Juan Felipe Herrera escribe lo que puede ser considerado como un manifesto metapoético chicano comprometido, posmoderno, transnacional, y por su significancia, lo cito en su totalidad (en forma de verso y no en prosa poética como aparece originalmente): Escribo por la paz. Escribo para para todos los seres humanos. Escribo para acabar con el sufrimiento. Escribo para meditar sobre el infinito sin intentarlo. Escribo por la pura ilusión que me da el todo. Escribo para activar la vida de mis ancestros en el presente. Escribo para tocar corazones y curar corazones. Escribo para tejer amistades alrededor del mundo. Escribo para probar la libertad. Escribo para liberar los lenguajes de las comunidades de abajo. Escribo para pintar murales y retratos y paisajes con electricidad. Escribo por aquéllos que no pueden escribir. Escribo para poder perforar un hoyo en la cultura fosilizada y que se libera a sí misma hasta deslizarse dentro de la boca-volcán de la creación. Escribo para ponerme en tus zapatos. Escribo para que el espíritu de mi madre me regañe y me diga que deje de hablarme a mí mismo. Escribo para poder dejar de escribiry ser (Juan Felipe Herrera, contraportada, Los vampiros de Whittier Boulevard)

Primera antología bilingüe del autor británico. La selección abarca desde su primer libro, The Relation Ship (Cape Goliard Press, 1966) hasta su más reciente, Let Baby Fall (Critical Documents, 2008). En sus primeros poemas deja entrever su preocupación por los juegos de palabras, por la singularidad de las palabras mismas al pronunciarlas o al plasmarlas en papel. Sus poemas más tardíos desarrollan aún más este extrañamiento. Esta antología es una colaboración entre el autor y la traductora, que mantiene la extrañeza, parataxis y falta de gramática (o gramática inventada) en las versiones en castellano.

Este libro es una selección de aquellos poemas escritos por Emily Dickinson sobre el tema de la muerte.. ´En la obra de Dickinson hay una modernidad tan radicalmente alejada de sus contemporáneos que sus mejores poemas parecen flechas lanzadas hacia nuest

La desgarradora tristeza Leopardi (1798-1837), su hondo y total pesimismo no tienen nada de afectación ni de postura. Hay que seguir paso a paso el, doloroso calvario de la vida del gran escritor para comprender esa amargura, ese disgusto de la existencia, ese taedíum vitae que es como el fondo mismo de su trágica filosofía, la que, por contradicción milagrosa, lejos de deprimir nuestro espíritu, nos vivifica y nos exalta. Miguel Romero Martínez

PARA el estudio del alma leopardiana tienen especial importancia sus Pensamientos, una verdadera enciclopedia de meditaciones más o menos filosóficas y literarias, de anotaciones filológicas, de historia, etc., que el poeta escribió para sí. En ella está el fruto de sus soliloquios, desde las observaciones íntimas y poéticas hasta los razonamientos puros y fríos del hombre objetivo. De sus páginas hemos extraído estas otras que publicamos bajo el título de Mi vida sin esperanza, y a las que hemos agregado la «Carta dedicatoria a los amigos de Toscana», que figura en la edición florentina de los Cantos, y la «Despedida de Tristán al amigo», extraída de las Pequeñas obras morales. A través de este volumen, seguimos la metamorfosis del poeta que desde las dulces y serenas ilusiones del primer amor cae en el terrible anonadamiento de su melancolía. Y seguimos también la evolución de su estilo y de su agudo espíritu analítico que será, sin duda, la cruz de su vida. No ya como literato puro, sino como hombre, adherido a la vida y a la naturaleza, como filósofo, crítico y político, Leopardi es siempre poeta, imprime sentido y expresión poética a todo lo que escribe. Aun lo que nos repugna y entristece, como la muerte, el dolor y la desesperanza, se filtra suavemente en nosotros con la serena y delicada fruición de su arte. GIACOMO LEOPARDI (Recanati, 1798-Nápoles, 1837) es el más celebrado poeta del Ottocento italiano y por su pensamiento una de las figuras más relevantes de la Europa de su tiempo. Tuvo una infancia poco común, debido a su siempre frágil estado de salud y a la educación conservadora a la que estuvo sometido. Por eso, desde niño se propuso estudiar solo. A los trece años ya componía versos y logró dar fin a una tragedia: Pompeyo en Egipto. A los quince, enclaustrado en la biblioteca de su padre, estudió y aprendió latín, griego y hebreo a la perfección. Muy pronto hizo acopio de una extraordinaria erudición filosófica que concretó en traducciones y otros trabajos. Publicó su obra poética entre los años 1824 y 1831, hoy conocida bajo el título genérico de Cantos.

ENTRE todos los poetas modernos, Charles-Pierre Baudelaire (París, 1821-1867) ocupa un lugar privilegiado. Es quien mejor ha sobrevivido a su tiempo y quien mayor influencia ha ejercido sobre la poesía posterior. Más allá de los indiscutibles valores éticos, estéticos y metafísicos, que ostenta en alto grado, Baudelaire consiguió imprimir un giro copernicano a la añeja actividad poética, acercando el escenario del arte al teatro de la vida. Su único libro de poemas, Les fleurs du mal, y su réplica en forma de poemas en prosa, Le spleen de Paris, que ahora presentamos a los lectores en nueva y acendrada versión, plasmaron literariamente ese cambio. El mundo de las grandes ciudades, el de los Tableaux parisiens, se convierte aquí en la preocupación dominante del poeta maldito, que nos legó algunos de los pensamientos más hondos y sugerentes sobre el mundo moderno. Después de las numerosas aportaciones poéticas y literarias de Baudelaire, ni la realidad representable, ni el sujeto creador, ni la obra creada, ni siquiera el lector de poesía, volverían a ser los mismos de antes.

Paul Verlaine (Metz, 1896), el «padre y maestro mágico, liróforo celeste» invocado por Rubén Darío con toda admiración y un algo de sorna, fue y sigue siendo el poeta más representativo del simbolismo francés. Hijo de un oficial de la Armada y de una joven de familia terrateniente, estudió en París y empezó a escribir versos, como casi todos los poetas, desde muy joven. Su primer libro, Poemas saturnianos, nos lo muestra bajo la influencia bifronte de Baudelaire, el primero de los modernos, y la de los ya un tanto ajados poetas de El Parnaso. A Verlaine se le recuerda hoy casi más por su tormentosa vida (su relación con Rimbaud, incluyendo un disparo en plena calle y dos años de cárcel, sus crisis religiosas y sus crisis alcohólicas, sus días de negra miseria y su dorado nombramiento casi final, dos años antes de su muerte, de «Príncipe de los poetas») que por los poemas que escribió, pero fue poeta, un magnífico poeta, de amplia influencia sobre los poetas que le siguieron y buena parte de su obra es aún mucho más que historia y arqueología y puede seguir leyéndose con gusto. En España fue el determinante de la gran aportación traída por Darío a la poesía castellana y en los años veinte llegaron a publicarse una docena de sus principales obras traducidas por buenos poetas del momento como Mauricio Bacarisse, Enrique Díez-Canedo, Emilio Carrere, Guillermo de Torre y Eliodoro Puche. Fiestas galantes (1869) es el segundo, y uno de los mejores, de sus libros, que rescatamos en la casi desconocida versión del gran Manuel Machado, uno de los grandes admiradores de Verlaine. Incluye una presentación de Miguel d'Ors, especialista en la vida y la obra poética de Manuel Machado.

La poesía de Claudio Rodríguez es un milagro del equilibrio: halla su mejor decir a medio camino entre lo lírico y lo narrativo; sabe sostenerse sobre la delgada línea que separa lo racional de lo irracional; participa del aliento más alto y se nos manifiesta terrestre, casi campesina; hace canto de lo coloquial y lleva la voz de los clásicos hasta su propio instrumento para reinventarla. En su entonación andan juntas la hondura de Quevedo y la gracia aleve de Garcilaso; el misterio de san Juan y el desgarro de Manrique. Su verso nunca nos convence, nos doblega; ni siquiera nos seduce, nos enamora, nos arrebata, sentimos al leerlo la misma gratitud que cuando contemplamos cuajarse en el horizonte, siempre por estrenar, siempre nacida de sí misma, la luz de una nueva amanecida.

Luis Cernuda (Sevilla, 1902-México, 1963) es uno de los nombres fundamentales de la lírica española del siglo XX. En los once libros que integran su poesía podemos comprobar el rigor y la exigencia con los que Cernuda fue construyendo un mundo personal cuyo eje es el conflicto entre La Realidad y el Deseo, y este es el acertado título que dio a su obra. A su alrededor, temas recurrentes como el amor, sentimiento de libertad y rebeldía; la fuerza del deseo como fuente de la creación; la naturaleza como búsqueda del paraíso perdido; la reflexión sobre el paso del tiempo; el compromiso con valores éticos fundamentales; la experiencia decisiva del exilio... Todo ello convierte a esta "biografía espiritual" (como la definió Octavio Paz) en uno de los libros esenciales de la historia de la poesía española.

Esta edición de La realidad y el deseo es facsímil de la que salió en 1936 de los talleres de Manuel Altolaguirre para Ediciones del Árbol. Se trata de una reproducción fiel al original, pues el especial cuidado del malagueño por la tipografía la merece. La realidad y el deseo es el relato de una constante búsqueda de una existencia ideal de perfecta unidad entre él y el mundo, entre el conflicto subjetivo y las dimensiones objetivas de la vida. Puesto que Cernuda experimentó una profunda sensación de alienación en la sociedad en que él vivía, el sentimiento para llevar a cabo la separación entre él y el mundo frecuentemente llegó a convertirse en un deseo de buscar un refugio privado. Pero estos intentos de evasión tropezaron con el inevitable fracaso y en cada sucesiva desilusión fue capaz de aprender de su experiencia hasta que llegó a ver que el ideal que él perseguía era el reflejo de un deseo de su autoafirmación y de una esperanza de validarse a sí mismo. Así, una y otra dimensión se funden en una aspiración de retorno hasta el mundo original: el deseo de consumar la unidad esencial con el mundo cifrada en la unión con su imagen de adolescente, elevada a la categoría de instancia semidivina, fruto del tema siempre presente de su narcisismo. Desde esta perspectiva, La realidad y el deseo es la búsqueda de una verdad personal.

EMILIO ROSALES (Jerez, 1960) ha publicado con anterioridad dos libros de poemas, Tierra adentro (1999) y El libro de las transformaciones (2004), además de algunos ensayos entre los que destacan Las palabras perdidas (1992) y Últimos viajes y aventuras (2002).

William Blake (Londres, 1757-1827) fue un poeta, pintor y grabador inglés. Poco apreciado en vida e incluso a menudo tenido por loco, su obra ha ido revalorizándose con el paso de los años hasta convertirse en una las más reconocidas y representativas de toda la cultura inglesa. Blake fue un místico un tanto heterodoxo a la sombra de Swedenborg. Admirador de Shakespeare, Dante y Milton, su poesía, libérrima y visionaria, resulta del todo sorprendente para su tiempo y preludia los nuevos aires estéticos que traerá el Romanticismo. Xavier de Villaurrutia, el traductor de El matrimonio del cielo y del infierno perteneció al influyente grupo de "Contemporáneos" y es uno de los más importantes poetas mexicanos del siglo XX.