Las cartas de la extraordinaria Emily Dickinson. Una aproximación única a su enigmática intimidad. Lejos de ser un mero complemento, las cartas de Emily Dickinson son parte esencial de su universo poético. La belleza de sus poemas se encuentra también en estos textos, a medio camino entre la poesía, la confesión y el diario íntimo. De las más de mil cartas que Emily Dickinson escribió a lo largo de su reclusa -aunque intensísima- vida, Nicole d#Amonville ha seleccionado, anotado y traducido, con excelente criterio, fino oído y sabiduría, su personal canon, como ya hiciera con los poemas. El resultado es la edición más rigurosa y ambiciosa que se ha hecho en castellano del epistolario de la gran poeta norteamericana, una de las escritoras más extraordinarias y enigmáticas de todos los tiempos. Jorge Luis Borges dijo... «No hay, que yo sepa, una vida más apasionada y solitaria que la de esa mujer. Prefirió soñar el amor y acaso imaginarlo y temerlo. En su recluida aldea de Amherst buscó la reclusión de su casa y, en su casa, la reclusión del color blanco y la de no dejarse ver por los pocos amigos que recibía. Además de la escritura fugaz de cosas inmortales, profesó el hábito de la lenta lectura y la reflexión.»

Cuenta la descarnada historia de amor entre Zou Lei -una inmigrante ilegal musulmana de origen chino de la etnia uigur que ha entrado en Estados Unidos por la frontera mexicana- y Brad Skinner -un excombatiente de la guerra de Irak que vuelve a su país y al que persiguen los demonios del conflicto-. Conforme Zou Lei se abre paso en trabajos brutales, los reservados a los desclasados en una sociedad opulenta y estratificada, y Skinner se aferra a los resquicios de razón que le quedan para combatir las pesadillas que amenazan con convertirse en profecías, únicamente podrán aferrarse al espacio compartido. La suya será una conmovedora relación que parece nutrirse más de la inhumana adversidad que sienten que de los sentimientos tradicionalmente asociados a ese lujo llamado amor.

Ana Merino vuelve a aproximarse a la dificultad inherente a cualquier relación social en su última obra de teatro, La redención, ambientada en un futuro distópico, en el que Jaime y Rodrigo trabajan en una planta de tratamiento de residuos altamente tóxicos junto al mar. Jaime posee un gran sentido del humor y cierta tendencia a las infidelidades. Rodrigo es un hombre torturado por un accidente que le hizo perder la memoria. Ada, la inspectora jefe de la compañía, acudirá con su asistente Isabel hasta esa planta de residuos para asegurarse de que se están llevando a cabo los protocolos correctos. Su asistente Isabel, que está pasando por una compleja crisis existencial, vive convencida de que unos seres de otro planeta vendrá a salvar la tierra. Ada, Jaime y Rodrigo presenciarán atónitos las visiones y las crisis nerviosas de Isabel mientras una serie de circunstancias aislarán a todo el grupo junto a Nicolás, el psiquiatra de la empresa de residuos que ha llegado a tratar las crisis de Isabel.

Aunque esta novela fue escrita en la época del cine mudo, y tiene toda la gracia de las comedias de enredo de esa época, son fundamentales en ella los soberbios diálogos de los personajes, entre el sofisticado toque británico y el desparpajo yanqui. Un grupo de bromistas, y a la vez románticos, estudiantes de la Universidad de Oxford (entre ellos un norteamericano) forman un club literario muy peculiar: se hacen llamar los Escorpiones. Su próximo reto será escribir una novela sobre personajes reales, dos nombres descubiertos en una carta encontrada por azar en una librería: Kathleen será la heroína de la historia y Joe será el héroe. Pero esto es sólo la primera parte del reto, pues enseguida comenzará la Gran Aventura Kathleen: conocer a la joven protagonista de su novela por los medios que haga falta. La búsqueda de la muchacha por parte del club literario de los Escorpiones está llena de momentos memorables y divertidísimos. Disfraces, mensajes falsos y, sobre todo, un encanto atemporal. Risas y sonrisas. Tal y como sucedía al leer La librería ambulante, los lectores llegan al final de esta novela un poco más felices que como la comenzaron.

En la feroz, brutal Ciudad de México, donde el aire es denso y la violencia está siempre latente, hay un policía rudo, de la vieja escuela, que se aclara la garganta con lingotazos de whisky. Emiliano Conejero es duro pero sentimental, como bien saben sus pintorescos subalternos. Hay, claro, una chica, Julia Gis, una niña bien que lo atempera y, como no, hay un misterio que resolver en una ciudad en la que nada es fácil. Nuestro protagonista y su séquito siguen obsesivamente la pista al estrangulador de la media azul durante 25 trepidantes capítulos que casi dejan sin aire al lector.

Una novela que reproduce los últimos días de la enigmática escritora española Adelaida García Morales, y que reafirma a Elvira Navarro como una de las voces más singulares de su generación, revitalizadora de una literatura comprometida y maestra en el terreno del retrato psicológico individual y el retrato social. Adelaida García Morales es una de las figuras más misteriosas que ha dado la cultura en las últimas décadas. La celebridad adquirida por sus libros El Sur (adaptado por Víctor Erice en la famosa película homónima) y El silencio de las sirenas hizo que el mutismo en el que la autora fue sumiéndose se tornara especialmente inquietante. En 2014 falleció sin apenas reconocimiento. Los últimos días de Adelaida García Morales es el relato, en clave de ficción, de las jornadas que precedieron a la muerte de la escritora. Poco antes de su deceso, García Morales acudió a una delegación de Igualdad pidiendo cincuenta euros para poder visitar a su hijo en Madrid. Inspirándose en esta anécdota real, la presente novela de Elvira Navarro entrelaza dos historias, dando lugar a una intensa y singularísima narración cercana al falso documental que abarca temas como las relaciones paternofiliales, la naturaleza de la creación, el tratamiento que reciben las mujeres artistas, la ignorancia de las instituciones, la autodestrucción y la locura. Reseñas a las obras anteriores de Elvira Navarro: «El talento literario es un don natural de esta autora, que ha escrito un primer libro tan clásico como feroz y admirablemente transgresor: la sutil, casi escondida, verdadera vanguardia de su generación.» Enrique Vila-Matas, El País «La escritura de Elvira Navarro recuerda a un jarrón delicado que -al mínimo roce- se quiebra y divide, o se derrama en mínimos fragmentos que nos empeñamos en recoger y que nos cortan.» Elena Medel, Calle 20 «Libro magnífico e hiriente.» Marta Sanz, La tormenta en un vaso «Se trata de un libro aterido, de pelo húmedo, recorrido por el malestar de una fiebre fría y reptante. Ese escalofrío social nos retrata.» Eloy Tizón, El Cultural «Una autora admirable en muchos sentidos.» Nadal Suau, El Cultural «Repiensa el realismo para subvertirlo, para expandir sus posibilidades expresivas, para llevarlas a un extremo.» Damián Tabarovsky, Diario Perfil

Historia de historias, relato de relatos ambientado en la Praga del siglo xvi, De noche, bajo el puente de piedra nos habla del emperador Rodolfo II, rey de Bohemia y emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, amante de las artes, manirroto y paranoico; del gran rabino Loew, místico y vidente; y del riquísimo judío Mordejai Meisl y su bella esposa Esther, eslabón entre la corte y el barrio judío. El depositario de todos estos relatos es Jakob Meisl, un misterioso estudiante de medicina de Praga dispuesto a demostrarnos que «los profesores de historia que enseñan en los colegios y los señores que escriben los libros de historia no saben ni entienden nada», que el relato histórico suele olvidar la parte humana y mágica de nuestra existencia y que la verdadera literatura es, gran parte de las veces, mucho más real que la propia historia. Publicada por primera vez en 1953, poco antes de la muerte de su autor, De noche, bajo el puente de piedra está considerada unánimemente la obra maestra de Leo Perutz -uno de los grandes narradores del siglo xx, admirado por escritores tan dispares como Graham Greene, Ian Fleming o Jorge Luis Borges- y una de las mejores novelas históricas de la literatura universal.

El amor del revés es la autobiografía sentimental de un muchacho que, al llegar a la adolescencia, descubre que su corazón está podrido por una enfermedad maligna: la homosexualidad: «En 1977, a los quince años de edad, cuando tuve la certeza definitiva de que era homosexual, me juré a mí mismo, aterrado, que nadie lo sabría nunca. Como la de Scarlett O?Hara en Lo que el viento sellevó, fue una promesa solemne. En 2006, sin embargo, me casé con un hombre en una ceremonia civil ante ciento cincuenta invitados, entre los que estaban mis amigos de la infancia, mis compañeros de estudios, mis colegas de trabajo y toda mi familia. En esos veintinueve años que habían transcurrido entre una fecha y otra, yo había sufrido una metamorfosis inversa a la de Gregorio Samsa: había dejado de ser una cucaracha y me había ido convirtiendo poco a poco en un ser humano.» El amor del revés es la historia de un camino de perfección que trata de poner al descubierto, sin clichés y sin moralismos, la intimidad desnuda de alguien que de repente se siente apartado de las normas sociales y trata de sobrevivir entre ellas. El autor cuenta su propia vida con una sinceridad a veces hiriente: el descubrimiento de su condición sexual, los primeros amores juveniles, los problemas psicológicos derivados de su inadaptación, la terapia conductual que realizó para cambiar sus inclinaciones enfermas, la exploración del sexo, las primeras relaciones afectivas, los contactos con el mundo gay y el descubrimiento progresivo y tardío de la felicidad, «el valor exacto de la ternura». Es también el retrato de una sociedad infectada por la intolerancia y por el prejuicio, que busca enfermedades imaginarias para marcar su propio territorio moral. Hasta ahora Luisgé Martín había ido filtrando detalles de su biografía en sus novelas. En este libro convierte en objeto de la narración su propia vida, ejemplar en el sentido clásico del término: sirve para vislumbrar a través de ella las debilidades y las grandezas de la naturaleza humana; sus miserias, sus ambiciones y sus logros. El resultado de su empeño es una obra de una franqueza arrolladora y una calidad literaria excepcional que rememora décadas de máscaras, tanteos y exploraciones, en un trayecto primero doloroso y después liberador hacia el conocimiento de uno mismo. Un retrato íntimo y sin velos, una portentosa contribución a la literatura autobiográfica.

Holly Golightly, la protagonista de Desayuno en Tiffany's, es una de las heroínas más famosas de la literatura moderna. Inocente y tremendamente astuta; auténtica y sofisticada, Holly vive sin pasado, desterrada, y sin deseos de pertenecer a nada ni a nadie, dispuesta a lo que sea con tal de ser la mujer de mundo de su imaginación. A partir de una visión casual de un edificio de apartamentos, Truman Capote narra la relación de amistad entre un aspirante a escritor que acaba de mudarse a la ciudad de Nueva York, y su vecina Holly Golightly. Holly es el centro de cada una de las páginas de esta edición cuyas ilustraciones, realizadas por la artista canadiense Karen Klassen, formada en el mundo de la moda, realzan el glamour del personaje, pero también su frágil aura de diamante. La novela, publicada en 1958, se convirtió instantáneamente en un best seller, y es sin duda una de las obras más celebradas de este autor norteamericano. Desayuno en Tiffany's, una de las historias americanas por excelencia del siglo XX, adquiere en esta edición un valor único para los amantes, no solo de la mejor prosa de Capote, sino también de quienes, como indica el crítico McInerney, quieran encontrarse con la indómita Holly y su insalvable y misterioso destino.

El autor de este libro ordena su mente para comprender la vida. Viaja del ensimismamiento a la apertura, del yo al campo abierto, de la idea al mundo. Sin ruido retórico, poniendo atención, con una voz serena y firme, clara y precisa, Antonio Cabrera recurre a una prosa sin género para desentrañar lo que de inmediato y eterno hay en su existir: la poesía, los sentidos, las aves, la noche, lo leído, lo vivido, los recuerdos, el ahora, las palabras del padre, la mirada de Keith Richards... Y ante lo cotidiano, Cabrera cambia el punto de vista habitual y encuentra un nuevo ángulo desde el que pensar las cosas, desde el que indagar en ellas. En una época que adora lo fugaz y se rinde ante lo leve, Cabrera se pregunta: «¿Hace falta insistir en que del mundo únicamente nos separamos con el pensamiento?». El desapercibido es la insistencia en el pensamiento. Uno que resulta ser de tal naturaleza que, paradójicamente, mientras nos aparta del mundo nos permite entenderlo y, en consecuencia, acercarnos a él de un modo nuevo. El lector de estas páginas las leerá como quien sigue un rastro invisible hacia su propio interior y consigue entrar en él. El presente volumen ha sido galardonado con el XXII Premio Literario Café Bretón & Bodegas Olarra.

«Amo a Yusuf Atilgan, el escritor intensamente turco que se inspiró en Faulkner.» Orhan Pamuk Un hombre que se opone a todo, que se enfrenta a todo, que resiste a todo: un hombre ocioso. Ni tan siquiera tiene nombre. «C.» es como Yusuf Atilgan lo llama, así, escuetamente. C. no aguanta lo ordinario, lo monótono, las comodidades de la rutina, es superior a sus fuerzas. Hombre extraño y ansioso, desilusionado del amor, deambula por las calles de Estambul decidido a no sucumbir a las expectativas de la familia y de la sociedad. Publicada en 1959 y a menudo comparada con El extranjero de Albert Camus, Un hombre ocioso desafió los valores de la joven República de Turquía poniendo de manifiesto el sentido de alienación del hombre moderno. Yusuf Atilgan (1921-1989), uno de los maestros de la literatura contemporánea turca, se consagró con tan solo dos novelas El hombre ocioso y Hotel Madrepatria (1973), a las que hay que añadir algunos relatos y una tercera novela inacabada y publicada póstumamente. Gran lector de narrativa norteamericana, Atilgan introdujo en Turquía las técnicas más sofisticadas del modernismo occidental conjugándolas con la tradición literaria turca.

A medio camino entre la narración breve y la fábula, El arca de Noé reúne una colección de relatos con la que Radíchkov quiso capturar «toda la miseria y la grandeza de la vida» para preservarlas en el océano del tiempo. Una tarea obsesiva que lo llevó a dibujar maravillosos paisajes, rodeados de inmensas montañas, y a crear personajes que traspasan la frontera de lo real para adentrarse en el terreno de la ensoñación y del mito. Así es como se armó esta arca, por cuyas bodegas sopla el viento de los Balcanes y pasean pastores sarakatsani, bestias sobrenaturales, cazadores avezados y el propio diablo, bajo la atenta mirada de alguna cigüeña o de un zorro escondido en la espesura, esa tierra de nadie que surge entre lo visible y lo invisible. El arca de Noé es una de las más complejas y ricas obras de Yordán Radíchkov, un testimonio de la maestría de uno de los escritores búlgaros más importantes del s.XX y una ventana privilegiada al universo único de su obra, empapado en folklore y sabiduría popular y que inauguraría el llamado «realismo mágico balcánico».

LA MUERTE DE VIRGILIO es, sin lugar a dudas, una de las obras fundamentales de la narrativa del siglo xx. Su autor, Hermann Broch, figura junto a Kafka y Joyce, entre los escritores que, en torno a la década de los veinte, llevaron a cabo una renovación radical de este género literario. La muerte de Virgilio tomó cuerpo en las cinco semanas que Broch estuvo encarcelado en Alt-Ausse, tras ser detenido por la Gestapo. Acabará esta obra monumental -que aparecerá en 1945 casi simultáneamente en inglés y alemán- durante su exilio en Estados Unidos. Consciente de vivir un tiempo de transición, y trazando un paralelo entre la época de Augusto y la suya propia, Broch se plantea a lo largo de la obra cuestiones como la posibilidad del conocimiento y, muy especialmente, la función del arte en un tiempo de crisis. Combinando la reflexión filosófica con la lírica y el análisis psicológico, elabora un largo poema en prosa de un barroquismo delirante que desafía las normas de la narrativa tradicional. En la novela, el poeta Virgilio, en las horas anteriores a su muerte, cae en un duermevela en el que se funden el pasado y el presente, el sueño y la vigilia, lo tangible y la alucinación. Dilatada al máximo su capacidad de percepción por su progresivo desprendimiento de la realidad, lleva a cabo un minucioso análisis de su entorno físico y mental que se corresponde en la forma con una investigación profunda de las posibilidades del lenguaje

Caer es una isla en medio de ninguna parte. Sus habitantes buscan escapar, generación tras generación, de esa trampa mortal, de ese desierto en el que no crece ninguna forma de vida, y donde los días vuelven sobre sí como el eterno retorno de lo mismo. Porque la existencia ahí es insoportable, los habitantes de la isla han creado una sociedad donde la forma más alta de altruismo consiste en exterminarse, física y moralmente, los unos a los otros. Su gran sueño es escapar de Caer, saltar, volar, pero todos se vienen abajo irremediablemente. Todos, sin embargo, siguen escrutando el cielo, sólo para seguir odiando y maldiciendo la tierra de Caer. Y para esperar el regreso de su deforme mesías, Ilinuk, el único ser que ha podido escapar de la isla, y que prometió volver para salvarlos a todos.