RAÚL ZURITA (Santiago de Chile, 1950) se ciñe a la gran tradición poética chilena desde la publicación de sus primeros libros Purgarorio (1979) y Anteparaíso (1982). Su obra, traducida a cerca de una decena de idiomas, es reconocida como una de las más sólidas y fascinantes de la literatura contemporánea. INRI, un canto para la permanencia y el memorial de lo que se desvanece ante un acto de crueldad. La poesía de Raúl Zurita parte de la cicatriz, de la entraña; es una guerza de impacto, una suerte de golpe solar vertido en palabras, en actos poéticos. Este desbordamiento interior, esta herida, se extiende en el poeta chileno más allá del papel, hasta las cordilleras, hasta la vastedad del cielo; como si ese sentir no cupiera en un solo cuerpo y tuviera que abrirse ilimitadamente. En el año 2020 ha sido galardonado con el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana.

P IEDAD Bonnett (Amalfi, Antioquía, 1951), una de las voces más representativas de la poesía colombiana actual, deja ver en Explicaciones no pedidas, libro merecedor del Premio de poesía americana Casa de América 2011, algunas de las condiciones ya reconocidas en sus anteriores libros: contención expresiva, fuerza, sutileza, ironía. A veces con palabra descarnada, a veces con humor, Bonnett toca temas como la costumbre, la memoria, la insatisfacción, los sueños, el amor. De ella escribió José Watanabe: ¿Preguntará la poesía qué hicimos con ella cuando nos visitaba? Piedad Bonnett, que tan sabiamente se mueve en el justo límite de su propuesta, que no va inútilmente más allá del material que desde un inicio aparece en su poderosa intuición poética, que “no abusa del lector” encubriendo con artificios y manierismos ideas inconsistentes, que mantiene la transparencia de su palabra emocionada lejos de las estridencias, hace tiempo que tiene una respuesta. Dirá, junto con la gran poeta norteamericana Marianne Moore, que la poesía encontró “un lugar para lo genuino”.

MARK STRAND (1934-2014), estadounidense, nacido en Canadá, poeta, traductor, ensayista, pintor. El libro La vida continua es el décimo de los dieciocho libros de poesía que escribió su autor. El asunto central de esta obra no es sino la vida. Lo son los incidentes y la continuidad de la vida, el futuro y pasado de esta, su extinción y la vida antes de la vida. Pero un libro de poesía no es un tratado ni una reflexión de índole teórica, aunque suponga ambos. El asunto central de La vida continua es la vida, sí, pero ese es solo uno de los elementos que integran una obra de arte; y un libro de poesía es, de forma eminente, la expresión de una voluntad artística. Los incidentes y continuidad de la vida, el futuro y pasado de esta aparecen en este libro para integrarse en una disposición que a través del arte objetiva reflexiones, escenas y escenarios, intuiciones, anécdotas, argumentos, recuerdos... todo lo que capta la atención de alguien que organiza su experiencia en torno a un asunto concreto mediante los recursos formales de la poesía

Este libro reúne los mejores poemas de amor de Mario Benedetti. Mucho de ellos están a flor de labio en la gente, que los recuerda de memoria o los tiene en mente a la hora de garabatear un verso; otros se han convertido en canciones y hasta en graffittis. Pocos poetas han logrado establecer semejante lazo con el público, saltar las barreras que suelen separar el arte de la vida y decir, con una voz original, aquello que es patrimonio de todos. Su popularidad es sólo comparable a la de Pablo Neruda, Federico García Lorca o Antonio Machado. La poesía de Benedetti renueva el lenguaje de los sentimientos y demuestra que el amor, esa fuerza emblemática de la vida que encarnan las mujeres, es el único elemento que sirve para enfrentar a la muerte. Selección y prólogo del autor.

Una autora que se reivindica, fundamentalmente, poeta. La recuperación —con una reescritura profunda, casi un texto nuevo— del libro de poemas que funciona, en cierto modo, como semilla de La mala costumbre. En esta habitación viven Safo y Erina, Sylvia Plath, Adrienne Rich, y viven también mujeres encarnadas en mito —Ofelia la hermana, Gorgona con su poder como castigo— que construyen la realidad, y otras que existieron tanto como las de la imaginación, y que quizá no tengan nombre todavía, pero sí poseen historias. Y vive una misma buscándose, encontrándose múltiple y diversa, «la habitación de una mujer ahogada antes de nacer cuyo espíritu aún no ha dicho la última palabra».Alana S. Portero propone en La habitación de las ahogadas una cosmogonía de las mujeres que fueron para que nosotras fuésemos, una conversación con sus voces y con sus significados, y desde ella traza un espacio simbólico que libera cuando propio, y encierra cuando ajeno. Estos poemas visionarios reclaman «su legítimo lugar en la tormenta», hablan sobre la identidad, y despliegan una escritura de finísimo poderío lírico, furiosa y extática, que apuesta por la belleza como celebración y refugio.Esta edición de La habitación de las ahogadas presenta la reescritura profunda —casi un texto nuevo— de un libro de poemas que reivindica la trayectoria literaria de Alana S. Portero. Una mirada poética que se nutre de la tradición clásica, que la aprende y que la afronta, y desde ella —con ella— cuenta y canta.

Luz Gómez, arabista y estudiosa del gran poeta palestino Mahmud Darwish (1941-2008), nos ofrece en este volumen una antología personal que abarca el conjunto de su obra y privilegia los poemas de tono más filosófico, meditativo y culturalista. Se incluyen seis poemas traducidos específicamente para esta edición -tres de ellos de su libro póstumo-, entre los que destacan dos importantes poemas extensos: 'Enamorado de Palestina' y 'Sirhán se toma un café en el bar'.

El mecanismo mudo, de Marcelo Morales La cita de José Martí “Y crece en mi cuerpo el mundo” que el poeta cubano Marcelo Morales utiliza ya al final de este “Mecanismo mudo” esclarece la naturaleza sobrecogedora de este libro de gran raudal. Una corriente de lenguaje de ida y vuelta entre la tradición cubana y la norteamericana. Una visión hibrida de la poesía llena de fuerza expresiva. Lenguaje que arrasa la realidad, que la deconstruye para volver a levantarla desde la visión cósmica de este poeta. Una respiración fuerte, ácida, de un hondo vitalismo pesimista. Marcelo Morales, al igual que las grandes voces de la poesía americana, en la mejor tradición, desde Whitman a Zurita, pasando por la alucinación del lenguaje de un Ashbery, no renuncia al canto telúrico de una realidad que se desmorona, y se nutre a la vez de ese desmoronamiento. La realidad que pasa por los ojos del poeta, sale por su boca en un canto alucinado. El “Mecanismo Mudo” de Marcelo Morales, tiene el ritmo de las crecidas fluviales, lo que arrastra esta alucinación de lenguaje desesperado, va dejándolo en los márgenes de c

Amazonas en llamas traza un mapa en primera persona que, lejos de pretender redefinir su lugar en el universo, convierte la vivencia de Arantza en testimonio de un cuerpo y una mente que dialogan con el cosmo de forma intima y visceral.

Juan José Téllez Rubio (Algeciras, 1958) se dio a conocer como poeta con Crónicas Urbanas, en 1979, cuando experimentaba con la estética de la contracultura. Siguieron, desde entonces, colecciones de relatos, libros de ensayos, una larga carrera periodística y textos poéticos como Medina y otras memorias, Ciudad sumergida, Bambú, Daiquiri, Trasatlántico, Las causas perdidas, Las grandes superficies, Los amores sucios y, ahora, Los últimos pieles rojas. En este último libro, reflexiona sobre la progresiva extinción de las utopías que marcaron a su generación, tanto en el ámbito político como en el sentimental.

¿Cómo se elabora una antología de poesía griega queer? ¿Por dónde empezar a inventarlo todo? ¿Cuál es la metodología adecuada? Los once poemas que componen esta antología son una suerte de respuesta a estas preguntas. Extraídos de sus respectivos poemarios publicados entre 1985 y 2024 en nueve editoriales diferentes, los poemas seleccionados han sido trasladados al español y reubicados en otro artefacto editorial, esta antología, con un orden que responde al deseo de propiciar un diálogo inédito de voces poéticas travertidas. El proyecto polifónico que hoy te asalta sigue a Audre Lorde cuando defiende que la política es una cosa seria, sí, pero la poesía lo es aún más, porque será a través de la poesía como podremos decir quiénes somos y quiénes podemos llegar a ser. Nuestras diferencias, articuladas o no, son nuestra gran oportunidad para construir un mundo más justo, más amable, más libre. Y la poesía queer está al servicio de esa revolución. María López Villalba es profesora de Traducción e Interpretación en la Universidad de Málaga desde 1995. En su faceta de traductora, ha vertido al español obras representativas de la narrativa, la poesía y el cómic de la Grecia contemporánea.

Cada viernes te jurabas que harías los deberes del fin de semana en cuanto llegaras del cole. Te lo seguiste jurando en el instituto y en la facultad y en el curro y un día sin saber cómo ha llegado el domingo por la noche.

Fiebre es la versión en español de As asuras, publicado en gallego en 2023. «Un poemario de la sed, una escritura febril, de temperatura abrasadora que hace que la lectura atraviese la cerna de los huesos, una epifanía que nos abre a la comprensión de los límites del cuerpo y el ser». Armando Requeixo. «Un único poema que podríamos llamar el particular Bloomsday de Valle, pero infernal. Un día en el infierno con paradas o estaciones marcadas por el registro horario». Oriana Méndez

Esta antología pretende acompañar al lector en un viaje por el primer cuarto del siglo xxi, en el que se ha ido configurando una de las promociones poéticas más notable de la actualidad: los poetas del Oeste. No es la antología de un crítico o de un profesor —ni siquiera la de un poeta—: es el diario de un lector de poesía. Un lector seducido por la obra de cada uno de ellos. Autores muy diferentes entre sí, lo que evidencia la inexistencia de una poética común, pero también el esplendor de este periodo lleno de interesantes nombres que, sin complejos, han recogido la antorcha encendida por sus antecesores hasta elevarla en una de las generaciones más interesantes hoy en día dentro del panorama en lengua española.

La lentitud de los bueyes, de Julio Llamazares —formado por un poema unitario dividido en veinte fragmentos— desarrolla una meditación sobre el tiempo, la soledad, el sentido de la vida y de la muerte (meditación que será también el eje de su siguiente poemario, Memoria de la nieve, aunque en este será perceptible la influencia surrealista). El ritmo lento, reiterativo, tan acorde con el tema, constituye uno de los aciertos del libro. «La memoria (de la nieve) y los recuerdos (esos bueyes que pasan con lentitud sobre ella echando vaho y vapor sobre un paisaje cada vez más desdibujado y borroso) son todo mi patrimonio poético y sobre el que se sustenta toda la arquitectura de mi literatura y de mi identidad. Por eso este libro es para mí tan importante, tan inseparable de mi condición humana, una condición humana que impregna mi imaginario y me atrevería a decir que mi misma conciencia». Del prólogo de Julio Llamazares. «La lentitud de los bueyes tiene, más allá de sus sorprendentes asociaciones verbales (característica esencialmente poética), un componente narrativo: se trata de un extraño viaje desde el recuerdo (y desde el olvido) en cuyo fondo se estabiliza la imagen de un lugar y un tiempo perdidos. Un tiempo y un lugar de desaparecida serenidad campesina». Antonio Gamoneda, Ceranda

Premio Adonáis 2017 en su 71.ª convocatoria, 'por representar con compleja sencillez y precisas dosis de ironía y de sorpresa, con gran poder evocativo y plasticidad visual, la despedida de la adolescencia', según afirmó el jurado. Ciertamente, esta es obra que expresa el desencanto y la tristeza de tener que hacerse adulto, y no porque el paso del tiempo actúe inexorablemente sobre los seres humanos, sino por el doloroso trance que supone tener que dejar atrás tantas cosas, circunstancias e individuos que fueron motivos de felicidad. Cargado de expresiones coloquiales, de intenso lirismo, directo, vivencial, muy cercano a una tradición de poesía de enorme calado biográfico, escrita desde la verdad de la vida, y en la que poeticidad y emoción se iluminan mutuamente. Alba Flores Robla (Madrid, 1992) reside en León, donde se graduó en Filología Inglesa. Imparte clases en un instituto de Educación Secundaria de Bembibre, localidad leonesa. Es miembro fundador del proyecto literario #PLATAFORMA (León, 2016). En marzo de 2017 autoeditó el poemario Tu hueco supraesternal, y en junio del mismo año publicó Autorregalo (Sevilla).

La poeta y cineasta iraní Forugh Farrojzad fue una figura muy controvertida en su época. Encarnó el espíritu de rebelión contra una sociedad, la iraní, que detrás de una aparente occidentalización seguía profundamente ligada a los dictámenes religiosos y morales de una rígida cultura patriarcal. Cinco décadas después de su trágica muerte a la edad de 32 años sigue siendo la voz más importante y revolucionaria de la literatura persa. Su obra es el testimonio de una mujer apasionada que vive en un país lleno de contradicciones, el Irán de los años 50 y 60 con el sah y la dolce vita persa, muy distinto a la teocracia que se instauraría después de la revolución islámica de 1979. Sus versos anuncian el nacimiento de una nueva mujer sin tapujos que se enfrenta a los crueles juicios morales y religiosos de la sociedad en la que vive. Tanto en su escritura como en su vida privada, desafió los estereotipos femeninos y conmocionó a la entera sociedad iraní. Su talento es inconfundible: ferozmente honesta, perspicaz y maravillosamente lírica, su trabajo se ha ganado un lugar de honor en la milenaria tradición de los ilustres poetas iraníes.