Después de la enfermedad llega la vida. De forma inevitable, una bienvenida sucede a un adiós: este nuevo libro de Luna Miguel enlaza con propuestas suyas anteriores, en cuanto a la reflexión sobre la enfermedad y la pérdida, pero también abre nuevas y luminosas líneas en su propia escritura. El deseo y el sexo, la maternidad o los roles femeninos replanteados destacan en "El arrecife de las sirenas", una de las más brillantes reflexiones que la poesía en lengua española ha afrontado sobre el papel de las hijas... y el papel de las madres.

Antanas Baranauskas (1875-1902), eminente poeta, lingüista, matemático y teólogo lituano, nació en Anykšciai, en el noreste de Lituania, entonces parte del imperio ruso. Hijo de campesinos, estudió en la escuela estatal de escribanos y ejerció esta profesión durante tres años, tras los cuales ingresó en el seminario gracias a la intercesión de una familia influyente. Continuó sus estudios en la Academia Católica de San Petersburgo y fue ordenado sacerdote en 1862. Tras pasar un tiempo en las universidades de Múnich, Lovaina y Roma, impartió clases de Teología, primero en la Academia y después en el seminario de Kaunas, donde se dedicó también a sus investigaciones lingüísticas y matemáticas. En 1897 fue nombrado obispo de Sejny (en la actual Polonia); ahí le sorprendió la muerte traduciendo la Biblia al lituano. La floresta de Anykšciai (Anykšciu šilelis) se considera la expresión más elevada de la relación entre el hombre y la naturaleza, tan propia de la tradición cultural lituana, así como uno de los hitos de la poesía en ese idioma. En sus dos partes -escritas en la tierra natal del poeta durante los veranos de 1858 y 1859- se narra la historia de los bosques de Anykšciai. La obra es como un grito de dolor no solo por los bosques perdidos, sino por la situación de la patria oprimida. Para describir estos sentimientos y experiencias espirituales, así como las maravillas de la naturaleza y el deleite que produce a todos los sentidos, el poeta utiliza de forma creativa los recursos del vocabulario popular. El texto fue publicado por primera vez en el almanaque de L. Ivinskis (1860-1861). Es una de las obras más representativas de la literatura lituana. Dra. Carmen Caro Dugo lleva más de quince años dedicada a la enseñanza del castellano en la Universidad de Vilnius (Lituania), donde actualmente es profesora titular del Departamento de Lenguas Románicas y dirige cursos de traducción. Dra. Brigita Speicyte es especialista en literatura lituana, profesora titular del Departamento de Literatura Lituana de la Universidad de Vilnius e investigadora en el Instituto de Literatura y Folclore lituanos.

La poesía de Gerardo Diego se ha caracterizado por su fecunda variedad. En numerosas ocasiones el poeta manifestó su alto concepto de la poesía por su pureza y su libertad. Pureza en su sentido más amplio y nítido y libertad en todos los órdenes de la expresión artística. De ahí su tan traída y llevada versatilidad, que le permitió ser respetuoso cultivador de la tradición y avanzado experimentador y aventurero del futuro, corrientes que mantuvo a lo largo de sus casi setenta años de poeta. Pero por encima de aparentes contradicciones y de las diferencias formales entre su poesía «de creación» y su poesía «de expresión», está un mismo sentido del hecho poético, en el que el impulso vanguardista todo lo impregna con lo avanzado de un lenguaje cuyos recursos originales igualmente advertimos en un poema taurino, en el soneto a una catedral gótica, en la estructura de un libro religioso y en la interpretación de una sinfonía o del inefable arte de tal o cual músico. Un constante anhelo de renovación y búsqueda caracteriza esta poesía en su fecundidad y dilatada permanencia temporal. Así hasta la senectud, en la que con nobleza y serenidad ejemplares sentimos la emoción del poeta, mantenida con vital laboriosidad hasta el último momento, ante los más altos valores: la creación, la fe, el amor, la amistad, la memoria del tiempo pasado y la crecida entereza ante la vejez y la cercana muerte. Tal fue su excelente legado a la poesía española.

La poesía de Gerardo Diego se ha caracterizado por su fecunda variedad. En numerosas ocasiones el poeta manifestó su alto concepto de la poesía por su pureza y su libertad. Pureza en su sentido más amplio y nítido y libertad en todos los órdenes de la expresión artística. De ahí su tan traída y llevada versatilidad, que le permitió ser respetuoso cultivador de la tradición y avanzado experimentador y aventurero del futuro, corrientes que mantuvo a lo largo de sus casi setenta años de poeta. Pero por encima de aparentes contradicciones y de las diferencias formales entre su poesía «de creación» y su poesía «de expresión», está un mismo sentido del hecho poético, en el que el impulso vanguardista todo lo impregna con lo avanzado de un lenguaje cuyos recursos originales igualmente advertimos en un poema taurino, en el soneto a una catedral gótica, en la estructura de un libro religioso y en la interpretación de una sinfonía o del inefable arte de tal o cual músico. Un constante anhelo de renovación y búsqueda caracteriza esta poesía en su fecundidad y dilatada permanencia temporal. Así hasta la senectud, en la que con nobleza y serenidad ejemplares sentimos la emoción del poeta, mantenida con vital laboriosidad hasta el último momento, ante los más altos valores: la creación, la fe, el amor, la amistad, la memoria del tiempo pasado y la crecida entereza ante la vejez y la cercana muerte. Tal fue su excelente legado a la poesía española.

¿Qué es la vergüenza para un hombre que desea simplemente que el cuarto en que pasó su infancia sea ocupado por un niño mejor? Ellos decían, vergüenza sólo para hacer cosas malas. Vergüenza sólo para morir por los que no tienen tu sangre. Vergüenza los cristales rotos que coronaban el muro del colegio para que los niños no viesen el mundo. Cada vez que alguien me dice eres una vergüenza para tu familia algo en mi cuerpo encuentra su lugar. "Génesis", de Pablo Fidalgo Lareo. Pablo Fidalgo Lareo (Vigo, 1984). Ha publicado los libros de poemas La educación física (Pre-Textos, 2010) y Mis padres: Romeo y Julieta (Pre-Textos, 2013). También La retirada (Premio Injuve, 2012, Artesequienpueda ediciones, 2014) y Tres poemas dramáticos (Ediciones Liliputienses, 2015). Sus libros se han publicado en Argentina, Chile y Portugal. Ha estrenado las performances O estado salvaxe. Espanha 1939 (2013), Habrás de ir a la guerra que empieza hoy (2015) y Daniel Faria (2017). Ha escrito los textos Só há uma vida e nela quero ter tempo para construir-me e destruir-me (Ciclo Panos, Culturgest, Lisboa, 2015) y Allez mourir plus loin (HTH, Montpellier, 2016). Ha comisariado ciclos de artes escénicas para MARCO (Vigo) y Alhóndiga Bilbao. Dirige el Festival Escenas do cambio en Cidade da Cultura, Santiago de Compostela. Vive y trabaja en Lisboa.

Los poemas de Turtle Island van desde lo lírico y lo casi místico hasta lo mítico-biótico, incluyendo algunos abiertamente políticos. Todos, sin embargo, comparten una visión común: un redescubrimiento de esa tierra y los caminos por los cuales sus habitantes podrían llegar a ser nativos del lugar, dejando de pensar y actuar como recién llegados e invasores. Para Gary Snyder cada ser vivo es un remolino en el flujo, una turbulencia, una "canción". La tierra, el planeta mismo, es también un ser vivo. Los anglos, los negros, los chicanos y todos los que se hallan en esas costas comparten esta idea en los niveles más profundos de sus antiguas tradiciones culturales: africanas, asiáticas o europeas. Gary Snyder considera que hay que regresar a esas raíces, para encontrar la antigua solidaridad y llegar a estar todos juntos y en armonía en la Isla de la Tortuga. Su pensamiento es esencialmente un posthumanismo según el cual no debemos considerarnos diferentes de los animales. En su obra se articulan diversos referentes: el budismo zen, las tradiciones amerindias y la mística de lo salvaje.

Ana Castro (Pozoblanco, Córdoba, 1990) es periodista y trabaja en el ámbito de la Comunicación Corporativa. Ha promovido y participado en distintos proyectos culturales, entre ellos el Festival Cosmopoética. Sus poemas aparecen en diversas antologías. El cuadro del dolor es su primer poemario. El cuadro del dolor, merecedor del III Premio de Poesía Juana Castro, es el primer poemario de Ana Castro. En él se recoge una aproximación poética al dolor, en la que cobran especial sentido las raíces y la genealogía familiar y literaria y en la que el lenguaje se vuelve insuficiente, abriéndose así a una serie de imágenes orgánicas y ficticias en su intento por tratar de darle un nombre. En el fallo del premio, el Jurado destacó: "el poemario versa sobre el dolor, sobre las raíces y la familia, orgánico y material, sugerente y crudo. Con más voz personal que eco, el poemario posee ritmo interno y elige un léxico contenido para expresar intensas emociones".

Libro compuesto de 286 aforismos. Los textos reflexionan en torno a la condición humana. El amor, la sociedad, la política, la moral, las costumbres, la escritura, etc. son el terreno en que transitan estos aforismos.

Fernando Menéndez (Mieres, 1953) ha escrito varios libros de poesía, además de diversos manuscritos caligrafiados que han sido objeto de varias exposiciones. En el campo de la aforística Artificios es su sexta publicación, tras Biblioteca interior, que recoge una muestra del trabajo de los grandes aforistas europeos, Dunas, Hilos sueltos, cuaderno en que el autor engarza sus propios aforismos con los de otros autores europeos, Tira líneas y Salpicaduras, libro cuya traducción al italiano ha merecido la Mención de Honor en el Premio Internacional «Torino in Sintesi» de 2014, convocado por la Associazione Italiana per l¿Aforisma. En Artificios Fernando Menéndez ha recuperado aforismos anteriores que con otros nuevos nos descubren espacios para la reflexión sobre el arte y el pensamiento, como lo son aquellos sobre los lienzos de Roktho o la Multa Paucis de Cicerón.

«Salpicaduras se compone de doscientos setenta y cuatro versos, todos ellos individuales. Distintos pero no distantes, y, por eso, yendo juntos ?salpican?. La palabra ?salpicaduras? creo que envuelve dos sentidos principales. En primer lugar, trataría de una actividad que transmite su fuerza a partir de elementos minúsculos, diminutos, uno a uno leves en apariencia; y, además, que esa actividad distribuida minimesimalmente se arroja de golpe como respuesta a una problemática definida del entorno» (Silverio Sánchez Corredera).

Y el ángel dijo entonces: te enseñaré qué pintan ahora los maestros antiguos. Y me llevó a otra sala, y me mostró un paisaje: una laguna de aguas verdiazules, con huellas de un naufragio, y una multitud en cada orilla. Quiénes son, pregunté; por qué lloran. Los que nacieron en el siglo de la muerte de la muerte, respondió; los que ya nunca podrán cruzar al otro lado. "Laguna" Abraham Gragera (Madrid, 1973), ha publicado Adiós a la época de los grandes caracteres (Pre-Textos, 2005). También para la editorial Pre-Textos ha traducido, individualmente y en colaboración, a Louise Glu?ck, W. S. Merwin y Pascal Quignard. Algunas otras traducciones suyas pueden leerse en el blog Las ocasiones: (www.abrahamgragera.blogspot.com). Colabora con la coreógrafa Luz Arcas en la compañía de danza contemporánea La Phármaco.

En este libro se anota la vida: la que se recuerda y se ha perdido, la que nos ha forjado en sangre y en tierra, la que aguarda en la observación del día a día. María Sánchez ha afrontado en "Cuaderno de campo" una reflexión sobre la familia, y cómo nos construye, y sobre el cuerpo, y cómo nos acuna o nos aísla -según el lugar al que queramos dirigirnos-, y sobre nuestra propia posición con respecto a nuestros orígenes. Estos poemas transcurren en casas antiguas, durante ceremonias heredadas, entre animales que también nacen, crecen, se reproducen, mueren. Una obra sabia, delicada y a la vez en guardia, dispuesta a protegerse y atacarnos.

La fecha del tricentenario de la muerte de Góngora dio nombre a una generación poética que supuso una verdadera eclosión de tan alto valor literario que muchos críticos no dudaron en hablar de " un nuevo siglo de oro " de la poesía española. Si bien al principio unía a sus miembros una concepción común del arte deshumanizado, cada uno llegó a crearse su propia personalidad. Basta citar los nombres: Salinas, Guillén, Gerardo Diego, García Lorca, Alberti, Domenchina, Dámaso Alonso, Aleixandre, Prados y Altolaguirre.

La lírica de Cernuda se presenta como expresión trágica de los dos polos que acotan el mundo del poeta: el deseo, siempre insatisfecho, de unión con lo bello y puro, y la mediocre realidad que le rodea. Su poesía, elegante y serena, alcanza una hondura excepcional.

" Platero y yo " es el mejor conjunto de poemas en prosa de la literatura española. Lectura de niños y adultos en todos los países de habla hispana. Traducido a las más importantes lenguas de cultura. Libro que es, entre otras cosas, elegía andaluza, autobiografía lírica, inmortalización del pueblo natal del autor y creación de un mito imperecedero: el burrillo de Moguer. Michael P. Predmore, especialista en la obra de Juan Ramón, ofrece en este volumen el texto cuidado de la edición alargada (1917), cuatro apéndices y un estudio de esta obra clave de la literatura contemporánea.

El entusiasmo del público y de la crítica por esta obra juvenil ha crecido con el tiempo y ha transformado " Veinte poemas de amor " en uno de los libros clásicos de la poesía amorosa contemporánea; un libro que se aleja de la experiencia modernista y anticipa las claves de la escritura posterior de Neruda. Aparentemente, Neruda utiliza todos los ingredientes del repertorio romántico: canta al amor sensual y apasionado, evoca la nostalgia por la mujer ausente y da cuenta, a la postre, de la separación y la ruptura definitiva. Pero el poeta no canta el sentimiento melancólico becqueriano, ni la felicidad rebosante de la conseguida plenitud erótica, sino sólo el amor ligado a la existencia.