Georg Heym (1887-1912) forma parte de la llamada primera etapa del Expresionismo alemán (1910-1914). A pesar de su muerte prematura con solo veinticuatro años, Heym ocupa un lugar destacado entre los grandes nombres de la literatura expresionista como Gottfried Benn, Georg Trakl o Else Lasker-Schüler. Umbra vitae, publicado de manera póstuma el mismo año de su muerte, es la obra que lo consagra. Los poemas de este libro, más maduro y osado que El día eterno (1911), recogen una atmósfera de amenaza y peligro que se agazapa en la sombra, envolviendo al poeta y revelándole como en sueños, proféticamente, los tormentos de la guerra, el sufrimiento y la aniquilación del ser humano, y su propio final. Umbra vitae no tardó en despertar el interés del artista Ernst Ludwig Kirchner, quien realizó una serie de grabados en madera para la reedición del libro en 1924. El resultado no solo funde texto e imagen, sino que nos narra dos historias: la de dos hombres que han sufrido, dos hermanos espirituales que transmiten el presentimiento o la experiencia de la muerte. La conjunción de imagen y texto hace de Umbra vitae una obra de culto para poetas y artistas.

El 27. La generación del 27. Los poetas del 27. Cualquier lector sabe de qué poetas estamos hablando: Guillén, Lorca, Dámaso, Aleixandre... Pero ¿no hay algo artificioso en que entre la nómina de poetas que vivieron las mismas circunstancias históricas no se contemple ninguna de las poetas que entretanto se han ganado el reconocimiento como las Sinsombrero? Presentamos, en un solo libro, un nuevo 27 que, enriquecido por las savias antes despreciadas de las Sinsombrero, y articulado en torno a los tres grandes poetas de la época (Lorca, Aleixandre, Cernuda), incluye a un predecesor tan admirado como Juan Ramón Jiménez y a su discípulo más talentoso, Miguel Hernández. Un 27 vibrante, entusiasta, seductor, desafiante y vital. Un 27 como nunca se había leído antes.

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Las únicas certezas que poseemos sobre esta autora son las relativas a su biografía, como su verdadero nombre (Christine Thonhauser), el lugar y las fechas de su nacimiento y muerte (Wolfsberg, 1915-1973), que fue la menor de nueve hermanos y, resumiendo mucho, que su vida estuvo marcada por la enfermedad y la pobreza, y que es una de las escritoras en lengua alemana más importantes de la historia de la literatura.Es cierto que la poesía de Christine Lavant es, a menudo, hermética, pues utiliza el propio lenguaje para oponerse también a una lengua con la que no puede expresar todo lo que le gustaría ni como le gustaría hacerlo. Más que confirmar su hermetismo, a mí me gustaría reivindicar la poesía de Christine Lavant como revolucionaria. Porque se vale del lenguaje para luchar contra el propio lenguaje, porque toma la soledad y el rechazo como arma para enfrentarse a aquello que le aporta tanta felicidad como sufrimiento. Porque el principio y fin últimos de su amor y su rechazo son ella y su existencia. Todas las ellas y todas las existencias que, como su universo, no dejan de girar, transformarse y multip

 El amor y su sentimiento, el amor y la verdad, el amor y la muerte, el amor y su sufrimiento. Esos son los temas fundamentales de El rayo que no cesa, el volumen que Miguel Hernández (Orihuela, 1910-Alicante, 1942) publicó en 1936 en la editorial Héroe. Es la obra más acabada del poeta. Demipage recupera, en esta bellísima edición con ilustraciones tipográficas de Jean Assémat, los textos originales del poeta.El rayo que no cesa, el rayo solar, una identidad cósmica inagotable. Recordar a Miguel Hernández es un deber de amor. Pocos poetas tan generosos y luminosos como el muchachón de Orihuela cuya estatua se levantará algún día entre los azahares de su dormida tierra. (à) ¡Nos toca ahora y siempre sacarlo de su cárcel mortal, iluminarlo con su valentía y su martirio, enseñarlo como ejemplo de corazón purísimo! ¡Darle la luz! ¡Dársela a golpes de recuerdo, a paletadas de claridad que lo revelen, arcángel de una gloria terrestre que cayó en la noche armado con la espada de la luz! Pablo Neruda.ISBN 

Este volumen recoge el fruto de cuatro décadas de trabajo de uno de los poetas fundamentales de nuestrotiempo.Su dilatada trayectoria es un alto ejemplo de lo que un poeta debe ser. Independiente, ajeno siempre a tendencias y efímeras modas, ha evolucionado desde las elegías primeras hasta sus cantos celebrativos de hoy, y ha ahondado en un lirismo tan personal como despojado y emocionante. La compleja sencillez, la transparencia de su palabra, lo singularizan desde el comienzo, y son dos de los rasgos más característicos de su obra.

Qué cosa sea un recuerdo, o mejor aún, cómo se recuerda, se pregunta REKORD mientras va dejando grabados pedacitos de esa lengua en la que una se va acordando de las cosas, por el camino confirmando que el relato y el marco del relato del recuerdo no son tan verificables en el pasado mientras que la sensación y el detalle, su concreción, sí podrían guardar un poco más de veracidad. Y como nadie vive completamente a solas y como nadie habla a solas una lengua, aquí se entiende que en un recuerdo particularmente grabado en la cinta verbal del poema podrían resonar otros recuerdos particulares que lo escuchen. Nadie vive una biografía, mucho menos las vidas más orientadas sobre el deseo y su temporalidad cambiante. Morir nacer y crecer. Crecer morir y nacer. Nacer morir y crecer. Y todas sus combinaciones. Acordarse como afección continua y espontánea; recordar cómo momento activo y discontinuo de extracción; la ficción de al menos dos recuerdos imposibles de tener y algunos flashes meta. Frente a la baja pulsión vital de esta pequeña era, el gozo de experiencias que no solo se disfrutaron o penaron sino que a

Sale es un álbum sin fotografías y una plaquette hecha de poemas que salen del libro REKORD. Si REKORD es un libro en torno al recuerdo, al cómo se recuerda y reconstruye el recuerdo desde el presente de un solo cuerpo que dentro de él parecería estar figurando unos recuerdos particulares, Sale quiere impregnar la historia económica y política más allá de una sola vida, a partir de la idea de que un cuerpo está hecho de muchos cuerpos que lo precedieron en el pasado, que tú no le perteneces a tu familia y que la intimidad y la individualidad son algo mucho más abierto, mucho más común, es decir, a partir de la superposición de tiempos pasados y de la colectividad que nos conforma como sujetos.

Sin lugar a dudas, El Cantar de los Cantares es uno de los más hermosos poemas de amor de la literatura universal y su interpretación religiosa y alegórica ha motivado multitud de estudios de la tradición exegética judía y cristiana. No es seguro que su interpretación alegórica fuera anterior a su incorporación a los libros de la Biblia. Del Rabí Akiba ha llegado hasta nosotros una aguda afirmación: «Todas las escrituras son sagradas, pero El Cantar de los Cantares es la más sagrada de todas». En nuestra época se ha ido imponiendo, como indica Rolf Rendtorff, que se trata de canciones de amor probablemente para celebraciones de matrimonio. De todas formas, divino o humano, lo que resplandece en el poema es un paisaje de índole pastoril en el que se canta, de la manera más inspirada, el Amor que convierte lo divino en humano y lo humano en divino por alcanzar los más altos niveles de la Poesía.

Un libro sobre el horror y los secretos inconfesables, por el que circulan todo tipo de personajes extremos: toda una Internacional de alcohólicos, pederastas y maltratadores. Pese a todo, ni la morbidez del tema ni la repulsión del juego deben distraernos de la sustancia: este libro es una auténtica hazaña poética, construida sobre la musicalidad, la digresión y el trabajo interminable de voces.

Se exploran temas como las conexiones familiares y sentimentales, la experiencia de ser mujer en todas las etapas de la vida, la implicación de ser y estar en el mundo. Todo esto, con el deseo y la complejidad del amor como trasfondo, junto con la búsqueda constante de la felicidad que se solapa con el desafío de entender la inevitabilidad de la muerte.

Reinterpretar El Diván del Tamarit cobra un especial sentido en el día de hoy, según la mirada de la poesía contemporánea. El autor, Ernesto Pérez Zúñiga, lo hace a la luz de un espejo cóncavo, que invierte aquello que refleja, según la inspiración otra grande de las letras españolas, Valle Inclán. Se trata de invertir el orden establecido por uno de los poetas más desestabilizadores de nuestra literatura y proponer una nueva lectura de su obra, pero siempre respetando la esencia de su legado. Los poemas están reescritos invirtiendo el orden de las palabras y el orden de los versos.

YOLANDA CASTAÑO (Santiago de Compostela, 1977) cumple veinte años publicando poesía originalmente en gallego y, desde entonces, sus hasta ahora seis poemarios le han valido premios como el de la Crítica Española, el Espiral Maior, el Ojo Crítico y el Novacaixagalicia. Ediciones bilingües gallego-castellano de los más recientes han visto la luz en Visor Libros, caso del Libro de la Egoísta (2006) y de Profundidad de Campo (2009). Activa dinamizadora cultural, desde 2009 dirige varios proyectos estables, siempre con poetas gallegos e internacionales: un ciclo mensual de lecturas, un festival de poesía y un taller de traducción poética. Filóloga y videocreadora, ofrece además talleres literarios, recitales, videopoesía y otras muestras de su trabajo por toda Europa y América, además de Túnez, China o Japón. Durante años trabajó en televisión (Premio Mestre Mateo Mejor Comunicador/a de TV 2005) y publicó columnas en distintas cabeceras gallegas. Habiéndose traducido en parte a más de quince lenguas, ha publicado obras también como editora, traductora de poetas contemporáneos y autora de poesía infantil. Desarrolla multitud de experiencias que fusionan la poesía con otros lenguajes creativos, bien en solitario o en colaboración con otros artistas, y ha sido distinguida con becas internacionales de creación en residencia en Rodas, Múnich y Pekín. «El cuerpo es el cuerpo y el idioma es el idioma: ahí donde chocan, con las palabras que se arañan y la piel que no alcanza a tocarse, se desenvuelve La segunda lengua. Yolanda Castaño, una poeta libre que ha experimentado ya con todos los lenguajes que apelan a todos los sentidos —el escrito, el escuchado, el visto, hasta el sabido—, concluye que quizá falta verbo para nombrar lo que se necesita, o todo lo contrario: que el mundo ahoga de tantas voces diferentes. La segunda lengua reflexiona sobre la escritura y su tensión con la vida, sobre la escritura como modo de vida y sobre la escritura como vida paralela, y propone un recorrido bello y durísimo por esas más dudas que certezas: para qué el lenguaje, para qué el cuerpo, qué espacio entre ambos, por qué no ocuparlo» (Elena Medel).

en qué medida lo que aparenta ser un punto ciego en medio de la casa humana del lenguaje viene y se repite como sombra para decir soy yo la polvo el nada la mismísima de siempre descenso interminable subida interminable repetición magnífica del cosmos tal el barco en la noche y la estela abriéndose camino "Utilidad de las estrellas" "En este libro se presenta la alianza de una palabra austera, cercana al minimalismo, con imágenes intensas y fulgurantes de la mejor tradición expresionista que dialogan con los mitos y la historia. El resultado es un libro casi testamentario, que mira al mundo con esperanza y convencimiento, sin deponer la voluntad utópica que tiene siempre la mejor poesía"

El puente Roque González comunica las ciudades de Posadas, en Argentina, y Encarnación, en Paraguay. Forma parte del paisaje de quienes participaron en su construcción, de quienes lo contemplaron a ras de ciudad, y de quienes día a día -tiempo después- cruzan el río Paraná o se asoman por primera vez a él. Acaso Los años frente al puente sea entonces un libro de memoria: de la propia y de la ajena, de la que nos acompaña y de la que erige piedra a piedra, instante a instante, y también de la que se nos transmite en los recuerdos que escuchamos o en las historias que leemos. Pero este libro es también un río en el que desembocan afluentes como temas. La paternidad, y el aprendizaje de los hijos, pero también el de los padres. El papel de lo histórico en la vida cotidiana. El sentido de frontera: la pertenencia o no, el movimiento o no. La tensión entre la experiencia intelectual y la experiencia física, entre el pensamiento y la acción. Y sobre todo el humor, la posibilidad de afrontar lo que sucede desde la orilla luminosa. Andrés Barba ha escrito sobre un puente que sirve como metáfora, pero que es en esencia un objeto colectivo cargado por la mirada.

¡Qué hermosa es la caída de la tarde, la luz del cielo en tierras como estas, oh, Italia, paraíso de exiliados! ¡Tus cordilleras, mares y viñedos, las torres que rodean tus ciudades! Qué dicha disfrutar de aquella vista bajo tu cielo. En el lugar preciso donde descabalgamos, los criados de Máddalo esperaban con la góndola. Igual que un peregrino se detiene para poder gozar de un buen paisaje, así nos demoramos a admirar el crepúsculo, el cielo entre Venecia y el Lido reflejado en la laguna… *** Julián y Máddalo es un poema del gran poeta romántico inglés Percy Bysshe Shelley, quien imagina una conversación entre él mismo (optimista e idealista) y su amigo Lord Byron (pesimista y escéptico) sobre la condición humana y la posibilidad de remediar los males de la sociedad. A instancias de Byron, visitan a un interno en el manicomio de la laguna veneciana, cuyo atormentado monólogo contrasta con la conversación fluida de los dos amigos. Julián y Máddalo invita a reflexionar sobre el valor de la palabra en las interacciones humanas, y lo sombrío de la existencia cuando el diálogo deviene imposible. Esta versión, que sepamos, es la primera que aparece en español y trata de rendir homenaje a estos dos poetas en el bicentenario de la muerte de Byron y de la publicación de los Poemas póstumos de Shelley en 1824, donde por primera vez apareció publicado Julián y Máddalo.

Sol de los insomnes, melancólica estrella cuyo rayo de lágrimas brilla trémulamente en la distancia mostrando la oscuridad que no puedes disipar, eres de igual manera un recuerdo en la alegría. Así el pasado brilla, luz de otros días que ilumina, pero no calienta, con sus débiles rayos. La tristeza vela para contemplar un rayo nocturno, distinto pero distante, claro, pero –ah, tan frío. «Sol de los insomnes» Melodías hebreas constituye el único de los poemarios líricos del autor dotado de una unidad conceptual, al modo en que hoy los entendemos (y no, como entonces, como simple recopilación), y contiene varios de los poemas más celebrados, famosos y bellos del poeta: «Camina en la belleza», «La destrucción de Senaquerib», «Te vi llorar», «Luminoso sea el lugar de tu alma», «Arrebatada en la flor de la belleza», «Sol de los insomnes» o «No pronuncio, no escribo, no aliento tu nombre». Son piezas que forman parte del canon de la literatura lírica anglosajona y, por la gran influencia de esta, de la universal. Constituye, además, la última de sus obras antes de exiliarse de su patria para siempre. Coincide la publicación de estas Melodías hebreas con la celebración del bicentenario de la muerte de Lord Byron, figura clave y uno de los poetas más destacados del Romanticismo. Las Melodías hebreas se presentan por primera vez en castellano acompañadas además de la reproducción, por primera vez desde 1824, una de las partituras para los que estos poemas fueron compuestos.

SURCO Cuadernos de poesía es una nueva Revista sobre creación poética, ensayo, crítica y traducción literaria, concebida desde la atemporalidad, ajena a modas y corrientes literarias, no desgastada de partida por las imposiciones del mercado, que propone una visión trascendente sobre lo sublime poético en el siglo XXI, una reconfiguración del escenario y de los actores en la poesía moderna y una suerte de revolución estética que vuele por los aires las limitaciones y las convenciones del lenguaje poético contemporáneos. A lo largo de las páginas de SURCO Cuadernos de poesía, dialogaremos, reflexionaremos y escribiremos en torno al fenómeno poético. Así es como se fijan los universos; así es como se anticipan las vanguardias. En el número 4 de SURCO Cuadernos de Poesía, intervienen: Imre Kertész, Hugo Mújica, Laura Cesarco Eglín, Florencia Lobo, Carlos Jiménez Arribas, Yamila Transtenvot, Eduardo Moga, Edda Armas, Reynaldo Pérez Só, Lucas Margarit, Julio Monteverde, Roger Gilbert-Lecomte, Francesc Parcerisas, Lara Dopazo Ruibal, Miren Agur Meabe, Allen Ginsberg, Ezra Pound, Michael Reck. «Con el más