Editada en 1914, ésta es la primera obra literaria publicada en lengua inglesa que explora las posibilidades de trasladar al arte verbal la deriva hacia la autonomía que caracterizó a la pintura europea más innovadora del decenio de 1910. Aunque su publicación supuso para Stein el inicio del tipo de celebridad que suele acompañar a quien se ha propuesto un objetivo absurdo e imposible, algunos de sus coetáneos comprendieron y apoyaron el gesto iconoclasta de la autora durante los años de entreguerras.

El núcleo de la poesía de Pessoa-Caeiro es la simple, sencilla, natural, evidente existencia de las cosas, especialmente de los elementos de la naturaleza; externas a los hombres, a su intervención, iguales a ellos en autonomía. Con este primer volumen se iniciamos la publicación de una nueva edición bilingüe de la obra poética de Fernando Pessoa.

Este libro pretende ser un homenaje de un grupo de jóvenes poetas y críticos españoles a la obra de José Ángel Valente. Responde a tres impulsos complementarios: profundizar en una poesía que se halla en el centro de las preocupaciones vitales, intelectuales y estéticas de los autores; hacer balance de lo escrito y editado sobre Valente por investigadores nacidos después de 1960, y poner de manifiesto hasta qué punto la obra del literato forma parte de la tradición de la poesía actual.

Pessoa nunca cerró ni abandonó la escritura firmada por Campos, a diferencia de lo que hizo con la de Caeiro (quien, según la ficticia biografía, habría fallecido enseguida, en 1915) o la de Reis (que se habría exiliado en Brasil en 1919) o la de Soares (que se limitó al memorable Libro del desasosiego); Álvaro de Campos asumió quizá la voz más íntima y personal de Pessoa hasta los últimos días de su vida, y la falta de cierre de su obra fue el tributo que hubo de pagar por ese destino.

El dinamismo vanguardista de los poemas de Campos "se expresa en este materialismo martirológico y destructor que quiere acabar con la mirada antigua: contemplativa, teórica. Aquella que, desde la distancia, observaba el mundo como un todo y, con ello, t

Tras los dos primeros libros de Alberto Caeiro, éste el cuarto del heterónimo Álvaro de Campos, que representa el volumen VI de la obra poética de Fernando Pessoa que viene publicando ABADA Editores en edición bilingüe y anotada.

En medio del desastre, de la catástrofe del mundo, la escritura y la lectura se confunden con esa necesidad. Por eso Siempre y cuando comienza con la alusión a un episodio trágico, elíptico, de la Guerra Civil española en el sur de Extremadura: porque desde ahí, desde ese cruce desierto entre el vivir personal y colectivo, la poesía se puede aventurar a vérselas con las huellas del trauma, con la afasia, con la amnesia, con la agnosia... Así, quizá, por las heridas de la historia pasa ahora un aire no esperado, también algo parecido a un deseo de luz.

Lápidas es un libro brutal. Escrito en 1987, este texto húmedo y amarillo se inclina sobre el abismo de la existencia, ofreciéndonos toda la rotundidad y el silencio del que es capaz la palabra. Lápidas es un libro de carne y ceniza, una begonia acerada que al lector aguarda, de siempre, con su aroma a sombra y estiércol, donde dicen que la verdad brota, sí, alimentada por los despojos de razón en que sin duda el lector audaz habrá de irse convirtiendo según avance por estas páginas.

Jouve es uno de los poetas centrales de la lírica europea del siglo XX, aún muy poco traducido al español. Influido por las tradiciones místicas y esotéricas, Jouve es uno de los máximos representantes europeos de la poesía entendida como una aventura del espíritu. Murió en París en 1976. El poeta español Carlos Edmundo de Ory, que trató a Jouve en París, vuelca en estas versiones todo su saber lírico y rinde su particular homenaje a la obra del gran poeta francés.

Mallarmé abordó el proyecto poético de Herodías en octubre de 1864; el 8 de septiembre de 1898, día anterior al de su muerte, trabajaba aún en el manuscrito de Las bodas de Herodías. Así se titulaba, en un segundo planteamiento, el poema inconcluso que atraviesa prácticamente la totalidad de su vida creativa. Con veintidós años concibió la que, pensaba, iba a ser su obra absoluta; aquella cuya palabra no llevase consigo sino la sensación de la materia nombrada.

Sin ruido de palabras apuesta por la poesía de quien conoce lo que somos a través de lo que algún día seremos; por la poesía de las pequeñas revelaciones, de las visiones mínimas; por la poesía que mira de otra forma, que piensa distinto, que se abre a la diferencia. Un libro que no oculta su punto de partida: Miro a través del incienso / de las nubes prendidas. Acaso sea el aire su punto de llegada.

Los Seis poemas galegos, que García Lorca escribió entre 1932 y 1934, protagonizan este LIBRO-DISCO en el que Amancio Prada nos presenta sus nuevas composiciones con arreglos de rara belleza y sobriedad.

En Humo, Irene Gruss nos mete en su casa: en su cuerpo, en su yo poético, en su tercera persona que es siempre primera. Los poemas compuestos en verso libre, libérrimo, sugieren tanta coherencia y unidad como si fueran perfectas formas cerradas, pero personales. Es la respiración Gruss, el énfasis Gruss, el encabalgamiento Gruss, puestos al servicio de sus objetos. Condensada y enemiga de la dilatación, de la dilación, la sintaxis poética se va haciendo cada vez más compleja, dada a la repetición enfática y exitosa, y es que Gruss sabe qué hacer con la ironía tanto como con la emoción. 

Ángel González reúne en La poesía y sus circunstancias sus incursiones críticas y autocríticas, centrándose en aquellos autores que más le han interesado como lector, en los que más han influido en el desarrollo de su propia obra. Comienza con un viaje por los alrededores del Quijote, acompaña luego a La Regenta al teatro y traza una comprensiva semblanza del preterido Campoamor. Con minuciosa lucidez escribe el poeta sobre su maestro de la adolescencia, Juan Ramón Jiménez, y sobre Antonio Machado, Blas de Otero, Gabriel Celaya y Emilio Alarcos. Y también sobre el desarrollo de su obra y el áspero tiempo de guerras, dictaduras y exilios que le tocó vivir. Ángel González habla con humor y rigor de las ventajas de la ironía en la lucha contra la censura, del humor como forma de pudor, de la indesmayable fe en la capacidad de los versos para cambiar nuestra visión del mundo y, por lo tanto, para cambiar el mundo. Crítica literaria de primer orden, hecha con una enorme capacidad creadora y gran sagacidad: toda una fiesta de la inteligencia.

Cuando se cumple el décimo aniversario de su muerte, el presente volumen reúne el grueso de su obra poética, en parte inédita y en parte publicada fragmentariamente e inencontrable. En Poemas encadenados (1977-1987) se reúnen seis libros formados por poemas unidos mediante un hilo argumental (La canción de Van Horne?inédito?, El hidroavión de K, La risa de Dios, Maquillaje, La voz de Mallick y Dra), y todos los poemas sueltos escritos entre 1979 y 1986, con el colofón de uno manuscrito de enero de 1987. Tan amplia propuesta pone al alcance del lector el privilegio de la lectura inolvidable de una obra singular, vanguardista y radical. Para Ángel González, como se lee en el prólogo, Pedro Casariego era «un artista intrigante y misterioso [...] sin par en la literatura española de su tiempo», un escritor cuya «incuestionable originalidad no es algo buscado, sino un hecho que se deriva espontáneamente de una actitud ante la escritura que, en el panorama de la literatura española de finales del siglo xx, no comparte con nadie», un autor que en su afán de secreto no pudo evitar que de una «obra literaria tan insólita como compleja» emanara limpiamente la certeza de lo que real y dolorosamente fue: «ante todo poeta, un espléndido poeta».

Cúspide, desde la perspectiva de la plenitud de la edad, de la poesía amorosa nerudiana, estos Cien sonetos de amor sorprenden ante todo por el contraste entre la palpitación de la palabra y la imagen, y la deliberada elección de una desnudez que rehúye los prestigios sonoros o constructivos del soneto clásico. «Con mucha humildad?escribe Neruda?hice estos sonetos de madera, les di esta opaca y pura substancia», que contrapone a las «rimas que sonaron como platería, cristal o cañonazo» de los poetas que anteriormente abordaron el soneto. Del mismo modo, es evitado el principio del mantenimiento de un patrón métrico y rítmico invariable, y, con mayor razón todavía, la estructura silogística y simétrica en la exposición de lo contenido en cuartetos y tercetos. Pero este despojamiento voluntario es un medio para dejar expedita la más soberana libertad en la visión: se conquista una nueva y poderosa cohesión, la de una palabra de tierra, agua, aire y llama, la de una voz que es el metal y el elemento y oye el latido de un mundo en el latido del cuerpo amado. Himno a lo tangible, el amor en Neruda es también vía de acceso a la fusión con el núcleo último donde la conciencia reconoce su ser en el ser del mundo.