Un hombre en medio de la nieve. También un perro. El perro, tantas veces víctima de la crueldad humana, de las novelas de Jack London... Bosques y arroyos congelados. Y un frío (estamos muy al Norte, en el Yukón) que, literalmente, mata. ¿Es despiadada la naturaleza o lo son sólo los hombres? No hay en ninguna de las dos versiones de esta historia, que reunimos por primera vez en nuestra edición, espacio para lo «sentimentaloide», y pocas veces el carácter de los hombres ha sido tan bien radiografiado como en estas pocas pero fundamentales páginas: angustiosas, hermosísimas y terribles a la vez.

En la pequeña localidad de Walgett, lugar donde transcurrió una parte importante de la infancia de Kenneth Cook, había un viejo llamado Benny que tenía como mascota un enorme canguro muy dado a aporrear a su anciano dueño alternativamente con las patas y la cola. De acuerdo a esta inclinación pugilística, el viejo Benny puso al canguro el nombre de Les, inspirándose en un célebre boxeador de la época. En la apacible comunidad de Walgett, Les no suponía un problema para nadie salvo para su amo; sin embargo, ciertas circunstancias impulsaron al canguro a darse a la bebida, y fue así como Les se convirtió en un peligro público. Este episodio, recuerda Cook, supuso su primera confrontación con una persistente verdad que toda su experiencia posterior en innumerables viajes por el Outback australiano no hizo más que confirmar una y otra vez: en la dicotomía entre naturaleza y cultura, al contrario de lo que pensaron filósofos como John Locke o Jean-Jacques Rousseau, la naturaleza no es la parte inocente y buena, y el ser humano tuvo muy buenas razones para alejarse de ella. En "El canguro alcohólico", tercer y último volumen de un vasto anecdotario con el Outback australiano como escenario, Kenneth Cook vuelve a dar cuenta de la aberrante fauna humana y animal que habita ese continente a medio camino entre lo silvestre y lo civilizado, en el que no es extraño encontrarse con ratones antropófagos, avestruces enloquecidos, escuadrones de rescate suicidas o emprendedores indigentes.

Mediador entre la "mente que crea y las manos que construyen ", Freder, único y amado hijo del Señor de Metrópolis, es el "corazón" que siente y sufre por los habitantes de la tecnológica Babel del futuro que viven al servicio de las máquinas. Rechazando la violencia de una revolución social, Freder, con la ayuda de María, "Virgen" y "Madre ", ofrece a una humanidad aniquilada por el trabajo y la fatiga la posibilidad de una rescate que les permita volver a la originaria armonía entre el hombre y la naturaleza y entre el individuo y la sociedad. Publicada en 1926, Metrópolis, la novela de Thea von Harbou, guionista de algunas de las películas más importantes del cine alemán de los años veinte y treinta, nace como una adaptación del guión que la propia autora había preparado para la homónima película de Fritz Lang. Incluso en su natural proximidad con el tema original y la obra maestra del director vienés, la novela de von Harbou se presenta, sin embargo, como un obra autónoma, caracterizada por una escritura visionaria, vibrante y a menudo fabulística que logra captar los aspectos más devastadores de la moderna sociedad industrial. Thea von Harbou nace el 27 de diciembre de 1888 en Baviera, en el seno de una familia noble germano-danesa venida a menos. Después de dedicarse a la carrera de actriz, decide finalmente entregarse a la literatura convirtiéndose, al final de la Primera Guerra Mundial, en una autora muy popular. En los años veinte comenza su intensa actividad cinematográfica, colabora con los más importantes directores alemanes de la época como Murnau, Dreyer o von Gerlach. En 1922 se casa con Fritz Lang con el que firma, entre otros, los guiones de Metropolis (1926), M, el vampiro de Düsseldorf (1931) y El testamento del Dr. Mabuse (1933). En 1932 se afilia al Partido nacionalsocialista convirtiéndose en una de las figuras más representativas de la industria cinematográfica del Tercer Reich. Muere en Berlín en 1954.

El vino de la juventud recoge los trece relatos que Fante publicó en 1940 con el título de Dago red, más otros siete aparecidos posteriormente en distintos medios. Exceptuando los dos últimos, todos giran alrededor de una familia de inmigrantes italianos afincada en Colorado. El que cuenta es el hijo mayor, un adolescente al que vemos crecer, observar a sus padres, quizá intentar comprenderlos, o juzgarlos. Y el conjunto, una crónica de la vida en América en los años veinte del siglo pasado, tiene una coherencia y una unidad novelescas. Y así, somos testigos del momento en que se conocen los padres del protagonista, de cuando el pequeño héroe se confiesa con un cura y cuando descubre que no tiene camisa para ir a la iglesia; seguimos sus aventuras en el colegio de monjas y después vemos como el padre envejece y el hijo mayor lo celebra liándose a puñetazos con él... «Uno de los auténticos chicos malos de la literatura esta- dounidense del siglo XX» (Allen Barra, Salon.com). «Un escritor tan potente como cualquiera del canon estadounidense, pero mucho más subversivo, más original y con más inventiva que la mayoría» (Neil Gordon).

Salmoni fue deportado a Auschwitz en abril de 1944, donde se le asignó el número A15810. Cuando los soldados alemanes rastrearon y destruyeron el gueto de Roma, el 16 de octubre de 1943, él consiguió escapar a la violencia que sufrieron las más de mil personas capturadas y deportadas en uno de los días más tragicos que la ciudad recuerde. La suya fue una suerte efímera: solo seis meses después acabó en manos de los camisas negras de Mussolini y su vida se transformó en un calvario. Un largo viaje hacia la muerte, lo definió. Fue deportado a Via Tasso, calle romana tristemente famosa porque allí había una cárcel fascista donde los presos vivían en condiciones infrahumanas. Tras pasar por otras prisiones del régimen Regina Coeli y Fóssoli Salmonì llegó a Auschwitz. Tenía 24 años y dejó de ser Rubino Romeo para ser el número A 15810, un objeto, un animal que tenía que ser eliminado.

«El periodismo puede, y debe, echar mano de todos los recursos de la narrativa para crear un destilado, en lo posible, perfecto: la esencia de la realidad.» Una mujer capaz de asesinar a tres amigas poniéndoles cianuro en la taza de té; otra que mató a su hija minutos después de parirla; un mago al que le falta una mano; un grupo de rock cuyo integrante más famoso tiene síndrome de Down... Como asegura Leila Guerriero, no hay nada «más sexy, feroz, desopilante, ambiguo, tétrico o hermoso que la realidad». Frutos extraños es la primera antología que se publica en España de Leila Guerriero, para quien la crónica debe tener «la forma de la música, la lógica de un teorema, y la eficacia letal de un cuchillazo en la ingle». Este libro nos descubre la cara más sensible, vigorosa y palpitante de una profesión que atraviesa tiempos difíciles, y obra el milagro de hacernos creer de nuevo en el periodismo. Reseña: «Guerriero encuentra un género que incorpora herramientas del relato de ficción pero se atiende a las reglas de la investigación periodística. Es difícil no pensar en el antecedente de Truman Capote, desde la misma posición del autor, que parte de la gran ciudad a la localidad provinciana para escribir el crimen, moviéndose en un campo cargado de recelos y de laboriosas complicidades.» Babelia, El País

Madrid, verano de 2010. Corren los días del Mundial de fútbol y, mientras los ojos de todos están puestos en los tortuosos avances del equipo de España en Sudáfrica, la comisaria María Ruiz se enfrenta a un tenebroso crimen: un joven ha aparecido asesinado. Sin identidad visible. Sin pistas aparentes. Sin móvil. Mujer atractiva, concienzuda y tenaz, María iniciará una investigación que se complicará cada vez más. . Pero no está sola: el veterano periodista Luna, un maestro de la profesión hoy acorralado por la crisis y la era digital, y Tomás, brillante informático de la policía, serán claves para llegar hasta el fin. La intriga será para ellos tan trepidante como la que acompañó a la selección nacional hasta su gesta final.

Un relato autobiográfico lleno de dolor y de belleza sobre la muerte de su hija, por la autora de El año del pensamiento mágico. «Durante las noches azules uno piensa que el día no se va a acabar nunca. A medida que las noches azules se acercan a su fin (y lo hacen, lo hacen siempre), uno experimenta un escalofrío literal, una visión de enfermedad, en el mismo momento de darse cuenta: la luz azul se está yendo, los días ya se están acortando, el verano se ha ido. Este libro se titula Noches azules porque en la época en que lo empecé a escribir sorprendí a mi mente volviéndose cada vez más hacia la enfermedad, hacia la muerte de las promesas, el acortamiento de los días, lo inevitable del apagamiento, la muerte de la luz. Las noches azules son lo contrario de la muerte de la luz, pero al mismo tiempo son su premonición.» Joan Didion En su celebrado libro El año del pensamiento mágico, Joan Didion contemplaba cómo los rituales que formaban parte de su vida cotidiana cambiaban drásticamente con la súbita muerte de su marido en 2003. Dos años después su única hija, Quintana Roo, moría a los treinta y nueve años de edad. En Noches azules Joan Didion hilvana instantáneas literarias y recuerdos olvidados sobre la vida y la muerte de su hija. Noches azules versa sobre lo que queda tras la pérdida de un ser querido. Críticas: «Poco a poco se va haciendo claro tanto para el lector como para Didion que sus reminiscencias no son solo una elegía a Quintana, sino también un lamento por el paso del tiempo.» Michiko Kakutami, The New York Times «Un clásico breve y sombrío.» Kirkusreviews.com

Esta obra con olor a conserva y salitre es un bosquejo de una época que pudo ser. Del mismo modo en que la extinta Balaena Biscayensis realizaba sus migraciones por nuestro litoral, pudieron hacerlo celacantos, ninfas, tritones o quimeras. Y, al igual que la codicia humana extinguió nuestro cetáceo nacional, pudo haber exterminado todas esas mágicas criaturas. Pensado para penetrar por los sentidos y emocionar, este libro-objeto pretende esbozar desde el presente un tiempo pasado en el que todo estaba por descubrir. El universo nacido de la imaginación y del pincel del artista Rober Garay encuentra voz en la novela de Fernando Palazuelos Zapatos en la arena, creando una obra única en su especie.

«Una poderosa novela que merece la pena leer.» Michiko Kakutani, The New York Times «La casa redonda presenta un lenguaje asombroso que recuerda la coloratura de Faulkner, García Márquez y Toni Morrison. Profundamente emotiva e imposible de olvidar.» USA Today Un domingo de primavera de 1988, una mujer india ojibwe es agredida en la reserva donde vive en Dakota del Norte. Los detalles de la brutal violación tardan en conocerse ya que Geraldine Coutts ha quedado traumatizada y se niega a revivir o contar lo ocurrido, tanto a la policía como a Bazil, su marido, y a Joe, su hijo de trece años. En solo un día, la vida del muchacho da un vuelco de forma irreversible. Intentará ayudar a su madre, pero esta se atrinchera en la cama hasta naufragar paulatinamente en un abismo de soledad. Cada vez más solo, Joe se verá arrojado de forma prematura al mundo de los adultos para el que aún no está preparado. Mientras su padre, juez tribal, intenta conseguir que se haga justicia, Joe se siente frustrado con la investigación oficial y, con la ayuda de sus leales amigos, Angus, Cappy y Zack, se propone encontrar algunas respuestas por su cuenta. Su búsqueda les conducirá en primer lugar a la casa redonda, un espacio sagrado y de culto para los nativos de la reserva. Y esto no será más que el principio.

Edición conmemorativa del quincuagésimo aniversario de la publicación de Rayuela. Incluye, en exclusiva, el mapa del París de Rayuela y la historia de la creación de la novela contada a través de las cartas de Julio Cortázar. «Contranovela», «crónica de una locura», «el agujero negro de un enorme embudo», «un feroz sacudón por las solapas», «un grito de alerta», «una especie de bomba atómica», «una llamada al desorden necesario», «una gigantesca humorada», «un balbuceo». Con estas y otras expresiones se aludió a Rayuela tras su aparición en 1963. Sin duda, la publicación de la novela conmocionó el panorama cultural de su tiempo y supuso una verdadera revolución en la narrativa en lengua castellana: por primera vez un escritor llevaba hasta las últimas consecuencias la voluntad de transgredir el orden tradicional de una historia y el lenguaje para contarla. Plena de ambición literaria y vital, renovadora de las herramientas narrativas, destructora de lo establecido y buscadora de la raíz de la poesía, es quizás el libro donde Cortázar está entero, con toda su complejidad ética y estética, con su imaginación y su humor. Y, transcurridas más de 5 décadas desde su primera publicación, Rayuela sigue siendo leída con curiosidad, asombro, interés y devoción. Cortázar empieza por proponer un acercamiento activo al libro y ofrece varias posibilidades de lectura: el lector ha de decidir: ¿optar por el orden de lectura tradicional?, ¿seguir el tablero de dirección?, ¿remitirse al azar? Después lo lleva a dos lugares distintos «Del lado de allá», París, la relación de Oliveira y la Maga, el club de la serpiente, el primer descenso de Horacio a los infiernos; y «Del lado de acá», Buenos Aires, el encuentro de Tráveler y Talita, el circo, el manicomio, el segundo descenso. ¿Viaje hacia delante?, ¿viaje hacia atrás? Viaje iniciático, sin duda, del que el lector emerge tal vez con otra idea acerca del modo de leer los libros y de ver la vida. Un mosaico donde toda una época se vio maravillosamente reflejada. La novela llega a los lectores hoy, en su 50º aniversario, acompañada de un mapa del París de Rayuela y de un apéndice donde Cortázar mismo cuenta la historia del libro que buscó el más allá de todas las fronteras. Reconocidos autores opinaron... «Ningún otro escritor dio al juego la dignidad literaria que Cortázar, ni hizo del juego un instrumento de creación y exploración artística tan dúctil y provechoso. La obra de Cortázar abrió puertas inéditas.» Mario Vargas Llosa «Si no hay una voluntad de lenguaje en una novela en América Latina, para mí esa novela no existe. Yo creo que la hay en Cortázar, que para mí es casi un Bolívar de la literatura latinoamericana. Es un hombre que nos ha liberado, que nos ha dicho que se puede hacer todo.» Carlos Fuentes «Prosa hecha de aire, sin peso ni cuerpo pero que sopla con ímpetu y levanta en nuestras mentes bandadas de imágenes y visiones, vaso comunicante entre los ritmos callejeros de la ciudad y el soliloquio del poeta.» Octavio Paz «Cortázar es el mejor.» Roberto Bolaño «Su fundación de apertura es otra Rayuela, un libro que es la misma novela, pero que empieza al cerrar este libro.» Julio Ortega «Cortázar nos ha dejado una obra tal vez inconclusa pero tan bella e indestructible como su recuerdo.» Gabriel García Márquez

En esta parodia de la historia de la civilización, Anatole France ha elegido como protagonista a un animal gracioso y endomingado que recuerda a la caricatura de los burgueses de finales del XIX y principios del XX: los pingüinos. La isla de los pingüinos arranca con un episodio hilarante: el bautizo por error, a cargo de san Maël, de los pingüinos del ártico. A partir de ahí, Anatole France describe en forma novelada los rasgos más notables de la historia de la humanidad, mezclando el amor y la guerra, el poder absoluto y la revolución, la religión y la especulación financiera, incluso insinuando la guerra nuclear y denunciando los rasgos característicos del actual proceso de globalización, que a lo que se ve, no son nada nuevos. Es difícil a veces contener la risa al leer este texto heredero de Rabelais y Swift y que se anticipa a Orwell.

Una playa del Mar del Norte, un marido ausente, un amigo de la pareja... y ella, la parte femenina de esa pareja, que nos contaba cuarenta años después cómo fue el (imposible) amor en la casa de la duna. «Éramos como dos instrumentos afinados de repente». Lo que importaba era ese «de repente», esa urgencia de ser, de saberse vivo, de querer caer y levantarse a un tiempo. Las breves pero intensas páginas de Para un ruiseñor no son menos conmovedoras que aquéllas de Hace cuarenta años. Es evidente que su autora rememora el mismo episodio vital, pero ahora con indudable tristeza. Si entonces volvía a poner en pie, con cada detalle, con cada mínimo gesto, un momento pasado que revivía como el más vivo presente, ahora parece no atreverse a volver enteramente a ese mundo. Y esa vida pasada no es ahora una existencia paralela, sino que adopta la figura de un ruiseñor que viene a cantar junto a su ventana, como si el camino de vuelta, que la autora recorría en Hace cuarenta años para volver al pasado vivo, se hubiera cegado de pronto y su recuerdo no fuera ya un mapa de regreso, sino pura melancolía. Con ese lirismo que nos recuerda tanto a San Juan de la Cruz como a John Keats, que va del símbolo a lo real, Para un ruiseñor es mucho más que una memoria del amor: nos enseña a vivir en varios tiempos a la vez, a vivir la vida sin dejar de vivir nuestras vidas anteriores, a sobrevivir a la intensidad pasada sin perderla, y, lo más importante, sin renunciar a la intensidad presente. Pocas obras en prosa hay tan hermosas como ésta.

Si Horace Walpole puede considerarse el padre indiscutible de la novela gótica, Ann Radcliffe fue sin duda la madre. La ingeniosa y racionalista Ann Radcliffe evoca en sus obras los aspectos más sombríos y dramáticos de la naturaleza con una cierta poesía. Mediante una recargada ornamentación y una extravagante dramatización de las más variadas formas de transgresión (incesto, violación...), que prometían peligros inminentes, luego desplazados o incumplidos, lograba captar la atención del lector. Fue la más eximia representante de la escuela gótica y logró poner de moda aquel género en las postrimerías del siglo XVIII. Su influencia alcanzó a escritores como Byron, Shelley o las hermanas Brontë. Aunque " Los misterios de Udolfo " se ha convertido en su obra más famosa, " El romance del bosque " fue la que más entusiasmo despertó entre sus contemporáneos (Coleridge o Walter Scott no escatimaron elogios en su momento), y hoy en día está considerada como la mejor novela de la autora. La importancia y la influencia del paisaje en los personajes y acontecimientos de la novela, las ruinas como símbolos de la fugacidad y del deterioro y desplome de las creaciones humanas y el culto de lo sombrío sustentan las contradictorias emociones de placer y miedo que tratan de provocar simultáneamente las novelas góticas.

“Nadie querría morir orinándose encima. Es mucho peor que morir desnudo, sin un atisbo de dignidad. Cuando me preguntan cómo me gustaría morir, yo respondo con el vestido de flores moradas. Es el más bonito que tengo”. El juego de las sillas, además de un pasatiempo infantil, es una metáfora de la vida: cada vez, alguno de nosotros se quedará sin sitio, y deberá abandonar el juego. El amor, la guerra, la libertad, la rebeldía… poderosos y eternos dardos que atraviesan las vidas de los moradores de un pequeño pueblo. Tres voces femeninas tejen la red de esta novela: conoceremos a Teresa, Martina y Eulalia en su infancia, correteando por los adoquines, y en su juventud, con sus ilusiones y rupturas, y también hoy, asomando, ya ancianas,  a través de las grietas de la memoria, tomando café, cada cual en su silla… Una novela de estilizada belleza construida sobre los sentimientos, pero también sobre la dignidad y sobre el papel reparador de la memoria.

Tubby, un exitoso guionista de televisión, está felizmente casado y tiene una amante platónica. Su vida sigue un curso armónico hasta que empieza a sufrir unos inexplicables dolores de rodilla y unas inesperadas turbulencias espirituales que lo lanzarán al proceloso mercado de las terapias, con sus inefables promesas de instantánea curación.

El título de La piedra de moler es una cita del Evangelio (Mateo, 18, 6), el símbolo de una pesada carga. La protagonista de esta novela, una joven brillante que prepara su docto­rado sobre el soneto isa­belino en el swinging London de la década de 1960, se queda embarazada del hombre con quien tiene relaciones sexuales por primera y única vez. Tras las primeras dudas, decide seguir adelante con el embarazo y dar a luz sin pareja, sin casarse, sin decirle nada al padre de la criatura. Una compleja reflexión sobre lo que significa tanto la independencia como la necesidad de los demás.

No hubo nunca mejor época que ésta para ser mujer: tenemos el voto y la píldora, y desde 1727 ya no nos envían a la hoguera por brujas. Pero, ¿cómo ser mujer? Esa es precisamente la gran, eterna pregunta a la que Caitlin Moran se propone responder en una obra que aborda a calzón quitado -a veces literalmente-, con inteligencia, desvergüenza e ironía y también una salvaje franqueza, los principales aspectos de la condición femenina. Mezcla de libro de memorias y de divertida vociferación, apoyándose siempre en sus experiencias como mujer, feminista e hija de una familia numerosa y proletaria, Caitlin Moran se describe con una sinceridad y una audacia militantes, y habla con absoluta sinceridad de su relación con su cuerpo. Y con la comida, con los hombres, con el trabajo, la sexualidad, la maternidad, el aborto. Pero también escribe sobre la importancia de Lady Gaga, y los errores y horrores de la depilación más íntima, o el botox. Y sobre mucho más. Así, alternando provocativas observaciones sobre la vida de las mujeres con historias ferozmente divertidas sobre sí misma, desnuda, deconstruye y arroja al fuego la imagen políticamente correcta de la mujer del siglo XXI. Y nos descubre página tras página esos secretos que se cuentan en voz baja las amigas verdaderas, y no esas equívocas colegas que jamás se quitan la máscara de la feminidad perfecta. «El feminismo, sostiene Caitlin Moran, es demasiado importante para que se lo dejemos a los académicos. Y su libro, tan brillante y tan necesario, tan implacablemente cómico y tan serio, es precisamente lo que el feminismo estaba esperando» (Frances Wilson, Times Literary Supplement). «Digámoslo de entrada: este libro es un bombazo. Hay frases que os harán reír a carcajadas, situaciones reales como la vida misma, y en las que os reconoceréis, asombradas. Y es muy, muy divertido... El gran mérito de Cómo ser mujer es que contribuye a la confianza en sí misma de las mujeres. Y nos recuerda que el sexismo, y todo lo que va unido a él, no sólo es represivo, sino aburrido y estúpido» (Miranda Sawyer, The Observer). «Una crónica ocurrente y atrevida de la feminidad contemporánea... Una escritora con talento, verdaderamente original» (Germaine Greer, The Times). «Muestra el lado irónico del feminismo más feroz y provocativo» (Paola Sara Battistioli, Tu Style).

Daniel Stein, intérprete está considerada la gran nove­la rusa de nuestro tiempo. Inspirada en un personaje real, nos cuenta la historia de un judío polaco que sobrevive al Holocausto disfrazándose de alemán y hacien­do de intérprete para la Gestapo. De esta ma­nera consigue salvar la vida de cientos de judíos del gueto de Emsk. Después de la Segunda Guerra Mundial, Daniel Stein se convierte al catolicismo, entra en la orden de los Carmelitas Descalzos y emi­gra a Israel, donde también tendrá que nadar a contracorriente. Él es el hilo conductor que une las apasionantes vidas de unos personajes a través de cuyas voces asistimos en directo a lo que fue Europa central después de la Segunda Guerra Mundial.