Léon Deubel (Belfort, 1879-Maisons-Alfort, 1913), reconocido en Francia como el último poeta maldito, permanecía incomprensiblemente inédito en castellano hasta ahora, salvo cinco poemas, y una estrofa suelta, traducidos por Luis Antonio de Villena y presentados como Poemas de un simbolista maldito (Madrid, Signos, 1990). Esta que tienes en tus manos, lector, es, pues, la primera aparición en castellano de un libro de un poeta tan admirable como desconocido. La chanson balbutiante –opera prima de Deubel– constituye el largo aliento de juventud de quien, iluminado por el magisterio simbolista de Baudelaire, Verlaine y Mallarmé, considera la poesía como la realidad “otra” que se enfrenta a la miseria de la condición humana, entendida ésta tanto en términos históricos y sociales como existenciales. Hay un conflicto abierto en la escritura deubeliana, un vertiginoso viaje que mantiene un terrible pulso entre Éro¯ s y Thánatos, y que procura, mediante la pasión por la palabra, resolver a favor de una vida consciente generadora de tranquilidad y sosiego frente a la inadaptación, la carencia y el desamor. Pers

En cada sombra hay un dolor que aúlla. En esta noche escrita, en su genealogía femenina, la mano escucha atenta a su deseo, esa estrella que no alcanza a nombrar, esa semilla de luz de un cielo del revés que la sujeta. En el seno del bosque algo arde en una raíz arcana que huye hacia lo abierto. Allí el poema llama a la escritura. Es haz pulsado que desciende hacia la muerte, oquedad que invita a lo desconocido y convoca al lenguaje vegetal de las ausencias. La piel enferma. El tiempo del no ser se desvanece. “Si tú no hablas, hablará tu cuerpo”, el soplo de la herida, la blancura del hueso. Por eso, en estos versos, el pensamiento ladra en un callejón oscuro, y el vacío de una caracola balbucea. En este poemario cada texto sabe que la vida es una sierpe, la órbita de un viaje en la espesura, la carencia que confiesa que estamos fuera de nosotros mismos, que ningún lugar nos pertenece y que todos somos extranjeros. Y a pesar del dolor y de la ausencia, sabe el verbo de estas páginas que Afuera hay sol, que el misterio canta cuando menos lo esperamos, y que, en la vida, la voz es un aliento vegetal, además d

En el número 17 de la revista turolense Turia (junio 1991) presenté a un todavía inédito1 en España Antonio Sagredo acompa- ñado de veinte poemas traducidos por Inma Muro y Ángel Guinda. De aquellas palabras de presentación extraigo éstas que me confió el propio Sagredo en una carta del 4 de febrero de 19882 : Cosa dire di questa pallida Italia? l’italia dei poeti è una chimera! Il poeta italiano non è affato amato dagli italiani; come gli italiani non hanno mai amato la natura. Ha sido quizá esta convicción la que le mantuvo durante bastantes años lejos, lejísimos, de las editoriales de poesía italianas. De hecho, Antonio Sagredo, excelente eslavista, traductor de poetas checos y rusos, doctor por la universidad Karolina de Praga con una tesis sobre el poeta simbolista checo Otokar Br?ezina, no publica hasta 2016 ni uno solo de sus poemas en Italia. Ha dado a la prensa y publicaciones especializadas otros trabajos, pero no poemas, hasta el punto de que sus obras aparecieron primero en España y, no hace mucho (Poems, New York, Chelsea Editions, 2015, con traducción de Sean Mark), en Estados Unidos. Ante

Ángel Guinda, poeta al que se asocia inmediata y fundamentalmente con la temática de la muerte y por una mirada amargo-realista respecto a temas inherentes a la condición humana, como son el paso del tiempo, la enfermedad, la vejez, las ausencias, también ha creado espléndidos poemas de amor; intensos y arrebatados unos, minimalistas otros, y auténticos y sinceros siempre. Inmersos como estamos en una época opaca determinada por la pandemia sanitaria, parece conveniente y necesario rescatar poemas que nos iluminen, que nos reconforten y nos reconcilien con lo mejor de nosotros mismos. "El arrojo de vivir" recoge una selección de treinta y cuatro poemas de amor que Ángel Guinda ha publicado, a lo largo de su dilatada trayectoria, en "Entre el amor y el odio", 1977; "Vida ávida", 1980; "Toda la luz del mundo", 2003; "Claro interior", 2008; "Caja de lava", 2012; "Materia del amor", 2013; "Catedral de la noche", 2015; y en las revistas Oropeles y guiñapos, nº 6, febrero de 2020 y La hoja azul en blanco, nº 25, correspondiente al otoño-invierno 2021-2022. Para quien se acerque por primera vez a la obra de Ángel Guinda a través de "El arrojo de vivir", conviene señalar que se incluyen poemas que en la década de 1980 fueron musicados por la cantante Rosa León, como “Somos pareja” y “Soneto de amor”, que tituló Si eres tú, y que cantaba junto a Amaya Uranga, integrante del grupo Mocedades. El poema “Adamar” fue musicado en 2001 por José Antonio Labordeta y cantado por él mismo y por Mª José Hernández. Raquel Arroyo Fraile

Historia del mundo antiguo, el nuevo poemario de Joaquín Sánchez Vallés (Huesca, 1953), es un recorrido por la memoria histórica reciente de nuestro país y por la memoria emocional del autor, siendo un retrato de «una sociedad autoritaria, brutal e hipócrita como podía ser la de una ciudad muy de provincias en los años 50 y 60 de España. Violentos antecedentes familiares. Violencia institucional en las aulas escolares. Normas absurdas, atosigantes e inapelables, impuestas literalmente a palos, que solo producían ansiedad y terror a los niños más tímidos y sensibles». Un libro que busca cantar con justicia una época que, todavía hoy, sigue marcando las vidas de muchas familias; que busca arrojar luz y conocimiento para evitar que acontecimientos como aquellos se vuelvan a repetir.

Tránsito, el nuevo poemario de María Pilar Martínez Barca, supone una honda reflexión sobre las etapas vitales, el paso del tiempo, las raíces familiares y la cercanía del ¿final? Una poesía meditativa, hermosa, cargada de imágenes que definen un proceso personal y afianzan el arraigo de la memoria. Uno de los poemas del libro: Y tu´, predecesora de la hoguera y el a´rbol de las cuatro fuentes, no temas al peli´cano ni te obsesiones con las despedidas. Big bang, dia´stole y si´stole, contraccio´n y abrazo de horizonte, vaive´n, reposo ascensional, cesacio´n absoluta en la otra yo. Naranja sera´ el alba y el crepu´sculo y esa tu otra mitad del hemisferio. Fluir eterno del ri´o hacia su estuario. ¿Do´nde el final del mar?

Señor de los pájaros, Señor del silencio, algo no termina de llegar hacia la otra orilla; algo ha quedado en medio del dolor y del recuerdo; donde las canciones y los poemas que tanto soñé van perdiendo su por qué, van perdiendo el color del sentido. Enrique Solinas nació en Buenos Aires el 11 de julio de 1969. Es escritor, docente, traductor e investigador. Desde 1989 colabora con publicaciones de Argentina y del exterior. Publicó en poesía: Signos oscuros (Buenos Aires, 1995), El gruñido (Buenos Aires, 1997), El lugar del principio (Buenos Aires, 1998), Jardín en movimiento (Buenos Aires, 2003, y Perú, Lima, 2015), Noche de San Juan (2008), El gruñido y otros poemas (Antología poética, Buenos Aires, 2011), Corazón sagrado (Buenos Aires 2014 y México 2015), Barcas sobre la zarza ardiente (2016), El Libro de las Plegarias (2019), The way time goes and others poems / La manera en que el tiempo se va (USA, Antología poética inglés-español, 2017), Escrito a fuego (Usa, Antología poética, 2017), (traducción al chino de la antología poética The way time goes – La manera en que el tiempo se va, Shanghai, 2017), La mitad de la vida (Antología Poética, Lima, Perú, 2021), Le grognement (traducción al francés de la antología poética El gruñido y otros poemas, París, 2021) y The horses of fear (Antología poética bilingüe, New York, 2022). En colaboración, Dificultades de la poesía (ensayo, 2010), Invocaciones –cuatro poetas en la voz del mito– (poesía, 2012), Antologías Argentinas – Intervenciones sobre el canon y emergencias del imaginario, capítulo «La antología poética argentina: Procesos de subjetividad, género y canon» (Editorial Teseo, Buenos Aires, 2017). En narrativa: La muerte y su conversación (cuentos, 2007).

"Esperando al Rey de España" es un diario amoroso, que alberga un concienzudo análisis de los sentimientos: es, pues, intimidad revelada, angustia sacada a la luz. EDUARDO MOGA "Como probablemente sepan, en la mayoría de los cuentos de hadas europeos el Rey de España se presentaba como el monarca más rico de todos y, por lo tanto, era siempre el prometido de alguna bella heroína o princesa. Cuando decidí titular así el libro, tenía en mente el hecho de que la cultura de entonces nos prometía a las mujeres las recompensas de los cuentos de hadas y cómo /.../ vivíamos muy activamente mientras esperábamos aquellas retribuciones. Y no es eso lo que la mayoría de nosotras estamos haciendo en 2022, me parece". DIANE WAKOSKI l peligro de ocultar la opresión femenina como una realidad social, en favor de "políticas subjetivas" de identidad de género. Esta tendencia se refleja en el ámbito legal, comprometiendo el sentido de leyes contra la discriminación por sexo u orientación sexual. Al exponer las conexiones con el transhumanismo, ideología prometeica que augura la intervención total en la condición

Emilio Gavilanes, narrador en breve y en largo, y también poeta: poeta de la concentración, de la pureza, de la intensidad, de la naturaleza y del asombro. Andrés Trapiello.

Pienso una cosa y digo otra.Pienso una cosa y digo otra. Casi parecen lo mismo. José Mª Cumbreño (Cáceres 1972) ha sido premio de poesía Alegría/José Hierro y de Narrativa Breve Generación del 27.

Un libro que respira autenticidad y es sintetizador, desde la forma inflexible de hallarse, el que observa, en el centro mismo, concentrando de paso una sabiduría eidética que devuelve al futuro el poso de lo cierto, pero también la incertidumbre en el envés del significado.

Diego ha bebido y vivido la poesía desde la cuna y tuvo su primer maestro en su padre, Diego Medina Martín, por eso la vecindad de sus versos es su propia compañía, su esencia. Y su determinación, contar todo cuanto es verdad, lo que resulta hoy absolutamente moderno.

A lo largo de todos estos años, más de diez, el libro y mi percepción han cambiado, pero he sentido la necesidad de mantenerme fiel a aquel impulso que me transformó y a la forma que encontré para representarlo. Entonces y ahora, descubro en él un deseo de subvertir las cosas y las palabras, de inventar otro lenguaje, de construir otra mirada y otra escucha, y de ver qué sucede al hacerlo. Óscar Curieses (Madrid, 2022)

Estábamos a punto de irnos cuando el logos helénico reconoció de lejos al logos africano y echaron a correr para abrazarse. La sacudida fundó una plaza donde el aire nos reunía, silbando esa canción por escribir. Con arreglo a la vigente normativa, las instituciones están diseñadas para resistir noventa y nueve de cada cien incidentes. Sus estructuras son flexibles, vibran, se deforman como un rascacielos en pleno seísmo. ¿Te acuerdas de la última ocasión? La gente seguía el ritmo de una música que cambiaba al ritmo de sus pasos, cuestión que los agentes optaron por zanjar escupiendo sus chicles en la plaza. Nuestros zapatos son ahora parte de la plaza. Pero di algo, toca algo. Haz que se muevan. ¿Y tú, en qué estás pensando? Me pidieron que escribiera poemas amorosos y aquí los tienes: esto es mi amor. «La sacudida», de Erika Martínez Erika Martínez (1979) es doctora en Filología Hispánica y licenciada en Teoría de la Literatura. Ha publicado cinco libros en la editorial Pre-Textos. Color carne (2009) obtuvo el I Premio de Poesía Joven Radio Nacional de España. El falso techo (2013) fue traducido al italiano por la editorial Ensamble Edizioni (2018). Chocar con algo (2017) ha sido traducido al alemán por la editorial Hochroth Heidelberg (2022). Además, ha sido incluida en diversas antologías, entre las que destacan Centros de gravedad. Poesía española en el siglo XXI (Pre-Textos, 2018) o El canon abierto. Última poesía en español (Visor, 2015). Como aforista, ha publicado Lenguaraz (Pre-Textos, 2011) y ha sido incluida en Pensar por lo breve (Trea, 2013), Bajo el signo de Atenea (Renacimiento, 2017) o Fuegos de palabras (Vandalia, 2018). Actualmente es profesora de literatura latinoamericana en la Universidad de Granada.

Bajo la apariencia de una panorámica de la joven poesía norteamericana actual, este libro es en realidad un monumental caballo de Troya destinado a marcar una época. Tenemos a trece poetas estadounidenses nacidos entre 1976 y 1994. Poetas ignotos, como revelaría una breve batida por Internet. A lo largo del libro los encontraremos antologados en su lengua original y traducidos al español por E. Z., quien también entrevista a cada poeta guardando cierta distancia burocrática. Todo ello conforma una «novela tenue» —en palabras del autor— y espectral, fantasma de una nación poética que se trenza por obra y arte del juego en una sola, abigarrada y deslumbrante intimidad. Antología novelada o falso documental, hijo del pudor o del exhibicionismo, el dispositivo que Zaidenwerg despliega en este libro urde una potente reflexión en torno a autoría, tradición y traducción, pero es sobre todo una confesión que se lee como un manifiesto, a un tiempo enmienda general, bomba lapa y carta de amor a la poesía contemporánea. Una coedición de Kriller71 y Fulgencio Pimentel. «Esta no es una «novela de poeta» más, sino una novela de poemas». —Hernán Bravo Varela «Me pregunto si acaso la literatura de un país sólo existe como tal en su traducción». —Luis Felipe Fabre «Es sabido que toda selección proyecta, en negativo, la imagen de su antólogo». —Ezequiel Zaidenwerg «Otro tema que atraviesa el libro es la tradición, es decir la traducción, es decir la traición (…). Hay muchas otras sugerencias de lectura que 50 estados me produce. Y eso es quizá lo que más agradezco a Zaidenwerg: recordarme a cada salto de página la tremenda cantidad de energía creativa que uno es capaz de liberar al momento de leer. “La novela soy yo”». —Julián Herbert

Es una la muerte y a la vez es siempre otra, siempre nueva y distinta. En Dios en la ría hay dos muertes, una demoledora, inasumible desorden de lo existente, a la que sigue un duelo inarticulado, sin lenguaje, y otra sorprendentemente unificadora, como la llamada del amor. Solo la intuición poética permite atisbar lo que no se ve de frente, solo a través de la poesía puede expresarse lo inefable. Dios en la ría pone en palabras una lucha terrible, pero también emocionante y bella, por la armonía: por la vida.las estrellas. Se detiene para darle nombre a lo que se quiebra a diario en el susurro del mundo, aun cuando ha pasado, aun cuando se ha quebrado en trizas de viento seco.s» conforman una doble lectura: la más expositiva y salmódica y la que se esboza apenas desnuda y sobria.tional, universalist project of emancipation, "cutting across race, ability, economic standing, and geographical position."esarrolla nuevos principios existenciales y políticos al tiempo que transforma nuestra comprensión de la vida espiritual. Su crítica a la religión nos lleva al corazón de lo que significa llorar a nuestros seres

Después de Para no hablar sola (Renacimiento, 2015), Desde mi punto de fuga es el segundo libro de poemas de la trilogía titulada A los 50, de Chelín Alcayde. En esta segunda entrega, la autora reconstruye palabra a palabra una casa desde sus cimientos, metáfora de la transformación de una persona que llegada a la edad madura –podría ser cualquier edad–, toma conciencia de ese momento como un punto de inflexión en su vida. Un nuevo comienzo donde coinciden tiempo y espacio, experiencia y asombro. Paralelamente, casa y persona sufren la misma transformación de manera sincrónica. En esta misma coincidencia reside lo que Chelín Alcayde nombra su punto de fuga.

Local de ensayo es un poemario sobre la poesía, lo que quiere decir que tiene en el centro de su creación la propia actividad literaria, escudriñando hasta en sus últimos detalles la pulsión poética que hace posible la creación de un mundo propio y autónomo, lleno de imágenes sorprendentes e impactantes que crujen en el estómago del lector. Se trata de un libro que mira hacia dentro, que se retuerce de forma metaliteraria en un intento desesperado por delimitar el enigma mismo de la creación poética, que trata de certificar cómo nace el impulso creador a partir del vacío, desde el fracaso cotidiano del propio lenguaje, incapaz de designar a las cosas y dar forma verbal al complejo mundo de los sentimientos. 10