«No existe un yo. No existen diez yo. No existe el yo. YO es tan sólo una posición de equilibrio. (Una entre mil otras continuamente posibles y siempre dispuestas.) Una media de "yo", un movimiento de masas. En nombre de muchos firmo este libro.» El inconformismo radical y la infinita curiosidad de Henri Michaux lo llevaron a aventurarse como pocos en los confines de la experiencia humana y a traducir esas exploraciones en una intensa búsqueda de los límites expresivos del lenguaje poético. Sin embargo, Henri Michaux no goza todavía de mucho predicamento en nuestro país, a pesar de contar con admiradores tan célebres como Octavio Paz y Jorge Luis Borges, quien tradujo una obra suya. Su escritura se caracteriza por el relieve y los rasgos peculiares que adquieren el cuerpo y las funciones físicas, la rebelión contra el conformismo burgués -que trasciende la crítica social o política para socavar los mismos cimientos del pensamiento occidental-, así como por la presencia constante de los viajes a través del mundo conocido y de otras tierras extrañamente semejantes a la nuestra, pobladas por plantas y seres monstruosos o maravillosos que comparten nuestras mismas aficiones y pasiones, pero que proceden de la imaginación del escritor. La noche se agita y Plume precedido por Lejano interior son dos de sus obras más representativas, indispensables para apreciar el espíritu de Michaux en esa conjunción de agresividad y humor, harto sombrío, que desdramatiza la desgarradora soledad e indefensión humanas. De ahí surge ese perfecto antihéroe, comparado a veces con Charlot, que es Plume.

Poemario lleno de experiencias, de fantasías, de verdades, de luces y de sombras, en una voz diferente, con un preclaro acento y unas imágenes que la hacen única, además de un referente para todos los que se dedican o quieren convertir la palabra en verso. Una de las voces femeninas más interesantes dentro del panorama poético actual, nos permite vislumbrar una mujer de gesto amable y corazón incendiado por los deseos de la carne y de la razón. Así funde la poeta, misterio, desolación y belleza en una misma caja. Su poesía delata una base intelectual que adolece de artificios y recovecos inexpugnables, pero que posee la complejidad de lo aparentemente sencillo, de lo exquisito, de la exactitud con la que maneja lengua y estilo. Lo que más llama la atención es la capacidad de regeneración que sus versos nos muestran en "Alcoba del agua", donde elabora su propio laberinto de seducciones y dolor. Construye un mundo donde lo clásico y lo actual van de la mano, pasando por su particular filtro y donde el amor es, ante todo, pasión. Leer a Pepa Parra es adentrarse en un universo en el que priman las sensaciones intensas que sacuden desde dentro, y nos dejan en herencia el sabor de la melancolía, el dolor, pero también el haber amado y disfrutado.

Publicado en 1934 y considerado uno de los poemas más profundos e indispensables de Estados Unidos, El puente refleja una realidad inabarcable por compleja, la realidad de una América emblema de lo moderno, y lo hace con una técnica igualmente múltiple y fragmentada, mediante un lenguaje torrencial, anacrónico y compulsivo, de gran complejidad sintáctica y morfológica, salpicado de elipsis y expresiones de doble sentido, con un tono ciertamente extenuante. El puente quiso ser una mística síntesis de Estados Unidos, en que la historia y los hechos se transfigurasen en una forma abstracta que operase de una manera independiente del tema. Como señala Agustí Bartra, constituye un símbolo resplandeciente que expresa las contradicciones del poeta, coincidentes con el momento de crisis de su país y de los años posteriores a la primera guerra mundial. Crane, heredero de Whitman en un tiempo y un país que este no habría reconocido ni aceptado, halló su gran metáfora en el puente de Brooklyn, del que dice: «sólo en la oscuridad tu sombra es clara».

Edición de Sabina de la Cruz. Prólogo de Mario Hernández. Hojas de Madrid con La galerna colección mítica que el poeta dejó inédita a su muerte, sale hoy a la luz con 306 poemas, de los que 161 habían permanecido rigurosamente inéditos. La edición ha sido fijada por Sabina de la Cruz, el gran amor de la etapa final del poeta, depositaria de sus papeles y su mejor estudiosa. El libro, escrito entre 1968 y 1977, adopta a veces un aire informal de diario, con eco de los grandes acontecimientos de la época, como la guerra de Vietnam, la Revolución cubana o el levantamiento estudiantil de París, sin descuidar por ello el refl ejo de un variadísimo entorno cotidiano y la íntima meditación sobre el ser del hombre.

Tarde o temprano recoge los catorce poemarios publicados por el autor a lo largo de más de cincuenta años dedicados a la poesía. Desde el primer libro, Los elementos de la noche (1958-1962), en el que se perciben ecos del simbolismo, hasta los poemas en prosa del más reciente, La edad de las tinieblas (2009), el poeta recorre un largo camino en el que va desprendiéndose de lo accesorio en busca de una mayor pureza y originalidad, un trayecto en el que sin duda el tercer libro, No me preguntes cómo pasa el tiempo (1964-1968), marca un punto de inflexión no sólo por su desnudez y su apertura a lo coloquial, sino también por su carga social y moral. La perduración del instante, la meditación sobre el pasado y el fluir del tiempo, la preocupación por el sufrimiento, el testimonio de la frágil historia personal enfrentada a la terrible Gran Historia, se expresan a lo largo de su obra con un estilo conversacional y antirretórico en ocasiones, pero también en monólogos dramáticos o epigramas, en invectivas satíricas o elegías por un mundo que desaparece, en haikús o en largos poemas narrativos. En todas esas formas brilla un poeta extraordinario. Como dijo Carlos Monsiváis de él,«en su poesía Pacheco ajusta sus dones melancólicos, su pesimismo que es resistencia al autoengaño, su fijación del sitio de la crueldad en el mundo, su poderío aforístico, su amor por el sonido del idioma... Pacheco no duda: lo que le importa es el diálogo entre autores y lectores, la actitud democrática del yo poético».

Por supuesto, ser letrista de canciones no presupone ser poeta. Sin embargo, no es este el caso del líder de los Doors, que después de componer y grabar una de las obras más importantes en la historia de la música rock -"L.A. Woman"- renunció a los favores de la gloria y eligió el 'viaje tranquilo' para imponerse como escritor. Antes de que la muerte le poseyera en julio de 1971 en París, donde se había traslado definitivamente para preparar su obra literaria, JIM MORRISON ya había visto publicados tres libros de poemas: Las nuevas criaturas (1968), Los señores (1969) y Una oración americana (1970) -este último también publicado en disco e incluido en el libro Canciones de Jim Morrison (número 80 de esta misma colección). Sus textos visuales e hipnóticos, místicos y groseros, impregnados de alucinaciones verbales donde la palabra estalla en miles de destellos, revelan a un poet; densamente amoral y trágico, sublime y filosófico, dionisiaco, cuya alma atormentada alberga sombras de Blake, Nietzche, Freud y Poe, o la maldición de los poetas franceses más evidentes: Verlaine, Apollinaire, Baudelaire y, sobre todo, Rimbaud. Bestiario mitológio-personal de CHAMÁN JIM. La antología se completa con Desierto (número 163 de esta misma colección), un segundo poemario de MORRISON que recoge el resto de su producción.

Desde la aparición de sus primeros poemarios, la obra de Ewa Lipska, que se nutre de un combativo espíritu de protesta frente a la injusticia, que vindica la necesidad que para el verdadero poeta tiene saber anclar su devenir personal en los prosaicos afanes e inquietudes de sus coetáneos y que defiende la importancia de la experimentación lingüística para la consecución de una voz poética genuina y al mismo tiempo sincera, lleva deleitando (y haciendo reflexionar) al sorprendido lector más de cuarenta años. Con el transcurso del tiempo, en sus versos ha ido ganando peso una irónica reflexión acerca de las sempiternas cuestiones del objeto último de la existencia humana y del sentido de la muerte. Enfrentados desde la estoica distancia que proporciona esa amable ironía, pero también desde la equívoca proximidad que procuran las abundantes metáforas que caracterizan su lenguaje literario (metáforas complejas, que bosquejan casi siempre un espacio onírico, en ocasiones surrealista), tales interrogantes aparecen transmutados en las lacerantes heridas que inflige, y en las dolorosas carencias de que adolece, nuestro mundo moderno, deshumanizado y deshumanizador, en el que sólo la imaginación y el arte parecen erigirse en vías de escape de una realidad plagada de peligros y de sufrimiento. Los dos poemarios que en esta edición se presentan al lector español, en edición bilingüe, constituyen el logrado exponente de una de las etapas más importantes de este lúcido peregrinaje en que se halla embarcada la autora polaca. En estos versos el tiempo parece erigirse en el mecanismo que da cuerda a la existencia, arrancando al ser humano del mundo ya fenecido del pasado, cristalizado en su memoria, para arrojarlo a un futuro incierto del que se siente cada vez más excluido. Al mismo tiempo, el velo mistérico de la palabra poética se levanta en ellos para permitirnos entrever la genuina esencia de una realidad despojada demasiadas veces de todo atisbo de trascendencia, pero que, sin embargo, merece siempre la pena ser vivida.

Premio de la Academia Castellano-Leonesa de la Poesía 1999 para Jóvenes Creadores. Raúl Vacas Polo (1971) es pequeño y peludo y se diría casi todo de algodón (50%). Ha viajado por toda la "geografía del beso" y estuvo "once meses sin llorar". Su "declaración de la renta" es de amor y su "soledad de maniquí", si bien sus "dedos son de la talla de tu piel". Le gustan los "finales con adverbio", corregir sus "poemas con típex", "radiografiar la tarde", la "poesía y etcétera..."

"... He buscado, más que a los poetas, aquellos poemas que vertieran luz sobre el propósito del libro, componer un gran mosaico del complejo e intenso mundo que rodea este territorio, en ocasiones salvaje y siempre extremo, auténtico paradigma de la globalización que padecemos. Estos poemas pueden leerse como un sólo y poliédrico paisaje, una mirada conjunta y plural sobre la turbadora, y nunca exacta, medida de las cosas, un territorio tan sublime como a veces cruel con sus pobladores. Es al mismo tiempo un testimonio de los paisajes humanos y físicos que lo dibujan, y una crónica íntima y emocional de cuantos hombres y mujeres transitan por sus encrucijadas."

hasta esta noche yo nunca me había puesto la ropa de una muerta ¿qué harías si no tuvieses miedo? escucha mi corazón atentamente creo que te está diciendo algo un alfabeto de cicatrices.

Hijo y hermano de pintores, perteneciente a la minoría protestante de su patria representada por la Iglesia de Irlanda, William Butler Yeats (1865-1939) abrazó durante un tiempo la causa del nacionalismo irlandés y, en raro maridaje, unió a sus preocupaciones por la mitología de su país la inclinación por otras imaginerías y mitos, antiguos pero remodelados a su antojo, que llevó a la intrincada multiplicidad de temas y sentidos por la que se caracteriza su extensa obra. En él, como escribió Luis Cernuda, nos hallamos en presencia de un gran poeta. "Y no sólo de un gran poeta, sino de un hombre excepcional cuya actividad, tanto en la vida como en la poesía, resulta ejemplar y puede por lo tanto, y debe, ser guía para otros." Yeats, proteico y en continua evolución, ofrece una obra coherente y tan variada como única: lo popular y lo elevado, lo íntimo y lo colectivo, lo sobrenatural y lo político, las raíces y la mirada al futuro, lo atemporal y la historia se unen en esas espirales que el poeta integró en su cosmovisión. La traducción que aquí se presenta es el resultado de muchos años de trabajo y también -esperamos que el lector pueda apreciarlo- de una intensidad de esfuerzo que el mero transcurso temporal es incapaz de medir. Nunca hasta la fecha se había abordado la traducción completa de la poesía de Yeats a nuestra lengua.