Casa nostra, ganador del XI Premio de Poesía José Zorrilla entre doscientos cincuenta originales de todo el mundo, alude —en palabras de su autor— a «las cuatro casas que los hombres poseemos en sentido metafórico: el pasado, la infancia, la muerte y, en muchos casos, la literatura». Antonio Manilla —«un autor consagrado que escribe con oficio y corazón», según Raquel Lanseros— nos ofrece uno de sus poemarios más perfilados, con una poesía clara y comprensible, que aúna pensamiento y emoción, y cuyos versos están marcados por la identidad, la experiencia y la esperanza. "Me he sumergido en estas páginas y no tienen desperdicio. Es un libro ejemplar en cuanto a la idea, la realización y sus virtudes métricas." Luis Alberto de Cuenca

Hay en Hombres con un diente de leche una reflexión tierna e insólita sobre la masculinidad, la clase y las relaciones entre padres e hijos. El campo se extiende hasta donde alcanza la vista, pero no como posibilidad o espacio idílico, sino como lugar de trabajo. Luis Díaz pone palabras a la herida seca, a la tradición que ahoga, a las manos que arrancan zarzas y esquilan la lana, a lo que nunca se dijo.

La mirada escéptica y serena de una poeta que viene a renovar la literatura en español.«El riesgo de crear —de acceder a la realidad— es el don que trae el poema a este libro que se teje, de asombro en asombro, en los bordes del dolor, ese "centro que te sostiene". Pero el poema no es sólo portador, es también presencia interpelada, testigo lúcido de una morada llena de incertezas donde es posible alumbrar la fiebre más desnuda del lenguaje.» María Negroni «Si un libro parece prescindir de las interrogaciones, pero se sostiene sobre ellas, se acerca a la más alta hondura: la que echa raíces hacia el cielo. La que envía preguntas como envía las manos, diciendo su verdad. La que pierde lo que nunca tuvo y entierra al padre en sí misma, en su cuerpo de palabras.» María Ángeles Pérez López «Deslizándose con elegancia y profunda emoción entre lenguas y géneros literarios, la poesía de Corina Oproae se concentra en una semilla común, despojada de lo accesorio para conservar únicamente la esencia: el misterio de la verdadera poesía.» Ana Blandiana   «En el centro de su universo poético está el yo como fuerza y núcleo de un todo que encierra pájaros, árboles, estrellas, y galaxias, un todo hecho de tiempo en el que la memoria a menudo conduce a la infancia recuperada o a la experiencia revivida del amor.» Piedad Bonnett Como en un gran teatro del mundo, en los poemas de esta obra se asoman cornejas, cuervos, álamos, raíces, heridas y entierros. Y como en una sucesión de tableaux vivants, comparecen poetas, en sucesivos actos, como Plath, Szymborska, Blandiana, Bishop o Pizarnik entre otras creadoras, invocadas en composiciones de largo aliento y en profundo diálogo estético, meditativo y biográfico, aunque nunca confesional, con un yo poético que acaba por hacerlas íntimamente suyas. Y es que la poesía de Corina Oproae nos habla aquí del misterio de la creación, y de cómo en gestos, detalles, escenas, el lenguaje logra la verdadera emoción poética de su autoconciencia.

Vivimos incomunicados: los unos de los otros y cada cual del mundo. Fingimos que no para sobrevivir, pero en realidad muy pocas veces compartimos ser, lo que somos, con los seres que nos envuelven. De esas pocas veces es responsable la poesía, que sigue creyendo en las palabras como puente, posibilidad, vehículo o sexto sentido. Los poemas de este libro se van probando palabras que estallan como epifanías (ninguno de sus textos carece de algún descubrimiento esencial), encuentros, revelaciones. Dejemos uno como prueba titulado “Fiat lux”: “Creí que escribiendo la palabra peldaño/ podría subirlo./ Creí que si escribía la palabra roca/ podría agarrarme./ Naufrago. / Quizás también lo escribí”. JESÚS AGUADO

Desde el dolor más crudo nació la poesía como último acto de supervivencia. Carne hecha Verbo es un poemario autobiográfico escrito desde un cuerpo colapsado por el trauma, la depresión, la ansiedad, la memoria y la herida de la violencia sexual en la infancia.

Alejandra Martínez de Miguel (Madrid, 1994) es artista. Licenciada en Arte Dramático por la Escuela de Interpretación Cristina Rota, graduada en Psicología por la UCM y máster en Sexología por la UCJC. Autora de los poemarios Báilatelo sola (Plan B, 2019) y Al cuerpo de una mujer (Plan B, 2023). Participó en la antología de relatos Ya no recuerdo qué quería ser de mayor (Temas de Hoy, 2019) y coordinó la antología poética Una poesía para cada año de tu vida (Temas de Hoy, 2023). Actúa, escribe e imparte talleres de escritura. Revelaciones, ganador del I Premio Joven de Poesía Jaime Gil de Biedma, es su tercer poemario. La poesía rompedora de Alejandra conquistó al jurado del premio. Así lo reconoció Fermín Herrero, quien hizo hincapié en la pluralidad de pasiones de la autora, subrayando cómo esa multiplicidad se traslada al libro, donde dialogan voces que van desde Karmelo C. Iribarren hasta Emily Dickinson. Martínez de Miguel propone una poética desinhibida, no exenta de un humor ácido y soterrado. Revelaciones aparece con una fuerza inusitada que se desplaza del cuerpo a las palabras y desemboca en la pasión desenfrenada. Con osadía, mediante imágenes yuxtapuestas, sin puntuación y con un voltaje poético muy alto, logra anudar lo coloquial con lo metafórico.

Mi sombra es mujer reúne, por primera vez en español, una selección de la poesía de Halina Poswiatowska, una de las poetas más leídas en Polonia, aunque casi desconocida en España. A Poswiatowska se la considera en su país la poeta del amor

Considerada la Ajmátova bielorrusa, Yauheniya Yaníshehyts (Rudka, 1948 - Minsk, 1988) pertenecería a esa promoción de escritores de los años setenta que como Ryhor Baradulin o Danuta Bichel, sienten un gran amor por su tierra natal y se ven influidos por las generaciones que vivieron directamente la Gran Guerra Patria, pero también muestran en su poesía la importancia de la tradición y el folklore eslavo, el paisaje y sus gentes y, sobre todo, la necesidad de reivindicar la lengua bielorrusa, es quizás aquí donde reside el mayor atractivo de Yaníshchyts: la renovación y frescor de su obra, marcada por una gran riqueza imaginística en el uso de los recursos estilísticos, la variedad de discursos textuales, la maestría de la rima y el verso, los juegos de palabras, un exquisito vocabulario sobre la naturaleza, etc., sin olvidar también una vertiente de preocupaciones sociales e históricas: desde la denuncia de la deshumanización contemporánea hasta constatar el sufrimiento de las viudas y madres de posguerra, a la vez que también se apunta una línea más meditativa sobre el tiempo y la propia existencia, todo este abanico estético hace que su poesía adquiera un enfoque verdaderamente actual y universal.

Javier Calderón Luna, un nombre que resuena con fuerza en la nueva poesía española con distinciones como el premio Federico García Lorca de la UGR, nos presenta Un decir, obra galardonada con el III Premio de poesía Pablo García Baena. Con ella, se inserta en la corriente de la “nueva trascendencia”, tomando la tradición metafísica de Chantal Maillard o Juan Eduardo Cirlot, con una clara voluntad de agotar las posibilidades espirituales del lenguaje, donde dialogan otras voces jóvenes actuales como las de Ángela Segovia, Juan Gallego Benot o Jorge Solís. Un decir se propone como un ejercicio de honestidad radical que desafía los límites entre lo individual y lo colectivo, lo sagrado y la verbalidad. El autor se enfrenta en estos poemas a la incertidumbre de un mundo líquido, trazando un mapa de coordenadas existenciales donde la fe y la vulnerabilidad de la razón se dan la mano. En Un decir, Javier Calderón vuelve su mirada a la sacralidad de la palabra, desde el "Génesis" hasta los "Cantares" o los "Salmos", pero lo hace a través de una mirada contemporánea, salpicada de referencias a la cultura popular y a la vida cotidiana. Como él mismo escribe, "es posible otro dios / dentro del lenguaje". La poesía de Javier Calderón Luna es una exploración metapoética del lenguaje mismo donde el autor se interroga sobre el acto de nombrar y sus consecuencias. La palabra es a la vez salvación y condena, puente y abismo. La búsqueda de la verdad se presenta como un juego infinito, en el que "si supiéramos qué decir / si supiéramos la respuesta / se acabaría el mundo". Este poemario es un viaje hacia el origen, a una infancia marcada por la inocencia y el juego de las "palabras encadenadas", para después "limpiar el nombre de significado / desescamar el significante". Calderón nos invita a acompañarlo en esta reflexión, con la promesa de "sacar dos lomos limpios de espinas". Un decir es, en definitiva, una obra que se asienta en la reflexión y la coherencia formal, pero que late con la emoción y la fuerza de un lenguaje lleno de vida, capaz de situarnos en una nueva frontera entre la contracultura y Dios.

“Punto Triple del Agua”, de Regina Salcedo —obra ganadora del Premio Internacional de Poesía José Hierro 2025—, explora la metamorfosis íntima a través de una estructura tripartita que evoca los tres estados del agua: sólido, líquido y gaseoso. Con un lenguaje poético, se teje un diálogo entre lo elemental y lo existencial, disolviendo las fronteras entre lo íntimo y lo universal. Un poemario profundamente personal que propone una travesía simbólica del ser, donde la palabra se hace materia fluida, capaz de transformarse y trascender.

Estos Haikus de la bomba atómica son el fruto de diez años de estudio e investigación de su autora sobre la guerra y la exposición a la radiación, así como del testimonio de los hibakushas o supervivientes. El horror y la barbarie de la caída de las primeras bombas atómicas, relatados en la primera parte de este libro, contrastan con los haikus de la segunda, que conforman un canto, una oración a favor de la paz y la naturaleza, y convierten estos poemas en un impactante documento humano de algo que jamás debería repetirse.

Edgar Allan Poe no sólo fue el primer poeta moderno de su país, sino que teorizó sobre la creación poética en textos de enorme lucidez, cuyo valor no ha disminuido con el paso del tiempo. El más famoso y conocido de ellos es La filosofía de la composición, muchas veces citado, traducido y publicado, pero en este volumen se añaden a él El principio poético, Los fundamentos del verso, Fantasía e imaginación, así como los ensayos que Poe dedicó a sus contemporáneos Elizabeth Barret Barret (sic.) y Longfellow, e igualmente una serie de textos breves sobre Shelley, lord Byron, Tennyson y otros, que permiten al lector y al estudioso profundizar en la teoría poética de un autor fundamental.

IBN QUZMAN (Ábü Bakr Mühammad Ibn Quzman), lírico cordobés del siglo XII, es considerado, a partir del descubrimiento de su Cancionero en San Petersburgo en 1881, como él poeta más original dé Alandalús. A diferencia de otros autores dé corté más clásico, él ofrece una descripción sin remilgos dé las costumbres dé la España árabe, con aristócratas devaluados, jueces venales, alfaquíes hipócritas é intolerantes: una sociedad a la vez epicúrea y reprimida, orgullosa y sojuzgada, hija dé la dictadura dé Almanzor y del ambiente relajado dé los reinos de Taifas. Los cejeles de este cordobés, que escribía un dialecto popular y de temas poco convencionales, se extendieron con éxito por todo el mundo árabe y es tal su singularidad que su obra puede ser calificada sin duda como genial. Federico Corriente, catedrático dé Estudios Árabes é Islámicos en la Universidad de Zaragoza, lleva años dedicado al estudio del Cancionero dé Ibn Quzman, del que ha realizado tres ediciones en castellano y una en árabe, producto de su trabajo sobré él manuscrito original (El Cairo, 1995; Premio del Ministerio dé Cultura dé la Repúbli

El gran poeta Alexandr Pushkin (1799-1837), padre de la literatura rusa, cultivó con éxito todos los géneros: poesía, novela, cuento, teatro… Pero el poema narrativo es el que se convertirá en la piedra angular de toda su obra. Con él consigue fundir las corrientes tradicionalista y europeísta en una sola, expresiva, elegante y sobria, de su propia creación; y forja la lengua y la literatura rusas tal y como hoy la conocemos. En sus poemas narrativos, Pushkin entrelaza las novedades llegadas a Rusia desde occidente, dominado por Lord Byron, con el folclore y las leyendas rusas. El gran éxito que Pushkin consigue con la publicación en 1820 del poema narrativo Ruslán y Liudmila (también disponible en Visor), con el que se abre el Siglo de Oro ruso, le anima a seguir escribiendo para este género. Entre los nuevos poemas narrativos se encuentran los recogidos en este libro: La fuente de Bajchisarái (1823), Los gitanos (1824) y Poltava (1829), acaso los más importantes y representativos. En ellos, Pushkin evoluciona desde unos parámetros byronianos, más subjetivos y sentimentales, a otros más personales en los que se aprecia la clara influencia de Shakespeare.

Como lectores, nada nos dispensa de la tarea de cotejar la altura de su palabra con nuestra circunstancia, pues Unamuno (1864-1936) pertenece a ese linaje de maestros que siempre tienen que decirnos aquello que necesitamos escuchar. Se les llama clásicos, y, por fortuna, pertenecen al dominio público. «Un pensador que enseña cómo convertir el conflicto, la contradicción y la desesperación en fuente de energía tiene algo grande que ofrecer a las gentes de nuestra época», afirma Arturo Barea en el ensayo que dedicó al poeta y filósofo. «¿Necesitamos seguir oyéndole? ¿Tiene algo que decirnos?». A la pregunta de Aranguren, Bergamín contesta: «Para lectores jóvenes que aún quieran, y puedan, y sepan, leer en español, ningún mejor, más alto y puro ejemplo que el de Unamuno».

Más difícil que rescatar a un poeta del olvido es rescatarlo de la banalidad. O de la gloria, si es que no son lo mismo. Decenas de recopilaciones y estudios avalan la calidad de la obra poética y el valor moral de la trayectoria de Antonio Machado (1875-1939). Eso lo ha colocado en un altar tan alto que parece un trastero. Pese a todo, sucesivas generaciones de poetas han buscado allí su dicción personal y su hondo sentido ético. Además del consabido poeta civil, Antonio Machado fue un extraordinario poeta del paisaje, un geógrafo de la belleza. Y también y, sobre todo, un gran poeta del amor. Como sucede con los clásicos, su lectura es menos un deslumbramiento que una confirmación. Lo que hallamos en Machado lo intuíamos, pero no lográbamos decírnoslo; por eso se convierte en una compañía que apetece frecuentar. A finales de los cincuenta, preso, el poeta Jesús López Pacheco se lamentaba: «¡Es tan triste / estar solo en la cárcel sin Machado!».