y escénico de la artista Mayra Deren (1917-1961). En un diálogo explícito con algunas de sus piezas, el sujeto poético desenvuelve la variedad de sus personas verbales, la posibilidad física de la existencia en la palabra, las emociones humanas al calor de la emociones-acción, reracción-de un cuerpo móvil. Los dibujos de Marta Azparren introducen un tercer lenguaje que fija la indagación poética a la manera de un fotograma del gesto y añaden, en su propio estilo, una variación más en las lecturas posibles de Deren.

EL padecimiento continuo es una recopilación de poemas inéditos de Charles Bukowski (1920-1994), uno de los más célebres, imitados, convulsivos y compulsivos poetas del siglo XX. Nacido en Alemania, es sin embargo uno de los autores más emblemáticos de la literatura norteamericana, hasta el extremo de que Joyce Carol Oates ha dicho de él que es «el Walt Whitman de Los Ángeles», ciudad en la que residió durante 50 años. A otros ángeles se refiere Leonard Cohen cuando afirma que Bukowski «puso a todo el mundo a ras de tierra, incluso a los ángeles». Nuevos poemas, en definitiva, de Bukowski, siempre fieles a Bukowski.

Cuatro son los Réquiem que escribió Rainer Maria Rilke, dos de ellos en 1908: el «Réquiem por una amiga», en memoria de la pintora Paula Modersohn Becker, muerta de sobreparto a los 31 años, y el «Réquiem por el conde Wolf von Kalckreuth», joven poeta y traductor suicidado a los 19 años; ambos fueron publicados juntos, en 1909, con el título único de Réquiem. Pero antes, en 1900 ya había escrito otro, el «Réquiem por Gretel Kottmeyer», una amiga de Clara Westhoff, con la que pronto se casaría el poeta, que formó parte del Libro de las imágenes, publicado en 1902; y más adelante, en 1915, aún escribió el «Réquiem por la muerte de un niño», al fallecimiento de Peter Jaffé, el hijo de unos amigos muniqueses muerto a los ocho años, que no se publicó en vida del poeta, sino en 1927, en la primera edición de sus Obras completas. Luego, en 1931, los cuatro Réquiem fueron agrupados con ese único título en un libro, que es el que aquí se publica, en edición bilingüe, con versiones al castellano de Jesús Munárriz.

«Conocí a Ósip Mandelstam en La Torre de Viacheslav Ivánov en la primavera de 1911. Entonces era un muchacho flacucho con un lirio de los valles en el ojal, con la cabeza bien alta, de ojos llameantes con pestañas larguísimas. Lo vi por segunda vez en casa de Tolstói en Staro-Nevski, él no me reconoció y Alexéi Nikoláievich se puso a indagar sobre la mujer de Gumiliov, y él le mostró con las manos cómo era de grande el sombrero que yo había llevado en esa ocasión. Me asusté por si sucedía algo irreparable y me anuncié. Ese fue mi primer Mandelstam, el autor del tierno Piedra (ed. Akmé) con esta dedicatoria: «A Ania Ajmátova, chispazos de conocimiento en la desmemoria de los días. Respetuosamente, el Autor».

Imágenes iluminadas pretende recuperar la figura de Ernesto López-Parra, poeta periférico de lo que comúnmente se conoce como Generación del 27. A lo largo de su vida publicó cuatro libros, cada uno de ellos representante de una corriente expresiva diferente. Practicó de este modo una poesía modernista, otra ultraísta, para finalmente recalar en la poesía comprometida. Pese a carecer de un estilo netamente personal que lo hubiera prestigiado como creador, su voz alcanza momentos de gran altura que no pueden echarse en el olvido. Recogemos en esta antología versos de sus diferentes etapas, extraídos primordialmente de sus libros pero sin obviar su abundante participación en las revistas de la época, verdaderas depositarias del espíritu del tiempo. Además, ofrecemos una amplia representación de su poesía carcelaria, inédita hasta la fecha, en la que López-Parra destila en versos transidos de dolor su personal calvario. Ernesto lópez-parra (Talavera de la Reina, 1895-Ocaña, 1941). Hijo del político republicano Eduardo López-Parra, pronto despertó en él la vocación literaria. En 1920, mientras estudia Derecho en Madrid publica su primer libro, Poemas del Bien y del Mal, de ribetes modernistas. Al mismo tiempo se adhiere al movimiento renovador del ultraísmo, aunque sin terminar de depurar sus resabios finiseculares. La publicación de la pieza teatral Paisaje de abanico (1921) provoca su excomunión del ultra. En la década de los 20 fusiona la lírica sensitiva de Juan Ramón Jiménez con la imaginería vanguardista. Fruto de ello es su libro más depurado: La Imagen Iluminada (1929). En la década siguiente se reencarna en un nuevo poeta: comprometido y combativo según testimonian sus Auroras rojas (1936), augures de la Guerra Civil. Tras ella será detenido y después de rodar por varias cárceles recalará finalmente en la de Ocaña en donde fallecerá víctima de la tuberculosis. Pablo rojas (Toledo, 1965). Profesor de Literatura en el IES Padre Juan de Mariana de Talavera de la Reina. Su primer libro estuvo dedicado al protagonista de estas páginas: Ernesto López-Parra, el ultraísta remolón (2006). Tiempo después se doctoró con una tesis dedicada a otro innovador: Guillermo de Torre. De este último ha editado sus memorias, Tan pronto ayer, su epistolario con Ricardo Gullón y un Dossier Guillermo de Torre (todos ellos en 2019; los dos últimos trabajos en colaboración con Carlos García). También se ocupó de la presencia del dadaísmo en nuestro suelo: Poetas de la nada. Huellas de Dadá en España (2017).

Tras La llave misteriosa, Lutgardo García Díaz (Sevilla, 1979) nos presenta su cuarto libro de poemas. Acorde con el mundo poético de su autor, El caudal infinito ofrece un escenario de vivencias e impresiones que aspiran a eternizarse en el poema. Un conjunto, al fin, en el que belleza y emoción se unen buscando abrir los espacios sagrados de la poesía. "Asomarse a este caudal infinito es contemplar un río por el que discurre la gracia, Lutgardo García Díaz ha echado la red de sus versos al cauce rumoroso de la hermosura y ahora brillan ante nosotros los momentos estelares de la profunda humanidad del poeta. Asomado a un balcón europeo, a un mirador en la Sierra de Huelva, a los bosques de Francia o a las romanas calles de Sevilla ha convocado las luces remotas del mundo de ayer -deambulando como un gozoso flâneur entre tiempos y espacios por salas de concierto, librerías de viejo y galerías de arte-, pero también al jubiloso hoy, a la dicha presente de estar vivo para elevar un canto de esperanza ante las tribulaciones y asechanzas de la vida. Hay, además, en estos poemas de Lutgardo García una deliberada voluntad de trascendencia, arrastrado por la corriente vacilante del tiempo el autor aguarda con confianza anegarse en las aguas más anchas del mar por encima del cual anduvo el Hijo del Carpintero. Bach, Rembrandt, pero también Manuel Machado, Proust y -sobre todo- Rilke acompañan al poeta en esta barca que boga camino del Emaús de la poesía. >El verso claro, la sonoridad irisada, la imagen tan atrevida como transparente componen un decir clásico y sereno, pero profundamente humano y sensitivo, en el que la belleza está al servicio de la emoción y la emoción al servicio de la belleza." José María Jurado García-Posada Lutgardo García Díaz (Sevilla, 1979) es Doctor en Medicina. Es autor de los libros La viña Perdida (Rialp, accésit del Premio Adonáis 2013), El tiempo vivido (fundación Cajasol, 2015), Lugar de los sagrado (Vandalia, V Premio Iberoamericano Hermanos Machado) Y La llave misteriosa (Renacimiento, 2017).

PREMIO PULITZER Y MEDALLA ROBERT FROST «La mejor poeta desde Safo.» Poetry «Una atrevida visión de la experiencia femenina, con una gran carga sexual. [...] Su poesía brilla aún más cuando refleja las ansias de rebelión.» The Guardian Edna St. Vincent Millay es una de las escritoras norteamericanas más fascinantes y menos conocidas del siglo xx. Perteneciente a la generación de T. S. Eliot y Wallace Stevens, su militancia feminista y su radical independencia provocaron que su obra tardara en difundirse, a pesar de haber ganado el Premio Pulitzer por su «Balada de la hilandera del arpa», de contar con una personalidad arrolladora y de congregar a multitudes en sus lecturas y polémicas apariciones públicas, que hicieron de ella una precursora de una nueva forma de ser mujer. Nunca temió proclamar sus ideas políticas y proponer innovadoras vías de expresión de la experiencia femenina. Millay escribió libretos de ópera, teatro y prosa, pero destaca sobre todo por su poesía, extraordinariamente virtuosa -es autora, con Robert Frost, de algunos de los mejores sonetos del siglo xx en inglés-. Aunque vinculada con la vanguardia anglosajona, su voz única es capaz de cantar la belleza como una poeta emotiva y de componer a su vez poemas satíricos y provocadores. Lumen presenta la antología más completa en castellano de su obra poética, en una magnífica edición y traducción de Ana Mata Buil. La crítica ha dicho... «Preocupada simultáneamente por la indagación formal y por la instancia política de su escritura, Edna St. Vincent Millay ha quedado opacada a ojos de la historia por coetáneos masculinos como T.S. Eliot o Robert Frost, con los que trabajó cerca. Décadas más tarde, su voz rebota con fuerza en las paredes.» Zenda «La mejor poeta mujer desde Safo.» Harriet Monroe, Poetry «Un talento literario incandescente. [...] Millay ofreció una atrevida visión de la experiencia femenina, con una gran carga sexual. [...] Su poesía brilla aún más cuando refleja las ansias de rebelión contra el espacio reservado a las voces de mujeres en la literatura y en la vida.» Amandas Ong, The Guardian «Una de las poetas más exitosas y respetadas de Estados Unidos. [...] Consiguió algunos de los mejores sonetos del siglo XX, al igual que Frost.» Poetry Foundation

MARIO BENEDETTI (Paso de los Toros, 1920 - Montevideo, 2009) con estos Poemas de otros (1974) ha conseguido lo que tantos poetas desean y tan pocos alcanzan, que los vínculos entre lector y autor sean totales. Con su pluma inteligente y sagaz sabe conducir al lector desde el yo al nosotros, desde la soledad a la solidaridad, desde el horizonte limitado personal al horizonte sin límites, de la individualidad a la generalidad, hasta el famoso próximo-prójimo que tanto le gustaba, con sus frases coloquiales y su inmensa capacidad de comunicación. Solo un gran poeta y un gran conocedor de las emociones puede transitar por esos caminos y transmitir con tanta humanidad y sentimiento estas sensaciones individuales universalizándolas. Solo un personaje tan humano como sabio y minucioso puede trasladar a los lectores tan fuertemente sus inquietudes.

Entre la vida y la muerte, estos poemas aspiran a un gran cántico, tan próximo a una visión mística, pues cada cosa, cada sentimiento, etc., que nombran adquiere una resonancia universal. Túa Blesa.